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Reineke Fuchs. - Der listige Reineke Fuchs. Das ist: Ein sehr Nutzliches Lust- und Sinn- reiches Büchlein. o. O. u. J. (ca 1705). 16,1 x 10,2 cm. Mit 41 Textholzschnitten (inkl. Titel). 351 SS. Späteres Pgt. m. Rt.(Einband fleckig, Gelenke angerissen. Titel und einige andere Blätter an den Rändern mit minimalem Textverlust restauriert. Durchgehend gebräunt.)Vgl. Graesse VI, 85. Ebert 18850. - Seltene anonyme Ausgabe in Prosa des Volksbuches. Diese Ausgabe wurde wohl Ende des vorigen Jahrhunderts restauriert und in Pergament gebunden. Aus der gleichen Zeit stammt wohl auch das Exlibris eines englischen Sammlers im Innendeckel.

3 Armbanduhrenschatullen: Sinn (ohne Werkzeug), IWC Porsche-Design (l. besch.) und Seiko-Quartz. Verschiedene Materialien und Ausführungen, 2x mit Umkarton.

Six: Lance-Corporal C. F. May, Devonshire Regiment, later Lieutenant, 25th Battalion (Ilfracombe) Devon Home Guard British War and Victory Medals (1416 Pte. C. F. May. Devon. R.); Territorial Force War Medal 1914-19 (1416 Pte. C. F. May. Devon. R.); India General Service 1908-35, 1 clasp, Afghanistan N.W.F. 1919 (265170 L/Cpl. C. F. May. Devon R.); Defence Medal; Territorial Efficiency Medal, G.V.R. (265170 Pte-L/Cpl. C.F. May. 6-Devon. R.) mounted for wear, light contact marks, good very fine (6) £300-£400 --- Charles Faulkes May was born in Ramsgate, Kent in 1895. A Carpenter by occupation now living in Braunton, North Devon, he enlisted into the 6th (Territorial) Battalion, Devonshire Regiment in April 1911. Embodied as a Drummer with ‘B’ Company he embarked with his battalion for India on 9 October 1914. Following intensive training in India the 1/6th Battalion disembarked at Basra, Mesopotamia on 6 January 1916 and then commenced a 230 miles march on foot up the banks of the River Tigris to El Orah. The battalion took part in the attempted relief of Kut during the action at Es Sinn Dujailah Redoubt on 8 March 1916. Returning to India in 1919, May took part in the Third Afghan War attached to 1st Battalion, South Lancashire Regiment between May and September 1919. Disembodied on 22 November 1919 he was awarded his Territorial Efficiency Medal in November 1921. Returning to his employment as a carpenter in Braunton he enrolled for the Local Defence Volunteers on 29 May 1940 and was appointed Assistant Section Commander 25th Battalion (Ilfracombe) Devon Home Guard. Commissioned Second Lieutenant on 28 February 1944 and promoted Lieutenant the following October, he was discharged on disbandment of the Home Guard 31 December 1945. He subsequently served as a Lieutenant with the Devon Army Cadet Force, relinquishing his commission in September 1949. He died in Braunton on 12 June 1968, aged 75. Sold with photographic images of the recipient and other research. For the recipient’s Great War Wolseley Pattern Helmet, see the following lot.

The very rare ‘Easter Rising’ M.I.D. group of three awarded to Lieutenant H. E. Archer, Royal Navy, whose ship Adventure carried Lieutenant Spindler and the captured crew of the German Steamer Aud after their ill-fated attempt to deliver arms to Roger Casement for use in the Sinn Fein Rebellion 1914-15 Star (Lieut. H. E. Archer, R.N.); British War and Victory Medals, with small M.I.D. oak leaves (Lieut. H. E. Archer. R.N.) good very fine (3) £500-£700 --- Importation Duty This lot is subject to importation duty of 5% on the hammer price unless exported outside the UK --- --- Provenance: Dix Noonan Webb, February 1999. M.I.D. London Gazette 24 April 1917. Lieutenant Spindler arrived at the rendezvous at Tralee Bay off the West Coast of Ireland at 4:15pm on 20 April 1916. It was here that he was due to meet Roger Casement aboard a German U-boat and deliver his cargo of arms for use by the Sinn Feiners in the proposed uprising. He was in command of the German Steamer Aud, which was disguised as a Norwegian vessel. Upon arrival he found to his bitter disappointment that there was no U-boat in sight. According to the orders he had been issued with he was to wait just half an hour, at which point if the other party failed to put in an appearance, the Aud could either run into Fenit, or turn back home. In point of fact, Roger Casement was at the rendezvous aboard the U22 Commanded by Lieut. Commr. Weisbach, but from a distance the dark outline of the Aud had been mistaken for a British destroyer and as such, little more attention was paid to it. Spindler steamed about the bay till after dusk, displaying the prearranged green signal, but it soon became clear that there was no one at all to meet him. At 5am the following morning, the Setter II, skippered by John Donaldson, R.N.R. came alongside and boarded the Aud. Spindler, however, successfully deceived Donaldson into believing his disguise and showed him the cargo which at first sight appeared to be nothing more than a consignment of pots and pans. Donaldson, satisfied with the Aud’s innocence, went on to inform Spindler that the area was surrounded by all sorts of naval vessels as they were expecting some sort of trouble. Spindler therefor resolved to wait under the island till dark, then get 30 miles out into the Atlantic and steam south to Spain. But soon after 1pm, he was once again approached, this time by the Lord Heneage, a large armed trawler. It was at this point that Spindler realised the game was up, and he ordered the cargo to be thrown overboard. The Aud was now fleeing for her life, and Lord Heneage was joined in pursuit by Setter II. After some distance, H.M.S. Zinnia and H.M.S. Bluebell took up the chase, eventually catching up with the Aud and escorting her into Queenstown. At 9:25am the next morning (Saturday 22 April), the Aud - when just outside Queenstown and still under escort - suddenly stopped her engines and lowered her boats into which every member of the crew clambered. Spindler ordered the German naval ensign to be hoisted and then proceeded to detonate explosives with the effect that the Aud sank. The Bluebell stopped and picked up the entire crew, consisting of the Captain, two Warrant Officers and 19 Petty Officers and men. That evening, the prisoners were transferred to H.M.S. Adventure and taken to Milford Haven en route for Chatham. Spindler admitted that he was treated with great courtesy and kindness whilst aboard the Adventure and was given an officer’s cabin. In his published memoir he wrote ‘discipline, order and cleanliness were simply perfect aboard the Adventure.’ This incident, which also resulted in the capture of Roger Casement, had the net result of stamping out the rising which should have swept across Southern Ireland, and to localise the trouble about to flare up in Dublin. (Danger Zone, The Story of The Queenstown Command, by E. Keble Chatterton refers.) Humphrey Edward Archer was born in London on 15 April 1890, and joined the Navy aboard the training ship Britannia on 15 January 1905, becoming Midshipman on 15 May 1906, and Sub Lieutenant on 15 August 1909. Promoted to Lieutenant on 15 November 1910, he joined the Adventure in July 1913, becoming First and Gunnery Lieutenant in her from 29 November 1914, and remained as such until 11 August 1916, when he removed to Renown. He was promoted to Lieutenant-Commander on 15 November 1918, and was placed on half-pay in June 1928. He died on 2 April 1944. Sold with copied record of service and confirmation of ‘M.I.D. for services in connection with the Sinn Fein rising in Ireland, April 1916’.

Joseph Beuys, Suche nach dem Sinn, signierte Farbserigraphie von 1982 Joseph Beuys, 1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf, Suche nach dem Sinn, Farbserigraphie, 45 x 64,5 cm, rechts unten in Schwarz signiert, o. Rahmen

Katharina Sieverding, "Weltlinie 1999 - Der Sinn einer Wahrheitsfunktion", Micro Piezo-Grafik, signiertKatharina Sieverding, *1941 Prag, "Weltlinie 1999 - Der Sinn einer Wahrheitsfunktion", Micro Piezo - Technologie auf Karton, 66,5 x 91,5 cm, signiert, kleiner Einriss unterhalb der Signatur, o. Rahmen

Gottfried Kumpf, "Salzburg", handsignierte Farbserigraphie von 1982Gottfried Kumpf, 1930 Annaberg im Lammertal - 2022 Wien, österreichischer Maler, Graphiker und Bildhauer. Hier: "Salzburg" (zur blauen Stunde), im Bild versteck findet sich die Kunstfigur "Der Asoziale", ein Kumpf-Idol, welches sich auf vielen seiner Bilder wiederfindet. Asozial ist in diesem Sinn nicht negativ gemeint, sondern bedeutet, dass die Figur neben der Gesellschaft als Einzelgänger existiert. Farbserigraphie/Karton, 56 x 65 cm, handsigniert, betitelt, nummeriert 169/250, untere Ecken leicht bestoßen, Rand minimal gebräunt, o. Rahmen

Udo Lindenberg (Gronau/Westfalen 1946). Der Sinn des Lebens. Unikat. Aquarell über Filzstift. 14,5 x 10 cm. R. sign. Udo Lindenberg, auf dem Rückseitenschutz Etikett der Galerie Walentowski, unter Passepartout und Glas gerahmt, ungeöffnet. - Provenienz: Galerie Walentowski; zuletzt Privatsammlung Rheinland-Pfalz - Deutscher Musiker und Künstler. L. ist einer der bekanntesten und erfolgreichsten Sänger deutscher Sprache. L. war maßgeblich daran beteiligt, ein deutschsprachiges Segment der Pop- und Rockmusik jenseits des in seiner Jugend dominierenden Schlagers zu etablieren. Einige seiner Platten sprengten nicht nur Verkaufsrekorde, Titel wie 'Andrea Doria' erlangten den Status einer Redensart. Seit Mitte der 90er Jahre ist er auch als bildender Künstler tätig. Eine treue Sammlerschaft honoriert dabei besonders seinen Rückgriff auf Themen seiner Musik.

(Yachting.) Conor O Brien, 2 titles: 'Across Three Oceans: A Colonial Voyage in the Yacht "Saoirse"', London, Edward Arnold, 1926, 1st edition, 16 illustrations (comprising frontis & 10 further ills. from photographs + 5 line illustration plans/diagrams) plus 3 full page maps and map end papers complete, 16pp publisher's catalogue of adverts at end, original publisher's cloth gilt, 'From Three Yachts: A Cruiser's Outlook', London, Edward Arnold, 1928, 1st edition, small "Presentation Copy" inkstamp above imprint on title page, portrait frontis of the author, [2],12pp publisher's adverts at end, original publisher's cloth gilt. The first two books by Edward Conor Marshall O Brien (1880-1952), Irish sailor, naval architect and ship builder, author, aristocrat, intellectual, and mountaineer, very scarce in first edition. O Brien was the owner and captain of one of the first boats to sail under the tri-colour of the Irish Free State, and was the first amateur Irish sailor to sail around the world. His boat Saoirse was reputedly the first small boat (42-foot, 13 metres long) to sail around the world since Joshua Slocum completed his voyage in the 'Spray' during 1895 to 1898. O Brien was the greatest seaman of his era, a universally acknowledged pioneer of international ocean sailing, 'Across Three Oceans' is his account of his groundbreaking voyage in 1923-25 around the world in his ketch Saoirse. O’Brien’s voyage began and ended at the Port of Foynes, County Limerick, Ireland, where he lived, and was the first to circumnavigate the world by way of the three great capes: Cape Horn, Cape of Good Hope and Cape Leeuwin. 'From Three Yachts' is the authors account of his various voyages on his three most notable boats, Kelpie, Saoirse (meaning "freedom" in the Irish language) and Ilen. O Brien spoke fluent Irish, was an early member of Sinn Fein (as well as the United Arts Club), and was outspoken in the cause of Irish Home Rule—all of which fairly unusual for a Protestant. By 1914 such politics had become ‘relevant’, and he joined the Irish Volunteers—a proto version of the IRA—using his own yacht, the Kelpie, to help Erskine Childers run guns into Ireland (from Germany) in the preludial months of WWI. Man of adventure and ardent believer in nascent free state, he nonetheless soon lost sympathy for the more violent aspects of Irish republicanism. In an improbable volte-face, he promptly joined the Royal Naval Volunteer Reserve in which he served throughout WW1. He was a ship builder and naval architect, designing the Saoirse (in which he circumnavigated the globe) and the Ilen (a Falkland Islands service ship), both being built at the Baltimore Fishery School in Kerry. In 1928 he married the artist Katherine Clausen, and in the early 1930s they spent an idyllic time cruising with Saoirse in the Mediterranean, working together on books and articles which he wrote and she illustrated. Kitty Clausen’s tragically early death in 1936 ended his happy partnership after just eight years, and by 1940, Saoirse was sold. O Brien was too old for active services when World War II broke out in 1939, but he served the allied cause as a skipper for the small Ships Pool, delivering support vessels across the Atlantic. After the war he returned to Foynes Island where, aged 72, he died in his sister’s house in 1952. (2)

Emil Krieger, Damenaktminimalistische Darstellung eines Frauentorsos mit erhobenen Armen, hierzu bemerkt Carl Schuster in Kiessling "Begegnung mit Bildhauern - Münchner Kunstszene 1955-1982": "... [Emil Kriegers] Plastiken und graphischen Blätter [die] in einem wahren Sinn "zeitlos" und ohne Zugeständnisse sind. Er, der vom Handwerklichen herkam und das formal Handwerkliche meisterlich beherrschte, begann früh, von der Ur-Form her Idee und Gestaltung ins Geistige zu überhöhen. Er suchte zu abstrahieren, immer die Strenge der Form im Sinne Hildebrands wahrend; nichts war Pathos, Überflüssiges in seinem plastischen Werk, das ganz verständlich wird an seinen graphischen Blättern, die skizzierend blieben und doch das Ganze im Wesen einfingen. ...", Radierung auf faserigem Japanpapier, um 1930, links unten in der Platte monogrammiert "K", links unter der Platte in Blei handsigniert "Emil Krieger" und rechts nummeriert "86/200", geringe Altersspuren, hinter älterem Passepartout im größeren Rahmen freigestellt hinter Glas gerahmt, Plattenmaße ca. 36,5 x 26 cm, Falzmaße ca. 70 x 50 cm. Künstlerinfo: dt. Bildhauer und Graphiker (1902 Kaiserslautern bis 1979 München), zunächst 1917-21 Lehre zum Holzbildhauer und Schüler der Meisterschule Kaiserslautern, ab 1921 Schüler der Kunstgewerbeschule München bei Adolf Schinnerer, Adelbert Niemeyer, Julius Diez und Richard Riemerschmid, studierte 1924-31 Bildhauerei an der Münchner Akademie, hier Meisterschüler bei Josef Wackerle, unternahm Studienreisen nach Holland, Spanien, Italien, Griechenland und Frankreich, beschickte ab 1928 den Münchner Glaspalast und 1940-44 die Große Deutsche Kunstausstellung im Haus der Deutschen Kunst in München, schuf 1925-40 Beiträge für die Münchner Zeitschrift "Jugend", 1936 Rompreisträger und bis 1937 Aufenthalt in der Villa Massimo, 1946-77 Professor mit Lehrauftrag für Aktzeichnen an der Münchner Akademie, 1961 Ehrung mit den Schwabinger Kunstpreis, tätig in München, Quelle: Vollmer, Saur "Bio-Bibliographisches Künstlerlexikon", Wikipedia, Matrikel der Münchner Akademie, Davidson, Hans Kiessling "Begegnung mit Bildhauern - Münchner Kunstszene 1955-1982" und Internet.

Portrait eines Gelehrtenälterer Herr mit imposantem Bart und wallendem langen Haar, ein rotes Hemd mit Pelzüberzug tragend, im Seitenprofil, mit viel Sinn für Detail und Lichtführung ausgeführte, fein lasierende, qualitätvolle Portraitmalerei, Öl auf Holz, Mitte bis 2. Hälfte 19. Jh., rückseitig schwer leserliche handschriftliche Annotationen in kyrillischer Sprache, in vergoldeter, antiker Berliner Leiste, kleinere Retuschen, Falzmaße ca. 24 x 18,5 cm.

Fliegerchronograph SINN "356" Deutschland 1989, Manufaktur Sinn/ Frankfurt, Modell Flieger 356, Referenz 356.8501, Gehäuse Edelstahl perlgestrahlt und satiniert, Automatikkaliber Valjoux 7750, 25 Lagersteine, Sekundenstopp, Chronograph bis 12 Stunden, Schnellstellung Datum, Leuchtzeiger und -zahlen, verschraubte Krone und Boden, 100m WR, D 40mm, H 15mm, leichte Kratzer auf Glas, Kaufbeleg aus 1989, Bedienungsanleitung, Datenblatt, Originalbox und Karton, Funktionen geprüft, EZ 1-

Johann Heinrich Ramberg1763 Hainholz bei Hannover- 1840 Hainholz bei Hannover - Der kleine Schmetterlingsjäger, Kinderpaar mit Hundefamilie. 1798 - Radierung/Papier. 26 x 41,4 cm, 27 x 42 cm (Passepartoutausschnitt). Verso auf Galerieetikett bez. Passepartout. Unter Glas gerahmt. R. u. leicht gebräunt. - Provenienz: Galerie J. H. Bauer, Hannover. - Lit.: Th.-B. XXVII, S. 587-589. - Lit.: von Rohr, Alheidis. Johann Heinrich Ramberg. Maler für König und Volk. Hannover 1998. 1781-1788 studierte der Künstler bei B. West in London und wurde von Georg III. gefördert. Nachdem er 1793 von seinem dreijährigen Italienaufenthalt zurückkehrte, wurde er in Hannover zum Königlichen Hof- und Cabinettmaler ernannt. Rambergs eigentliche Begabung lag in der zeichnerischen Improvisation, in der sich sein lebhafter Sinn für Humor und Satire am ungehemmtesten ausdrücken konnte. Nach dem Tod Chodowieckis war Ramberg der gesuchteste Illustrator in Deutschland.

SINN. R500. Chronograph. NOS. Herrenarmbanduhr. Automatik. Deutschland.Circa 42 mm Gehäusedurchmesser ohne Krone. Ref. 500.010. Limitierte Auflage 153/300. Automatik. Werk läuft. Titangehäuse mit Krone auf 12 Uhr und Drückern auf 11 und 13 Uhr. Gangreserveanzeige. Datumsanzeige. Tachymeterskala. Original Lederband mit Dornschließe. Rechnung von 2021, Garantiekarte und Bedienungsanleitung anbei. Originalverpackung. Ganggenauigkeit nicht geprüft. Neuwertig. Ungetragen. Zustand siehe Fotos.

SINN. Vollkalender-Chronograph mit Mondphase. Herrenarmbanduhr. Automatik. Deutschland.Circa 39 mm Gehäusedurchmesser ohne Krone. Ref. 6026 PL. Kaliber ETA 7751. Werk läuft. Rundes Edelstahlgehäuse, vergoldet. Weißes Zifferblatt mit schwarzen arabischen Ziffern. Vollkalender mit Tages-, Datums- und Monatsanzeige. Mondphase auf 6 Uhr. Chronographen-Funktion mit Sekunden- und Minutenanzeige. Original-Armband mit Dornschließe. Im Originaletui. Ganggenauigkeit nicht geprüft. Minimale Gebrauchsspuren. Zustand siehe Fotos.

[Sinn Fein]: An Official bound Membership Card for Sinn Fein member 'Cumann Mountjoy Ward - Sean Byrne, N.C.R. NO. 1 Signed Tho. Hester,' with m/ss entries. Scarce. (1) Provenance: By Direct Family Descent.

Poster: Political, An American View (from the New York - Life) - Ballad of Sinn Feiners, approx. 78cms x 48cms (38" x 19"), with double green border. Scarce. (1)

1916 Interest: [Hely's Limited] The Sinn Fein Revolt Illustrated, oblong 4to, D. 1916, illus. & adverts, ptd. wrappers; [Wilson, Hartnell & Co.] Dublin and the Sinn Fein Rising, oblong 4to, D. 1916, illus. & adverts, ptd. wrappers. As a lot. (2)

1916 & 1922 Interest: [W. & G. Baird] 1916 The Sinn Fein Rebellion - Picture Souvenir (31 views), oblong 12mo, illustrated, D. 1916, ptd. wrappers; [Eason & Son Ltd.] Pictures of Dublin, After The Fighting, June - July 1922, oblong 4to, D. 1922, illus., ptd. wrappers. As a lot. (2)

Signed by Arthur Griffith, Founder Griffith (Arthur) The Sinn Fein Policy, National Council Pamphlets - B. 8vo D. n.d. [1908] 36pp., orig. printed wrappers. (1) * Signed on title by 'Arthur Griffith, 26/1/08' Griffith himself devised the Sinn Fein Policy which was initially disapproved of by Republicans, was its President and founder, and yet stood down in favour of Dev. at October 1917 National Convention.

SINN Vintage 903 Navigationsuhr Chronograph. Revision 24.09.2024. Edelstahl vergoldet, bidirektionale Lünette mit Drehring und logarithmischer Skaleneinteilung sowie Rechenschieberfunktion. Handaufzug-Werk Breitling Basis Valjoux Kal. 7740 mit guten Gangwerten (+7 Sek., 267° Amplitude). Schwarzes Zifferblatt mit roter Datumsanzeige. Neues Lederarmband mit original Dornschließe. Neutrale Box anbei. Guter Zustand, leichte Tragespuren am Gehäuse. Durchmesser ca. 41 mm ohne Krone. | SINN Vintage 903 navigation watch chronograph. Revision September 24, 2024. Gold-plated stainless steel, bidirectional bezel with rotating ring and logarithmic scale graduation as well as slide rule function. Hand-wound Breitling movement based on Valjoux cal. 7740 with good rate values ​​(+7 seconds, 267° amplitude). Black dial with red date display. New leather strap with original pin buckle. Good condition, slight signs of wear on the case. Neutral Box enclosed.Diameter approx. 41 mm without crown.

SINN Modell 356 "Limited Edition 40Jahre" Herren Fliegerchronograph. Edelstahl. Automatik-Werk Valjoux 7750 mit sehr guten Gangwerten (+1s/d. 297°). Limited Edition Nr. 0573 von 1000 Stück. Zifferblatt mit arabischen Indizes, 3 Totalisatoren, kleiner Sekunde und Anzeige von Wochentag und Datum. Neues Lederband mit Sinn Dornschließe in Edelstahl. Guter Zustand mit Tragespuren am Gehäuse und Glas. Original Box und Bedienungsanleitung anbei. Durchmesser ca. 39 mm ohne Krone.| SINN model 356 "Limited Edition 40Years" men's pilot's chronograph. Stainless steel. Valjoux 7750 automatic movement with very good performance (+1s/d. 297°). Limited Edition No. 0573 of 1000 pieces. Dial with Arabic indices, 3 sub dials, small seconds and day of the week and date display. New leather wristband with Sinn stainless steel pin buckle. Good condition with signs of wear on the case and glass. Original box and manual enclosed. Diameter approx. 39 mm without crown.

SINN Neo-Vintage Military Herren Chronograph aus 1997, Ref. 156. Service 2022. Edelstahl, Gehäusenummer 156.1708. Automatik-Werk Kal. Lemania 5100, funktionsfähig. Tritium-Zifferblatt und Zeiger. Originales Sinn Stahlband mit Faltschließe und Verlängerung. Sichtbare Gebrauchsspuren an Gehäuse und Armband. Originale Kaufrechnung anbei, Kauf 05/1997 bei Sinn in Frankfurt. Kompletter Service durch Sinn 11/2022, Reparaturgarantie bis 11/2024, Beleg anbei. Durchmesser ca. 43mm ohne Krone, passend bi szu ca. 19cm Handgelenksumfang.| SINN Neo-Vintage Military Men's chronograph from 1997, ref. 156. Service 2022. Stainless steel, case number 156.1708. Automatic-movement cal. Lemania 5100, working. Tritium-dial and hands. Original Sinn steel bracelet with folding clasp and extension. Visible signs of wear on case and bracelet. Original invoice enclosed, purchase 05/1997 at Sinn in Frankfurt. Full service by Sinn 11/2022, repair warranty valid until 11/2024, invoice enclosed. Diameter ca. 43mm without crown, suitable for a wrist size of approx. 19cm.

SINN Neo-Vintage 140/42 Weltraumchronograph. Revision 24.09.2024. Edelstahl mit innneliegendem Drehring. Automatik-Werk Lemania Kal. 5100 mit sehr guten Gangwerten (+2 Sek., 255° Amplitude). Schwarzes Tritium-Zifferblatt und Zeiger sowie Wochentag- und Datumsanzeige. Stahlband (nicht original) mit Faltschließe. Gebrauchter Zustand, sichtbare Tragespuren am Gehäuse und Band. Original Box anbei. Durchmesser ca. 43 mm ohne Krone. Passend bis zu ca. 18,5 cm Handgelenkumfang.| SINN Neo-Vintage 140/42 Space Chronograph. Revision September 24, 2024. Stainless steel with internal rotating ring. Automatic movement Lemania cal. 5100 with very good rate values ​​(+2 seconds, 255° amplitude). Black tritium dial and hands as well as day and date display. Steel strap (not original) with folding clasp. Used condition, visible signs of wear on the case and strap. Original Box enclosed. Diameter approx. 43 mm without crown. Fits up to approx. 18.5 cm wrist circumference.

SINN Vintage 103 St Chronograph. Revision 24.09.2024. Edelstahl mit bidirektionaler Lünette. Automatik-Werk 7750 mit sehr guten Gangwerten (+5 Sek., 310° Amplitude). Schwarzes Tritium-Zifferblatt mit arabischen Ziffern, Wochentag- und Datumsanzeige. Original Stahlband mit Faltschließe. Gebraucht, sichtbare Tragepsuren am Gehäuse, Acrylglas und Band. Original Box anbei. Durchmesser ca. 43 mm ohne Krone. Passend bis zu ca. 19 cm Handgelenkumfang. | SINN Vintage 103 St Chronograph. Revision September 24, 2024. Stainless steel with bi-directional bezel. Automatic movement 7750 with very good performance (+5 seconds, 310° amplitude). Black tritium dial with Arabic numerals, day of the week and date display. Original steel bracelet with folding clasp. Used, visible signs of wear on the case, acrylic glass and bracelet. Original Box enclosed. Diameter approx. 43 mm without crown. Fits up to approx. 19 cm wrist circumference.

Georg Baselitz 1938 Deutschbaselitz/Sachsen - lebt und arbeitet in Inning am Ammersee, bei Salzburg, in Basel und Italien Ohne Titel. 1976. Öl über Bleistift auf Papier. Unten rechts signiert und datiert. Auf Velin. 61 x 43 cm (24 x 16,9 in), Blattgröße. [KA]. • Charakteristisches, auf dem Kopf stehendes Porträt. • Kraftvolle Inszenierung der Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit unseres menschlichen Daseins. • Mit dramatischen Pinselstrichen demonstriert Baselitz seine meisterhafte Verschmelzung von Abstraktion und Figuration. • Zuletzt zeigten die Fondation Beyeler, Basel (2018), das Centre Pompidou, Paris (2021/22), das Kunsthistorische Museum, Wien (2023), die Serpentine Galleries (2023/24) sowie der White Cube (2024), London, Retrospektiven des Künstlers. PROVENIENZ: Privatsammlung Niederlande. Sammlung Schweiz. 'Man muss gegen die Konventionen des Genres und das Thema selbst kämpfen, um etwas Neues zu schaffen. Der Sinn der Porträtmalerei besteht darin, das Porträt hinter sich zu lassen, um vorwärts zu gehen.' Georg Baselitz, zit. nach: Michael Auping, Georg Baselitz: Portraits of Elke, Ausst.-Kat Museum of Modern Art, Fort Worth, 1997/98, S. 30. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 16.14 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONGeorg Baselitz 1938 Deutschbaselitz/Sachsen - lebt und arbeitet in Inning am Ammersee, bei Salzburg, in Basel und Italien Ohne Titel. 1976. Oil over pencil on paper. Signed and dated lower right. On wove paper. 61 x 43 cm (24 x 16.9 in), size of sheet. [KA]. • Characteristic upside-down portrait. • Powerful expression of our human fragile and transient existence. • Baselitz demonstrates his skillful fusion of abstraction and figuration with dramatic brushstrokes. • Most recently, the Fondation Beyeler, Basel (2018), the Centre Pompidou, Paris (2021/22), the Kunsthistorisches Museum, Vienna (2023), the Serpentine Galleries (2023/24), and the White Cube (2024), London, presented retrospectives of the artist's works. PROVENANCE: Private collection, Netherlands From a Swiss collection. 'To create something new, you must challenge genre conventions and the subject itself. The point of portraiture is to leave the portrait behind and move forward.' Georg Baselitz, quoted from: Michael Auping, Georg Baselitz: Portraits of Elke, ex. cat Museum of Modern Art, Fort Worth, 1997/98, p. 30. Called up: December 7, 2024 - ca. 16.14 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.

Andy Warhol 1928 Pittsburgh - 1987 New York Marilyn Monroe (Marilyn). 1967. Farbserigrafie. Verso links unten schlecht leserlich signiert und mit der gestempelten Nummerierung rechts unten. Aus einer Auflage von 250 Exemplaren. Auf dünnem Karton. 91 x 91,4 cm (35,8 x 35,9 in). Gedruckt von Aetna Silkscreen Products, Inc., New York, und herausgegeben von Factory Additions, New York. • Warhols 'Marilyn' ist die Ikone der modernen Druckgrafik schlechthin. • In seiner Marilyn bündelt Andy Warhol alle Sehnsüchte, die mit ihrer Person bis heute verbunden sind. • Ein Blatt aus dem ersten Mappenwerk, das von den von Warhol gegründeten Factory Additions, New York, herausgegeben wurde. PROVENIENZ: Privatsammlung Hessen (seit 2004, Lempertz). LITERATUR: Frayda Feldman, Jörg Schellmann, Claudia Defendi. Andy Warhol Prints. A catalogue raisonné 1962-1987, New York 2003, WVZ-Nr. II.27. - - Lempertz, Auktion 868, Zeitgenössische Kunst, 3.12.2004, Los 691 (m. Abb.). 'Die Ausstrahlung der Warholschen Porträts ist so stark, daß wir uns heute an Marilyn Monroe in der Gestalt erinnern, die Warhol ihr verliehen hat. Das gilt auch für andere Porträts, am meisten aber für den Star der Stars, für Marilyn.' Carl Haenlein, in: Andy Warhol. Bilder 1961 bis 1981, Ausst.-Kat. Kestner-Gesellschaft Hannover, Hannover 1981, S. 8. Warhols Marilyn-Siebdrucke gehören zu den bekanntesten und auch programmatischsten Werken der Pop-Art. Die Serigrafie als künstlerisches Medium ist von der spontanen Mal-Geste ebenso weit entfernt wie die Serienproduktion vom originalen Einzelwerk. Bei Warhol aber liegt die Eindringlichkeit eines Motivs gerade und erst in der Summe der Bilder. Das zugrunde liegende Gestaltungsprinzip ist hier wie in vielen anderen Werken die Variation des immer gleichen ikonografischen Themas. Selbst schon zur Ware der amerikanischen Konsumgesellschaft geworden, werden auch die Stars, einem industriellen Massenprodukt vergleichbar, der Öffentlichkeit präsentiert. Seit ihrem Tod 1962 entstanden zahlreiche serielle Marilyn-Monroe-Bilder, deren farbige Oberflächen das glamouröse Image der Schauspielerin betonen. Wie in nahezu all seinen weiblichen Porträts sind sie durch Lippenstift, Lidschatten und ein fotogenes Lächeln gekennzeichnet, das ihnen einen maskenhaften Charakter verleiht. Den verschiedenen Leinwandfassungen folgt 1967 nach der Vorlage eines Pressefotos ein Portfolio mit zehn Serigrafien, die ein und denselben Bildgegenstand, das lächelnde Gesicht der Schauspielerin, in zehn Farbvarianten wiederholen. Im vorliegenden Blatt legt Warhol fünf Farbschablonen auf und betont besonders die Lippen in einem kräftigen Lila-Blau , das einen deutlichen Kontrast zum pinken Grund bildet. 'Für die Marilyn-Serie greift Warhol auf eine Werbestandaufnahme für den Film 'Niagara' aus dem Jahre 1953 zurück […] Warhols Bildnis zeigt das Entstehen eines Mythos. Es zeigt, wie der primäre Sinn der Portraitphotographie, nämlich das naturgetreue Abbild eines Menschen zu sein, durch einen sekundären Sinn überlagert und verformt wird, der in diesem Menschen etwas anderes, neues sieht: die perfekte Kreatur, die sexuelle Wunschfigur, die Verkörperung des Amerikanischen Traums usw. Und es zeigt – und hier beginnt der Mythos –, wie dieser sekundäre Sinn, so sehr er eine Projektion sein mag, durch den Realismus, den die Photographie als 'wahres Abbild' verbürgt, dennoch in der 'Wirklichkeit' eines tatsächlich existierenden Menschen verankert wird. Die Marilyns sind fiktiv und realistisch zugleich, sie zeigen ein Wesen, das über den Menschen steht und dennoch einer von ihnen ist.“ (Michael Lüthy, in: Andy Warhol. Thirty are better than none, Frankfurt a. Main 1995, S. 51ff.) [EH] Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 17.25 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONAndy Warhol 1928 Pittsburgh - 1987 New York Marilyn Monroe (Marilyn). 1967. Silkscreen in colors. Signed (barely legible) on the reverse in the lower left and stamped with the number in the lower right. From an edition of 250 copies. On thin cardboard. 91 x 91.4 cm (35.8 x 35.9 in). Printed by Aetna Silkscreen Products, Inc., New York, and published by Factory Additions, New York. • Warhol's “Marilyn” is the ultimate icon of modern art prints. • In his Marilyn seres, Andy Warhol expressed all the longings associated with her to this day. • A sheet from the first portfolio published by Warhol's Factory Additions, New York. PROVENANCE: Private collection, Hesse (since 2004, Lempertz). LITERATURE: Frayda Feldman, Jörg Schellmann, Claudia Defendi. Andy Warhol Prints. A catalogue raisonné 1962-1987, New York 2003, entry no. II.27. - - Lempertz, auction 868, Zeitgenössische Kunst, December 3, 2004, lot 691 (illustrated). 'The aura of Warhol's portraits is so strong that we remember Marilyn Monroe in the likeness Warhol gave her. This is also true for other portraits, but above all for Marylin, the star of all stars.' Carl Haenlein, in: Andy Warhol. Bilder 1961 bis 1981, ex. cat. Kestner-Gesellschaft Hanover, 1981, p. 8. Warhol's Marilyn silkscreens are among Pop Art's most famous programmatic works. Silkscreen printing as an artistic medium is just as far removed from the spontaneous gesture of painting as serial production is from an original work that carries the artist's signature. In Warhol's work, however, a motif's poignancy lies precisely in the totality of the images. As in many of his other works, the underlying design principle here is the variation on the same iconographic theme. Having become a commodity of American consumerism, the stars are presented in a way comparable to an industrial mass product. Since she died in 1962, numerous series of Marilyn Monroe pictures have been created, their colorful surfaces emphasizing the actress's glamorous image. As in almost all of his female portraits, they are characterized by lipstick, eye shadow, and a photo-friendly smile that lends them a mask-like character. Following various canvas versions, Warhol created a portfolio of ten silkscreens based on a press photo in 1967, which repeated the same subject, the smiling face of the actress, in ten color variations. In the present sheet, Warhol used five color stencils and emphasized the lips in a bold purple-blue contrasting sharply with the pink background. “For the Marilyn series, Warhol drew on an advertising image from the 1953 film ‘Niagara’ [..] Warhol's image shows the creation of a myth. It shows how the primary purpose of portrait photography, namely to be a true-to-life likeness of a person, is overlaid and distorted by a secondary purpose, which sees something else in this person: the perfect creature, the object of sexual desire, the embodiment of the American dream. Moreover, it shows –and this is where the myth begins – how this secondary sense, however much it may just be a projection, is anchored in the 'reality' of an existing human being by the realism that photography guarantees as a 'true image.' The Marilyns are fictitious and realistic; they show a being that stands above the people and is one of them.” (Michael Lüthy, in: Andy Warhol. Thirty are better than none, Frankfurt a. Main 1995, pp. 51ff.) [EH] Called up: December 7, 2024 - ca. 17.25 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Designerring. 750/000 GG, brutto 7,7 g. Gewölbter, quadratischer, matt gebürsteter Ringkopf, besetzt mit Diamant im Context Cut, ca. 0,25 ct., w/vvsi2. Tragespuren. RW 54. Beigegeben: Buch "Sinn für Werte", als Bildband über modernen Schmuck in vergleichbarer Art.

Herrenarmbandchronograph "Sinn 144". Titangehäuse und -armband. Schwarzes Zifferblatt mit arabischen Leuchtziffern, drei Hilfszifferblätter und Datumsfenster. Automatikwerk. Serien-Nr. 1445226. Sinn, Schweiz. Tragespuren. D. 4 cm. Titanarmband mit Faltschließe von Sinn. Tragespuren.

The mounted group of seven miniature dress medals representative of those worn by Private G. Stringer, Manchester Regiment Victoria Cross; 1914-15 Star; British War and Victory Medals, with M.I.D. oak leaves; Coronation 1937; Coronation 1953; Serbia, Kingdom, Bravery Medal, gold, mounted for wear, gilding rubbed on last, good very fine (7) £80-£100 --- Importation Duty This lot is subject to importation duty of 5% on the hammer price unless exported outside the UK --- --- V.C. London Gazette 5 August 1916: ‘For most conspicuous bravery and determination. After the capture of an enemy position, he was posted on the extreme right of the Battalion in order to guard against any hostile attack. His battalion was subsequently forced back by an enemy counter-attack, but Private Stringer held his ground single-handed and kept back the enemy till all his hand-grenades were expended. His very gallant stand saved the flank of his battalion and rendered a steady withdrawal possible.’ Serbian Medal for Bravery in Gold London Gazette 15 February 1917. George Stringer was born in Manchester on 24 July 1889 and joined the Lancashire Fusilier Volunteers in 1905. Just prior to the Great War he attested for the Manchester Regiment and served with the 1st Battalion during the Great War, initially on the Western Front from 21 July 1915, before proceeding to Mesopotamia in January 1916. For his gallantry during the Battle of Es Sinn on 8 March 1916, as part of he effort to relieve the besieged garrison at Kut-el-Amara, he was awarded the Victoria Cross. Subsequently Mentioned in Despatches (London Gazette 19 October 1916) and awarded the Serbian Medal for Bravery in Gold, he was later wounded and developed enteric fever. He returned to the U.K. in June 1917 and was discharged a a result of his wounds. He died in Oldham on 22 November 1957. Stringer’s Victoria Cross and other medals are in the collection of the Museum of the Manchester Regiment. Sold with a Manchester Regiment cap badge, metal unit title, and a photographic image of the recipient.

Sinn-Automatic-Chronograph-142-Lemania 5100-Stahl-Armbanduhr Aus dem Besitz des Astronauten Reinhard Furrer, der 1985 als erster eine Sinn-Uhr mit ins All nahm. Mattschwarz, galvanisiert. Schwarzes Zifferblatt mit Leuchtzeigern, 3 Totalisatoren für Sekunde, Minute und Stunde. Zentralsekunde und Tag-Datum-Anzeige an der 3. Beidseitig drehbare Lünette. Gehäuse-D. ca. 44 mm. Gew. mit Armband ca. 152 g. Tragespuren. Reinhard Furrer (Wörgl, Berlin 1940-1995) war der dritte deutsche Astronaut im Weltall. Im Weltall trug er das Sinn- Modell 140 Lemania 5100. Er starb bei einem Flugzeugabsturz. Die hier angebotene Armbanduhr stammt aus dem Familienbesitz. Vgl. Uhrenmagazin, Sept./Okt. 1990, Titelbild und Text: Helmut-Sinn-Uhren aus Frankfurt. Vgl. Prospekt "Sinn Chronographen mit Preisliste 15.07.1989. Vgl. Peter Sandmeyer in Stern Journal 9/2002 (Fotokopie). (61167)

Sinn Fein Rebellion Handbook: 1917 edition of the Handbook, an extremely useful reference on the 1916 Rising. Including casualty lists and lists of prisoners. Complete with printed map illustrating the areas of fighting in Dublin. Published by the Weekly Irish Times.Fein Rebellion Handbook

P. S. O'Hegarty 'Sinn Fein - An Illumination', 1919; War by The Irish by John McCann, 1946, 1st Ed, HB DJ; The Life Story of Eamon De valera by Seán Ó Faoláin, 1933 plus 1 other (4)

Sinn Féin Rebellion Handbook, Easter 1916. A complete and connected narrative of the Rising. Report of Public Trials, etc. With numerous portraits. 1917 Issue. Dublin: Weekly Irish Times, with folding map

The Resurrection of Hungary: A Parallel for Ireland with Appendices on Pitt's Policy and Sinn Fein Griffith, Arthur Published by Whelan and Son, Dublin, 1918. Original dust jacket. Arthur Griffith (1871-1922), the founder of Sinn Fein, set forth his hopes for a solution to Ireland's political problems with England in these articles from his paper "The United Irishman.".

Kurt AbsolonSelbstporträt mit Malpaletteum 1948Öl auf Papier; gerahmt54 x 36,5 cmNachlass Kurt Absolon, Wien;Galerie Maier, Innsbruck;österreichischer Privatbesitz2005 Innsbruck, Galerie Maier, Kurt Absolon, 17.11.-03.12., Kat.-Nr. 15;2008 Innsbruck, Galerie Maier, Kurt Absolon, 12.04.-03.05., Kat.-Nr. 1Bernhard Hainz (Hg.)/Stefan Üner (Hg.), Kurt Absolon. Monografie und Werkverzeichnis, Weitra 2021, Nr. 13, Abb. S. 192Der Wiener Maler und Grafiker Kurt Absolon zählte zu den interessantesten Künstlerpersönlichkeiten der österreichischen Nachkriegsmoderne. In nur zehn Jahren bis zu seinem tragischen Unfalltod 1958 schuf er ein originelles Werk zwischen Figuration und Abstraktion, Expressionismus und Surrealismus. In Anlehnung an den Existenzialismus schöpfte er seine Themen aus dem Leben und dem Tod, dem Menschen und der Natur. Absolon studierte von 1945 bis 1949 Malerei bei Robin Christian Andersen an der Akademie der bildenden Künste Wien. Parallel besuchte er den legendären Abend-Akt von Herbert Boeckl.Aus dieser Zeit stammt auch sein frühes Selbstporträt mit Malpalette. Absolon bediente sich dabei eines flüchtigen Pinselduktus in abstrakt-expressiver Formensprache. Das Gesicht des Malers wirkt maskenhaft. Dabei versuchte Absolon seine inneren Empfindungen nach außen zu transportieren. Die Sonne und der Mond im abstrakten Raum intensivieren den psychologischen Eindruck. Der Einfluss von Vincent van Gogh und dem Fauvismus bis hin zu Herbert Boeckls leuchtendem Expressionismus wird deutlich sichtbar, wobei Absolon zu pastelligen Farbtönen neigte. Da er in seiner Anfangszeit kaum Geld hatte, malte er oft auf Papier. Absolons Malereien nehmen aufgrund der begrenzten Anzahl von rund 80 Stück eine exklusive Rolle im Gesamtwerk ein und überzeugen vor allem durch ihr Wechselspiel von Abstraktion und Gegenständlichkeit in expressiver Farbigkeit. Das Selbstporträt mit Malpalette um 1948 ist im Werkverzeichnis von Dr. Bernhard Hainz und Dr. Stefan Üner mit der Nummer 013 dokumentiert (Bernhard Hainz (Hg.) / Stefan Üner (Hg.): Kurt Absolon – Monografie und Werkverzeichnis, Weitra 2021, S. 192, WV Nr. 013, mit Abb.). Zur Kunst äußerte sich Absolon einmal so: "Ebenso wie die Frage nach dem Sinn des Lebens eine Gewissensfrage ist, die niemals beantwortet werden kann, sondern nur die Überzeugung und geistige Haltung des Befragten aufzeigt, hat auch das Kunstwerk keinen Zweck, ist keine Antwort, keine Lösung und niemals ein Genussobjekt, sondern einfach das Produkt menschlichen Geistes und menschlicher Schöpferkraft, entsprungen der Sehnsucht, dem Dasein Dauer zu verleihen und den Tod durch ein Werk zu besiegen, nicht den leiblichen, wohl aber den geistigen, das Aufgehen in ein Nichts durch ein Zeugnis des Hiergewesenseins zu überwinden." (Kurt Absolon: Originalität, Radikalität, Individualität, in: Hans Weigel: Stimmen der Gegenwart 1953, Wien 1953, S. 126).(Stefan Üner)

Gustave Le GrayBrick au clair de lune1856/57Albuminabzug auf Papier auf Originalkarton; gerahmt31,9 x 40,3 cmSignaturstempel rechts unten: Gustave Le GrayPrivatsammlung, ÖsterreichSylvie Aubenas, Gustave Le Gray 1820-1884, Ausstellungskatalog Bibliothèque nationale de France, Paris, Gallimard, 2002, Tafel 109, S. 363;Ken Jacobson, The Lovely Sea-View. A Study of the Marine Photographs published by Gustave Le Gray, 1856-1858, Petches Bridge, 2001, Abb. S. 8 (Brig on the water, 1856)Gustave Le Grays großformatiges Seestück Brick au clair de lune wurde im Sommer 1856 in der Normandie aufgenommen. Die auf Albuminpapier von einem Glasplattennegativ gedruckte Fotografie wurde am 6. November 1856 auf einer privaten Versammlung der Photographic Society of London gezeigt, mehr als ein Monat bevor ein Abzug dieser Meeresstudie sein öffentliches Debüt feierte. Le Grays fotografische Innovationen, sowohl in technischer als auch in ästhetischer Hinsicht, lösten große Begeisterung und eine hohe Nachfrage nach Abzügen des Motivs in ganz Europa aus.Er beeindruckte die Welt der Fotografie mit seiner Herangehensweise an eine bestehende Schwierigkeit, nämlich die Wiedergabe des Himmels mit den neuen Möglichkeiten des Kollodiumverfahrens. Dass Le Gray seinen präsentierten Abzug stolz mit dem Untertitel "Marine with clouds obtained simultaneously" versah, genügte, um Aufsehen zu erregen und teils sogar Ungläubigkeit hervorzurufen.Abgesehen von der technischen Meisterleistung, mit einem einzigen Negativ aufgenommen worden zu sein, beeindruckt die Meereslandschaft mit ihrer Ausdruckskraft und Bildstärke, eindringlich wirkt sie auf den Betrachter wie ein durchkomponiertes fotografisches Gemälde.Gustave Le Gray studierte Malerei im Pariser Atelier von Paul Delaroche, brach dies jedoch aus Unzufriedenheit mit seinen geschaffenen Werken ab. Dennoch legte diese Ausbildung den Grundstein für seinen Sinn für Komposition, welcher seine raffinierten Fotografien auszeichnen sollte. Sein Werk ist durchdrungen von malerischer Tradition, welche er hier mit einer Sensibilität umsetzt, die in Bezug auf die Weite des Bildausschnitts, die radikale Frontalität und die Betonung des Horizonts an Courbet erinnern mag. Abzüge dieses Werks befinden sich in den bedeutendsten musealen Sammlungen der Welt, etwa im Metropolitan Museum of Art, New York, im J. Paul Getty Museum, Los Angeles, im Musée d’Orsay, Paris oder dem Victoria & Albert Museum, London. (IH)

Hans BischoffshausenHochsommer1954Mischtechnik auf Papier, auf Karton kaschiert; gerahmt70,3 x 50 cmSigniert und datiert rechts unten: Bischoffshausen 1954direkt vom Künstler erworben;seither österreichischer PrivatbesitzMit "Hochsommer" gelangt eine Papierarbeit aus Bischoffshausens früher Schaffensphase zur Versteigerung. Sie stammt aus jener Zeit, als der Mittzwanziger von seinem eigentlichen Plan, Architekt zu werden, Abstand genommen hatte und – wie er es bezeichnete – in die Malerei stürzte. So widmete sich Bischoffshausen in den 1950er Jahren der Entdeckung, Erkundung und Erschließung des für ihn neuen künstlerischen Ausdrucksmediums. In der ersten Hälfte des Jahrzehnts geschah dies vor allem über die Auseinandersetzung mit der Klassischen Moderne, die durch die Kunstpolitik des Dritten Reiches mehr oder weniger unbemerkt an Bischoffshausen vorbeigegangen war. Insbesondere Paul Klee sollte den jungen Künstler über mehrere Jahre intensiv beschäftigen und inspirieren. Stilistisch, formal und inhaltlich sind in dieser Zeit in Bischoffshausens Schaffen zahlreiche Überschneidungen mit Klees Werk erkennbar. Eine dieser Parallelen sind zum Beispiel aperspektivische, durch Linien und Farbzonen strukturierte Bildflächen, wie das auch in "Hochsommer" zu sehen ist. Auf diesen Grund werden symbolhafte Zeichen aufgebracht, die zum Teil selbst zur weiteren Strukturierung der Fläche beitragen (auch diese zeichenhaften Chiffren kennen wir aus vielen Werken Klees). In "Hochsommer" sind dies auf die linke Bildhälfte konzentrierte Pfeile, Linien, buchstabenartige Zeichen und vegetabil anmutende Formen, Zickzacklinien sowie halbkreis- und augenförmige, mit Punkten versehene Strukturen. Ihre symbolhafte Anmutung verheißt Lesbarkeit und Bedeutung, jedoch entpuppen sie sich ganz im Gegenteil als rätselhafte, nicht entschlüsselbare Zeichen. Losgelöst von ikonographischem Sinn tritt eine Poesie der Zeichen in den Vordergrund, die ein "spielerisches Geheimnis" hütet, das Bischoffshausen auch an Klees Oeuvre besonders faszinierte. Hier nimmt die Loslösung des einzelnen Zeichens von jeglicher inhaltlicher bzw. ikonographischer Bedeutung ihren Anfang in Bischoffshausens Schaffen – eine Entwicklung, die in den Strukturelementen seiner monochromen Phase ihren Höhepunkt erreichen wird. (Clara Kaufmann)

Alexej von Jawlensky, Weiblicher Kopf mit offenen AugenAquarell und Tuschpinsel auf bräunlichem Papier. 22,4 x 17,2 cm. Unten links schwarz monogrammiert 'A. J.'. - In schöner Erhaltung, leicht verblasst.M. Jawlensky/L. Pieroni-Jawlensky/A. Jawlensky 426ProvenienzHauswedell & Nolte, Hamburg, 25.11.1961, Lot 464; Privatsammlung; Hauswedell & Nolte, Hamburg, 8./9.6.1979, Lot 545; Galerie Rosenbach, Hannover; Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (1979 dort erworben)AusstellungenHannover 1979 (Galerie Rosenbach), Zwischen Tradition und Moderne. Ausgewählte Kunst des IXX. Jahrhunderts und der Klassischen Moderne, Kat. 219, mit Farbabb. S. 34LiteraturSabine Fehlemann, Zum Oeuvre von Alexej von Jawlensky, in: Malerei des deutschen Expressionismus, Stuttgart 1987, Abb. S. 100Mit dem „Weiblichen Kopf mit offenen Augen“ von Alexej von Jawlensky wird ein im Hinblick auf die Technik des Aquarells rares Werk versteigert. Die hellen, teils transparenten Farben in Blau, Gelb, Orange und Rot vermitteln eine gegenüber den Gemälden dieser Serie ungewohnte Zartheit des Ausdrucks.Nach den „Mystischen Köpfen“ schuf Jawlensky ab 1918/19 die Werkreihe der „Heilandsgesichter“. Bei den kleinformatigen Werken blendete er alles erklärende Beiwerk aus und konzentrierte sich ausschließlich auf das Gesicht mit seinen wichtigsten Merkmalen - auf den Mund, die Nase und die Augen. Bei diesem Abstrahierungsprozess verlor sich auch das ehemals intensive Kolorit und wich einer transparenten Farbgebung. Eine zentrale Funktion nehmen von nun an die Augen ein. Entweder sind sie fest geschlossen und treten nur als geschwungene Linien auf oder sie sind - wie bei unserem Aquarell – weit geöffnet. Bei Jawlensky thematisieren sie das Sehen im transzendenten Sinn einer Erkenntnis des Göttlichen. Wenn Jawlensky langjährige Freundin und Mäzenin Emmy Galka Scheyer über die „Heilandsgesichter“ schreibt, dass ihnen „immer ein Geheimnis bleibt“, dann trifft dies in besonderem Maße auf unseren „Weiblichen Kopf mit offenen Augen“ zu.

Christo, Package on a table (Table empaquetée)Leinen, Plastik und Schnur auf Holztisch Ca. 123 x 55 x 40 cm. Mit Plexiglashaube und Sockel.. Seitlich auf dem Stoff signiert und datiert 'Christo 61' sowie auf der Unterseite des Tisches signiert und datiert 'Christo 61'. - Mit geringfügigen Altersspuren.Mit beiliegendem signierten Photozertifikat des Künstlers vom 22.05.2018ProvenienzSammlung J. Reydams, Anvers; John Trouillard, Galerie Ad Libitum, Antwerpen (mit Aufkleber am Tischbein); seitdem Privatsammlung John und Jacqueline Trouillard, BelgienAusstellungenBrüssel 1965 (Palais des Beaux-Arts de Bruxelles), Pop Art Nouveau Realisme Etc… (mit Aufkleber auf der Unterseite)LiteraturDavid Bourdon, Christo, New York 1970, o.S. mit Abb. 20Lawrence Alloway, Christo, Stuttgart 1969, o.S. mit Abb. 6Die Publikationen von Lawrence Alloway und von David Bourdon liegen der Skulptur bei.Ende der 1950er Jahre beginnt Christo mit seinen ikonischen Verhüllungen, die sein gesamtes künstlerisches Oeuvre bestimmen werden. Zu den ersten Arbeiten gehören Tische, die mit verpackten Objekten beladen sind, zu ihnen zählt auch unser Werk. Bei „Package on a table“ handelt es sich somit um eine der bedeutendsten, wegweisenden Arbeiten seines Frühwerkes. Sie entstammt einer außergewöhnlichen Provenienz: John Trouillard und seine Frau Jacqueline führen von 1958 und 1972 die avantgardistische Galerie Ad Libitum in Antwerpen. Mit Leidenschaft und einem besonderen Gespür für künstlerische Qualität leistet das Ehepaar Pionierarbeit und fördert Künstler wie Lucio Fontana, Niki de Saint-Phalle, Jean Tinguely und Arman. Auch der junge Christo, der seine Laufbahn gerade erst beginnt, wird von den Trouillards unterstützt. 1964 richtet die Galerie die erste Ausstellung für den Künstler in Belgien aus, auf der auch „Package on a table“ gezeigt wird. Nach Ende der Ausstellung geht das Werk in den Besitz des Galeristenpaares über.Der Akt des Verpackens verbindet in „Package on a table“ Tisch und Objekte zu einer unauflöslichen Einheit. Während das Möbelstück in Teilen erkennbar bleibt, sind die darauf gestapelten geheimnisvollen Gegenstände vollständig verhüllt. Ihr mehrstufiger Aufbau, die zahlreichen Ecken und Kanten bilden die Grundlage für eine durch Stofffalten und komplexe Verschnürungen geformte organische Landschaft. Zugleich findet eine bewusste Störung der Funktion des Möbelstückes statt - der als Einrichtungsgegenstand gebaute Tisch wird seiner ursprünglichen Aufgabe enthoben, die Benutzung als Tisch ist dauerhaft unterbunden, genauso wie es bei den wenig später von Christo verpackten Fahrrädern, Verkehrsschildern oder Sesseln der Fall ist.Die Besonderheit von Christos Verhüllungen ist die Eigenständigkeit der verpackten Objekte - sie bleiben anonym im Verborgenen und sind in ihrer räumlichen Präsenz relevant, ohne hintergründige Botschaften zu transportieren. Damit stehen sie im Kontrast zu frühen surrealistischen Verhüllungen, die gelegentlich als Vorläufer von Christos Arbeiten gesehen werden. Im Gegensatz zu diesen geht es Christo um die Oberfläche und die äußere Erscheinung. Er erforscht die Geometrie der Gegenstände und will sie durch das Verpacken bewusst verändern und verunklären. Die Stoffe, Folien oder Planen, die zum Verpacken verwendet werden, schaffen andere, neuartige geometrische Formen und Oberflächen - und machen diese zum maßgeblichen Element, nicht die Mystifizierung des Inhalts.„Es stellt sich die Frage nach dem Inhalt, nach Sinn und Zweck, doch die Verschleierung des Innenlebens macht diese unlösbar und lenkt unsere Aufmerksamkeit auf die extrem subtile Geometrie von Oberflächen und die Beziehungen von Fläche, Volumen und Linien.“ (Stephen S. Prokopoff, zit. nach: Matthias Koddenberg, Christo and Jean-Claude. Frühe Werke 1958-64, Bönen 2009, S. 87).

Lorenz, Edward -- The Butterfly EffectPlotterzeichnung auf Skizzenpapier. 1993.28 x 21,5 cm.Unten rechts mit Feder in Schwarz signiert "Edward N. Lorenz".Das Signum der Chaosforschung, den Schmetterlingseffekt, verbildlicht die Plotterzeichnung: Das Flattern eines Schmetterlings in Brasilien kann, indem es die Atmosphäre beeinflusst, zu einem Wirbelsturm in Texas beitragen, die kleinste Ursache somit eine immense Wirkung entfalten. Edward Lorenz, der Wegbereiter der Chaostheorie, entdeckte dieses Phänomen. Um 1960 begann der Mathematiker und Meteorologe, bei seiner Arbeit am MIT ein Wettermodell am Computer zu simulieren, bei dem kleinste Varianten der Ausgangsbedingungen deutliche abweichende Ergebnisse der Wetterprognosen zur Folge hatten. "Der 'Schmetterling' kam Lorenz in den Sinn, als er eine Computer-Grafik zu seinen Berechnungen sah: Sie stellt die Ergebnisse eines einfachen Wettermodells durch abstrakte Punkte und Linien dar: Sie zeigt zwei 'Flügel', die Schmetterlingsflügeln ähneln, aus aneinandergereihten Punkten. Jeder Punkt entspricht der Lösung des Differentialgleichungssystems, das aus den drei Variablen besteht." (ardalpha.de, Zugriff 15.07.2024). Plotter gehören zu den wenigen Geräten, die Vektorgraphiken direkt wiedergeben, ohne sie vorher in eine Rastergraphik umgerechnet zu haben. Das Entstehen dieser Zeichnung wurde auf Film aufgezeichnet für die Kultursendung “aspekte”.Provenienz: Geschenk des Künstlers - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.

FRUHTRUNK, GÜNTERMünchen 1923 - 1982Titel: Rote Randzonen I. Datierung: 1965. Technik: Acryl und Kasein auf Leinwand. Maße: 89,5 x 84cm bzw. 84 x 89,5cm. Bezeichnung: Signiert, bezeichnet und monogrammiert verso unten rechts: FRUHTRUNK PARIS (unterstrichen) ftk. Zudem bezeichnet und mit Richtungspfeilen versehen verso und unleserlich bezeichnet verso unten links. Rahmen/Sockel: Rahmen. Die Größenangaben im Werkverzeichnis sind nach neuen Recherchen nicht korrekt. Wir danken der Walter Storms Galerie, München, für die freundliche wissenschaftliche Unterstützung. Provenienz:- Galerie Denise René, Paris (Aufkleber)- Galerie Hans Mayer, Düsseldorf (Aufkleber)- Privatsammlung New YorkAusstellungen:- Städtische Galerie im Lenbachhaus, München (Aufkleber)- Kunstmuseum Bonn, 2024- Museum Wiesbaden, 2024Literatur: - Günter Fruhtrunk Gesellschaft e.V.: Günter Fruhtrunk - Werkverzeichnis der Bilder 1952-1982, Bd. 1, Berlin 2018, WVZ.-Nr. 477, Abb.- Ausst.-Kat. Bilder 1952-1972, Städtische Galerie im Lenbachhaus/Badischer Kunstverein, München 1973, Kat.-Nr. 47- Ausst.-Kat. Günter Fruhtrunk, Retrospektive 1952-1982, Kunstmuseum Bonn/Museum Wiesbaden, Köln 2024, S. 68, Abb. (hier mit Rahmenmaßangaben)- Frühe Arbeit aus der wichtigsten Schaffenszeit der 1960er Jahre- Spannende Farbraummodulation in Schwarz-weiß aber auch Rot, Violett und zwei verschiedenen Blautönen- Noch zu Lebzeiten des Künstlers in der Städtischen Galerie im Lenbachhaus und im Badischen Kunstverein gezeigt- Das Kunstmuseum Bonn und das Museum Wiesbaden ehrten den Künstler dieses Jahr anlässlich seines 100. Geburtstags mit einer Retrospektive in welcher auch dieses Werk gezeigt wurdePräzise DynamikDie Werke des Münchener Künstlers Günter Frühtrunk sind von penibelster, mathematischer Präzision und einem unverwechselbaren Sinn für Farbe. In seinen Gemälden vereint er in diversen seriellen Variationen Dynamik mit Struktur, Farbe mit Nicht-Farbe, und verbildlicht Gefühl durch Klarheit. "Rote Randzonen I" steht charakteristisch für die Gemälde Fruhtrunks, die er als Schwarz-Weiß-Raster, in einem hochpräzisen Malverfahren konstruiert. Mithilfe zarter Nuancen von Blautönen, die er vereinzelt anstelle des Weiß einsetzt und schmaler roter und dunkelblauer Farblinien entlang der breiteren schwarzen Stränge, kreiert er Raum und Schatten und verleiht dem klaren und konsequenten Schwarz eine Dynamik, die sich dem Betrachter wie eine Entrückung der Wahrnehmung, ein Fehler im klaren Raster-System, äußert. Das auf den ersten Blick strikt schwarz-weiß gehaltene Werk erscheint fast flimmernd, und wird richtungsweisend diagonal durch den Bildraum geführt. Das stark an die Prinzipien konstruktiver Kunst erinnernde Werk, entfaltet sich im kontemplativen Kontext und im Wahrnehmungsprozess des Betrachters als ein emotionsgeladenes, sich kontinuierlich entwickelndes und dynamisches System. Ein mitreißender Strom, der sich diagonal über den Bildrand hinaus zu erstrecken scheint. Rote Randzonen I - Variation und Rhythmus"Rote Randzonen I" von 1965 gilt als großartiges Exempel für Fruhtrunks Schaffensphase ab Ende der 1950er Jahre, in der er sich der Repetition und Rhythmisierung seiner Werke widmet. Auch die Tatsache, dass das Werk noch in diesem Jahr Teil der bedeutenden Retrospektive Fruhtrunks des Museums Wiesbaden und des Kunstmuseums Bonn gewesen ist, untermauert seine historische Signifikanz. In den seriell angefertigten Bildern, zu denen auch "Rote Randzonen I" zählt, greift Fruhtrunk Motive und Kompositionen immer wieder auf, rekonstruiert sie und arrangiert sie neu. Bezugnehmend auf unser heutiges digital geprägtes Zeitalter, weisen die Werke jener Phase somit eine außerordentliche Aktualität auf, die darüber hinaus durch die Reduktion von Farbe und Form gesteigert wird. Fruhtrunk entsagte sich früh dem gestischen Expressionismus und vermied die dichterische Bedeutungsschwere der Bilder seiner Zeitgenossen. Auch lässt er sich trotz der unanfechtbaren Parallelen, aufgrund seines differenzierten Umgangs mit Farbe und der Dynamik seiner Werke, nicht der Kunst des Konstruktivismus zuordnen. Generell entzieht sich das Oeuvre Fruhtrunks auch heute noch jeder Kategorisierung und steht als ein selbstständiges, unabhängiges Resultat einer tiefen Auseinandersetzung mit Form, Farbe, Raum und Zeit. Ebenso liegt seinen Arbeiten stets ein architektonischer Ansatz zugrunde. Nicht nur deshalb, weil Fruhtrunk neben der Malerei auch Architektur studierte und oftmals in der Gestaltung von Hausfassaden und Innenräumen beteiligt gewesen ist, sondern auch aufgrund der kubischen Formen und der Materialien wie Kies und Sand, die er oftmals in die Farbe seiner Werke mischte. Geprägt von dem Trauma, das für ihn später auch den selbstgewählten Tod bedeutete, erscheinen die Werke wie ein Ankerpunkt, eine klare Struktur im Gegensatz zu seinem aufgewühlten Geist. Die Auflösung kreisender, nicht fassbarer Gedanken zu einem starken, fließenden Strom. (Vgl. Ausst-Kat. Günter Fruhtrunk - Retrospektive 1952-1982, Kunstmuseum Bonn / Museum Wiesbaden, Köln 2023)"Die zentrale und hochaktuelle Dimension innerhalb dieses Dialogs zwischen ständig herausgefordertem Sehen und ständig in Bewegung befindlichem Bildkontinuum besteht in der Anerkennung einer Unmöglichkeit der Gesichert-Seins sowohl im Bild wie in der Welt." (Berg 2018, 11)Erläuterungen zum Katalog Günter Fruhtrunk Deutschland Konkrete Kunst Nachkriegskunst Unikate 1960er Rahmen Formen Gemälde Acryl Geometrische Abstraktion Voraussichtliche Versandkosten für dieses Los:Absprache nach der Auktion.

RADZIWILL, FRANZ1895 Strohhausen/Wesermarsch - 1983 WilhelmshavenTitel: Warten auf Godot. Datierung: 1960. Technik: Öl auf Leinwand. Montierung: Auf Holz kaschiert. Maße: 49 x 61cm. Bezeichnung: Signiert unten rechts: Franz Radziwill. Nummeriert verso mittig: 533. Rahmen/Sockel: Künstlerrahmen. Bei dem hier vorliegenden Werk handelt es sich um eine Auftragsarbeit über das Theaterstück "Warten auf Godot" von Samuel Beckett. Der ehemalige Besitzer hatte zu diesem Thema eine Ausstellung zusammengestellt, an welcher sich neben Franz Radziwill auch weitere Künstler mit Arbeiten beteiligten.Provenienz:- Privatsammlung Norddeutschland (direkt vom Künstler)- Privatsammlung Norddeutschland (durch Erbschaft vom Vorgenannten)Ausstellungen:- Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig 1962, Kat.-Nr. 10- Hessische Landesbibliothek, Darmstadt 1963- Franz Radziwill Haus, Dangast 2018/2019Literatur: - Firmenich, Andrea/Schulze, Rainer W.: Franz Radziwill, 1895 bis 1983 - Monographie und Werkverzeichnis, Köln 1995, WVZ.-Nr. 738, Abb.- Ausst.-Kat. Fläche wird Bild, Franz Radziwill Haus, Bielefeld 2018, Kat.-Nr. 18, Abb.- Einmalige Arbeit zu dem Theaterstück "Warten auf Godot" von Samuel Beckett, die unverkennbar die Handschrift des Meisters des magischen Realismus trägt- Die ungewöhnliche in zwei Hälften geteilte Komposition sorgt für einen spannenden Kalt-Warm-Kontrast - Werk mit starker Symbolhaftigkeit und deutlichem Bezug zu seiner VorlageRadziwills Auseinandersetzung mit der Natur und den magisch-besetzten Elementen einer immer auch zerbrechlichen Wirklichkeit, haben ihm einen eigenen Platz in der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts gesichert. Diese Sicht auf die Welt ist hier in besonderer Weise thematisiert. Ein von der Literatur inspiriertes Thema beherrscht die Leinwand: "Warten auf Godot" von Samuel Beckett. 1953 erstmals in Berlin aufgeführt, verdichtet es die bittere Lektion von der Leere eines Lebens, das nie einen Inhalt, nie eine Perspektive besaß. Vergeblichkeit und sinnloses Gerede prägen die Szene. Schuhe, die niemand ausziehen kann, sind die Zeugen einer Wanderung, die plan- und ziellos immer wieder an den Ausgangspunkt zurückführt; Seile, Stricke, die jedes freiere Atmen und jede Bewegung ersticken. Vier Menschen warten. Und niemand kommt.Radziwill kannte das Werk, sah es auf der Bühne des Staatstheaters in Oldenburg. Und er hatte eine in Fragen der Literatur bewanderte Hilfe: Seine Frau, die Schriftstellerin Inge Rauer-Riechelmann, war nicht nur selbst schöpferisch tätig. Sie sorgte auch dafür, dass das, was an geistiger Bewegung weitherum den Tag füllte, in die stilleren Gespräche des Ateliers an der Sielstraße 3 in Dangast/Nordsee gelangte. Ein lebhafter Austausch zwischen zwei wachen Teilnehmern der nach Sinn suchenden Nachkriegssituation. Franz Radziwill war immer auch ein Literat gewesen. Seine expressionistische Lyrik der frühen Zwanzigerjahre weist auf eine Doppelbegabung hin. Um 1922 stand er vor der Entscheidung, ob er Dichter oder Maler werden würde. Wir wissen, wohin er sich wandte. Doch: Was seine Malerpinsel an Feinheit und fernem Ton verdichteten, stand ihm auch zur Verfügung, wenn er Worte und Sätze zu einem eigenen Klang zusammenband.In diesem Gemälde zeigt er sich - was sehr selten geschah - beeindruckt und angesprochen von der "Sprache" eines anderen. Im gleichen Moment aber ist er dann doch zu selbstständig, zu frei, um mehr aufzunehmen als eine Anregung. Und so stellt er sich gegen Becketts Theaterstück, durchbricht das "Absurde Theater" und öffnet den Blick für etwas, das Zukunft nicht verschließt, sondern öffnet: Im Zentrum seines Gemäldes erinnert er an "Das Schwarze Quadrat", das Kasimir Malewitsch als absoluten Nullpunkt der Kunst beschrieb - von dem ausgehend alles neu beginnen konnte. Der unübersehbare Anknüpfungspunkt: Auch Malewitsch wusste sich in der Wüste. Dann aber öffnete er der Kunst eine neue Perspektive, schuf Räume jenseits der Gegenständlichkeit. "Das Schwarze lässt immer eine Hoffnung offen für etwas zu Entdeckendes." Und so wurde auch für Franz Radziwill, den späten geistigen Nachfahren, die Farbe "Schwarz" zum Symbol einer von Hoffnung gespeisten Situation jenseits aller Resignation. Er schöpfte aus denselben Erfahrungen. Nicht von ungefähr: Zahlreiche Gemälde aus den späten 1920er Jahren sind geprägt von einem "Schwarzen Himmel". So das berühmte Werk: "Der Todessturz Karl Buchstätters", 1928, das heute im Folkwang Museum Essen hängt. Franz Radziwill wusste, dass ein solches tiefes, bildbeherrschendes Schwarz letztlich von Aufbruchskräften, von Hoffnungsstrukturen durchwebt ist. Das bringt er hier noch einmal ein - und fügt dem "Schwarz" seines Gemäldes "Warten auf Godot" einen Regenbogen hinzu. Damit nimmt dieses Gemälde einen eigenen Platz ein im Werk des "phantastischen Realisten." Aus der Begegnung mit Samuel Becketts unglücklichem Lied auf die Sinnlosigkeit der menschlichen Existenz erhebt sich eine Struktur des rettenden Neuen. Gerd Presler.Erläuterungen zum Katalog Franz Radziwill Deutschland Neue Sachlichkeit Phantastischer Realismus Moderne Kunst Unikate 1960er Künstlerrahmen Landschaft Gemälde Öl Figur / Figuren Voraussichtliche Versandkosten für dieses Los:Absprache nach der Auktion.

VELDE, RINUS VAN DE1983 LöwenTitel: The Disortion. Datierung: 2014. Technik: Kohle auf Leinwand. Maße: 150 x 200cm. Bezeichnung: Signiert und datiert unten links: Rinus Van de Velde 2014. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:- Galerie Zink, Waldkirchen (Aufkleber)- Privatsammlung DeutschlandRinus van de Veldes Bildsprache wirkt oft plakativ, voyeuristisch-komisch oder scheint einem Filmausschnitt entnommen. Fast immer müssen wir über die wenigen Sätze, die er wie Bildkommentare oder Untertitel am unteren Rand seiner Leinwände anbringt, schmunzeln. In den fantastischen Bildwelten, die sich zwischen Realität und Fantasie bewegen, stellt der Künstler sich häufiger auch selbst im Sinn eines Selbstportraits oder Alter Egos dar. Als Ausgangsmaterial dienen ihm Fotografien aus Archiven und Magazinen oder Filmstills. Van de Velde stellt in seinem Atelier außerdem lebensgroße Kulissen aus Karton und Holz her, die zu einem bedeutenden Teil seiner Arbeit gehören. Diese imaginären Räume bieten dem Künstler vielfältige Optionen für neue Geschichten und Bildwelten. Van de Velde kann durch sein fiktives und karikaturistisches Universum in verschiedene Rollen schlüpfen und verschiedene Persönlichkeiten, Genres und Kunstformen bewohnen. Er schafft durch das Fotografieren der Figuren in den Dekoren eine abstrahierte Realität, ein Paralleluniversum, in dem sich seine Erzählungen abspielen. Die Bilder werden erneut verwendet, indem er diese Studiofotografien als Ausgangsmaterial für seine charakteristischen Schwarz-Weiß-Kohlezeichnungen verwendet. Der 1983 in Belgien geborene Künstler gehört zu den Shootingstars der zeitgenössischen Kunst und ist bereits in zahlreichen internationalen Sammlungen vertreten, u.a. in der Kunsthalle São Paulo, im Kunstmuseum Den Haag, im Kunstmuseum Luzern und im Museum Voorlinden in Wassenaar. Erläuterungen zum Katalog Rinus Van de Velde Belgien Zeitgenössische Kunst Unikate 2010er Rahmen Mann Gemälde Kohle Comic Voraussichtliche Versandkosten für dieses Los:Absprache nach der Auktion.

SCHRIMPF, GEORG1889 München - 1938 BerlinTitel: Chiemsee. Datierung: 1931. Technik: Öl auf Leinwand. Maße: 52 x 84cm. Bezeichnung: Signiert und datiert unten links: G Schrimpf 31. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:- Privatsammlung Nordrhein-WestfalenAusstellungen:- Kunstverein Magdeburg, 1934Literatur: - Storch, Wolfgang: Georg Schrimpf und Maria Uhden - Leben und Werk. Mit einem Werkverzeichnis, Berlin 1985, WVZ.-Nr. 1930/6, Abb. (hier abweichend datiert)- Herausragendes Werk aus dem kleinen Oeuvre des früh verstorbenen Künstlers- Landschaftsbild das trotz altmeisterlich anmutendem Sinn für Romantik dennoch der Kühle der Neuen Sachlichkeit verbunden bleibtErst spät widmet sich Georg Schrimpf ganz seiner Kunst. Als Autodidakt bildet er sich u.a. auf seinen Italienreisen ab 1909 und 1913 während des sehr kurzen Besuches der Kunstschule in München 1913 aus. 1915 lässt er sich schließlich als freischaffender Maler in Berlin nieder und stellt dort im folgenden Jahr in der "Sturm"-Galerie erstmals aus. Zur Zeit seiner Übersiedlung nach München 1918 malt er dann das erste Ölbild und beginnt seine ganz eigenen Ausdrucksmöglichkeiten zu entwickeln. Inspirationsquellen sind ihm hierfür u.a. die spirituelle Bildwelt Marcs und der dekorative Primitivismus Rousseaus wie auch die Ideen der Rückkehr zur Gegenständlichkeit neuklassischer Auffassung von Carrà, dem konservativen Vertreter der "Valori Plastici". Durch die Auseinandersetzung mit diesen so verschiedenen Kunstströmungen gelangt Schrimpf zu einem rationalen, ganz von der Linie bestimmten Bildaufbau, einer klaren Formgebung und einer zurückhaltenden Farbigkeit. Mit einer auf das Große zielenden Einfachheit der Mittel und Formen verleiht er seinen Bildern einen Zauber, der voller Geheimnisse ist. Das macht ihn zu einem wichtigen Vertreter der Neuen Sachlichkeit.In den 1930er Jahren gab das Landschaftsthema vielen Künstlern die Möglichkeit weiterzuarbeiten, ohne politische Repressionen befürchten zu müssen. Auch Schrimpf, der Mitte der 1920er Jahre mit einer Vielzahl von Werken an der Mannheimer Ausstellung "Neue Sachlichkeit" beteiligt ist, kann der Verfolgung des NS-Regime nur knapp entgehen. Das immer wiederkehrende Motiv der oberbayrischen Landschaft liegt darüber hinaus sicherlich auch in einer Verbundenheit mit seiner Heimat begründet.Georg Schrimpfs Landschaftsbilder, so auch das hier angebotene Werk "Chiemsee" aus dem Jahr 1931, haben einen gewissen Zauber und eine geheimnisvolle, ambivalente Atmosphäre in sich: in dem Gemälde bringt Schrimpf seinen altmeisterlich anmutenden Sinn für Romantik zum Ausdruck, bleibt aber dennoch der Kühle der Neuen Sachlichkeit verpflichtet. Schrimpfs Ziel war es, mit den malerischen Techniken der Altmeister und dem Naturlyrismus eines Caspar David Friedrich eine gewisse Verfremdung und Lebendigkeit zu erzeugen. Besondere Kennzeichen der Landschaften Schrimpfs sind die ungeheure Weite wie auch die reichen Abstufungen der Farbe. Der Tiefe der Landschaft steht dabei die präzise gezeichnete, fast greifbare Nähe des Vordergrundes kontrastreich und lebendig gegenüber.Erläuterungen zum Katalog Georg Schrimpf Neue Sachlichkeit Moderne Kunst Unikate 1930er Rahmen Landschaft, Dorf Gemälde Öl Voraussichtliche Versandkosten für dieses Los: Deutschland: 63,00 Euro inkl. 10,06 Euro MwSt EU: 95,00 Euro inkl. 15,17 Euro MwSt Weltweit: 165,00 Euro inkl. 26,34 Euro MwSt zzgl. Versandversicherung

POLKE, SIGMAR1941 Oels/Niederschlesien - 2010 KölnTitel: Ohne Titel. Datierung: 1972. Technik: Gouache auf Papier. Maße: 99 x 69,5cm. Bezeichnung: Bezeichnet von fremder Hand verso unten links: Sigmar Polke 1972 Mischtechnik/Papier.Rahmen/Sockel: Rahmen. Wir danken Herrn Michael Trier, Köln, für die freundliche Unterstützung. Provenienz:- Privatsammlung Rheinland-Sigmar Polke ist einer der einflussreichsten deutschen Nachkriegskünstler und dreifacher documenta Teilnehmer-Vielschichtiges Werk, das eindrücklich Polkes Experimentierfreude und Eklektizismus veranschaulicht-Feinsinnig erfasste erotische Figurenkonstellation in zarten kalligrafischen KonturenLustvoller Eklektizismus Das umfangreiche Oeuvre von Sigmar Polke umfasst Malerei, Arbeiten auf Papier, Fotografie, Film, Objekte und Grafik. Keiner einzigen Gattung verpflichtet, herrscht in seinem künstlerischen Schaffen Experimentierfreude und der freie, von jeglicher Konvention gelöste Umgang mit Medien und Materialien vor. Seine professionelle Beschäftigung mit Kunst begann Polke mit einer Lehre als Glasmaler und setzte sie in einem Studium bei Gerhard Hoehme und Karl Otto Götz an der Kunstakademie Düsseldorf fort. Zusammen mit Manfred Kuttner, Konrad Lueg und Gerhard Richter organisierte er in dieser Zeit eine erste öffentliche Ausstellung, die in demonstrativer Opposition zum Sozialistischen Realismus mit dem Begriff "Kapitalistischer Realismus" operierte. Eine subversive Haltung einnehmend, betrieben die Kommilitonen die humorvolle Demontage sämtlicher Klassifizierungen von Kunst, wie sie in dem programmatischen Satz formuliert wurde: "Wir zeigen erstmalig in Deutschland Bilder, für die die Begriffe wie Pop-Art, Junk Culture, imperialistischer oder Kapitalistischer Realismus, neue Gegenständlichkeit, Naturalismus, German Pop und einige ähnliche kennzeichnend sind." (ZADIK (Hrsg.): Ganz am Anfang /How it all Began: Richter, Polke, Lueg & Kuttner, Verlag für Moderne Kunst, 2004, Typoskript, S. 72) Ausgehend von diesem provokanten Ansatz, der etablierte Gewissheiten des Kunstbetriebs lustvoll hintertreibt, verschreibt sich Polkes Werk einem eigenwilligen Eklektizismus. Der Künstler eignet sich etwa medial verbreitete Bilder an, um sie, entkontextualisiert, einem Bedeutungswandel zu unterziehen. Dabei unterscheidet er nicht zwischen High und Low, seriösem oder unterhaltendem Anspruch der Informationsquelle. Vielmehr egalisiert er das visuelle Material aus Nachrichtensendungen, Fernsehshows, Werbung, Comics. Ohne Scheu kombiniert er Pop, Politik und Porno, verquickt Werke der klassischen bildenden Kunst mit Stoffmustern, relativiert und nivelliert somit Aussagen verschiedener Bildsprachen. Vielfache Reproduktion und die daraus resultierende Banalität und Beliebigkeit sind bewusst eingesetzte Mittel und Wirkungsweisen, um die in den Vorlagen vermittelten konservativen Ideale und Vorstellungen ironisch zu entlarven und zu brechen. Dabei setzt sich Polke verstärkt mit dem Mythos Kunst auseinander, dem er mit Schalk und Schabernack begegnet, um die hehren Werte und die Rolle des Künstlers, vor allem den Geniekult, ad absurdum zu führen. Sein Sinn für Komik und Klamauk lässt ihn das Kunstwerk mal als Schöpfung höherer Wesen, mal als Zauberei, als Spuk oder alchimistischen Akt darstellen. Verfremdende Unschärfe und flüchtige Figürlichkeit In den 1970er Jahren befasst sich Polke eingehend mit Fotografie, um Möglichkeiten bildnerischer Transformation zu erforschen. 1972, im Jahr seiner Teilnahme an der documenta 5, veröffentlichte er gemeinsam mit Klaus Staeck anlässlich der Bundestagswahl das Künstlerbuch "Bizarre". In einfachem Plastikeinband enthält es eine Sammlung übermalter Wahlplakate, die Polke in Köln und Düsseldorf aufgenommen hatte. Die 1972 entstandene Arbeit auf Papier "Ohne Titel" steht in engem Bezug zu Polkes Fotografien, in denen Unschärfe als bildbestimmendes und -verfremdendes Element eingeführt wird. Zugleich greift das Werk Elemente der Plakatkunst auf und vereint malerische und zeichnerische Bereiche in drei sich durchdringenden Schichten. Der zweifarbige Hintergrund besteht als durchgehender Rapport aus roten und schwarzen diagonalen Bahnen von unregelmäßiger Breite. Sie werden bedeckt von matten, milchigen Schlieren, aus der die zarten Konturen der erotischen Figurenkonstellation schemenhaft in Erscheinung treten. Dieser wie ein gestisches All Over über die Fläche ausgebreitete kalkige Schleier erinnert an die Wischspuren eines Schwammes auf einer Schultafel. Der dadurch entstandene Effekt bewirkt sowohl Transparenz als auch Trübung und betont zugleich die Flüchtigkeit der mit wenigen Strichen ausgeführten, kalligrafisch anmutenden Zeichnung, deren umrissbetonte Figürlichkeit auf die Comicsprache verweist. In der Verschränkung verschiedener Stilzitate wird die multimediale Vorgehensweise von Polke zugunsten der Vieldeutigkeit des Bildes deutlich.Bettina HaissErläuterungen zum Katalog Sigmar Polke Deutschland Kapitalistischer Realismus Neuer Realismus Nachkriegskunst Unikate 1970er Rahmen Akt Papierarbeit Mischtechnik Figur / Figuren Voraussichtliche Versandkosten für dieses Los:Absprache nach der Auktion.

Deix, Manfred (1949-2016)Sollte irgendjemand lachen, muß ich peitschi peitschi machenAquarell und Bleistift auf KartonSigniert rechts unten, betitelt rechts oben29 x 18 cmgerahmt„Karikatur ohne Bissigkeit, Drastik, Schärfe ergibt für mich keinen Sinn. Man hat mir oft Geschmacklosigkeit und Brutalhumor vorgeworfen. Wer denn, wenn nicht Satiriker, soll die Dinge beim Namen nennen?“

Saverij, Salomon -- Ein Offizier überreicht einer jungen Frau eine Münze ("Dats de Bruydt daermen om danst"). Radierung und Grabstichel nach Pieter Quast. 29 x 19,5 cm. Hollstein 94.Die moralisierende Darstellung geht auf ein Gemälde des Pieter Quast zurück, dessen Komposition in abgewandelter Form die beiden Protagonisten unseres Blattes und einen rauchenden Mann in einem Interieur darstellt (Schloss Charlottenburg, Berlin). Der tiefere Sinn der etwas kryptischen niederländischen Unterschrift lautet: Alles dreht sich um Geld in der Welt. Der ostentativ und kostbar gekleidete, fesche Offizier reicht einer hübschen jungen Frau ein Geldstück und versucht, sie damit gefügig zu machen, wodurch die Szene eine eindeutig erotische Komponente erhält. Die Adressatin hält mit ihrer Rechten einen mit Quasten verzierten Geldbeutel, was als Anspielung auf ihre Tätigkeit als Freudenmädchen zu deuten ist. Unser Blatt bildet das Pendant zu einer Radierung (Hollstein 95), die einen rauchenden Dandy zeigt und als Allegorie der eitlen Zeitverschwendung zu verstehen ist (siehe Spiegel van Alledag. Nederlandse genreprenten 1550 - 1700, bearb. von E. de Jongh, G. Luijten, Rijksmuseum, Amsterdam 1997, S. 233-35, Nr. 46). Ausgezeichneter, scharfer Druck, bis auf die Plattenkante beschnitten. Geringfügige Altersspuren, vereinzelte Montierungsreste, sonst sehr gut erhalten. Selten. - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.

An early 20th century postcard album, to include tinted tourist sites, coloured images of the 1938 Empire Exhibition in Scotland, textured examples, cards of the Sinn Fein revolt in Dublin, a panel postcard with gilt edges, cards of Plymouth Hoe, Barbican, Cattewater etc, approx 200 pieces (damaged cover).

Anselmus, Erzbischof von Canterbury Opera. Hrsg. und kommentiert von P. Danhauser u. J. Löffelholz. Nürnberg, C. Hochfelder, 27. März 1491. Schöner Sammelband mit den gesammelten Schriften zweier der wichtigsten christlichen Denker vor Thomas von Aquin, in einem ausgezeichneten zeitgenössischen Einband. Erste Sammelausgabe der Schriften des Hl. Anselm von Canterbury, enthält nebst 2 Briefen von Löffelholz und Danhauser eine kurze Vita Anselms sowie 26 seiner Schriften, darunter den späten Traktat Cur deus homo , ein klassisches Essay über den Sinn der Auferstehung, das 1077 entstandene Monologion sowie das 1078 geschriebene Prosologion . EINBAND: Schweinslederband d. Zt. auf 4 Bünden und über Holzdeckeln, mit Streicheisenlinien, rautenförmigen Stempeln mit Blütenornamenten, gewellten Bandstempeln mit dem Wort 'Maria', kleineren Rosettenstempeln und floralen Stempeln, 2 Messingschließen, 2 Messingeckbeschlägen und 1 (von 4) kurzen Messing-Kanten. Folio. 29 : 19 cm. - ILLUSTRATION: Mit zahlr. eingemalten Initialen in Rot. - KOLLATION: 178 nn. Bll. (d. l. w.). Gotische Type, 2 Spalten, 45 Zeilen. - PROVENIENZ: Seit 1995 in süddeutschem Privatbesitz. LITERATUR: GW 2032. - Hain/Cop. 1134. - Goff A 759. - BMC II, 473. - BSB A-554. - Polain 228. Angebunden: Aurelius Augustinus , Opuscula. Straßburg, M. Flach, 20. März 1489. Mit eingemalten roten Initialen. 6 nn. Bll., 261 (st. 268) num. Bll. Gotische Type. 2 Spalten, 49 Zeilen. - Sammelausgabe mit 35 authentischen und pseudo-augustinischen Traktaten, außerdem mit einer Vita des Augustinus von Hippo (354-430). - Ohne die Lage Q mit den Bll. 255-260 und das l. w. Bl. Etw. wasserrandig, zum Ende stärker. - GW 2865. - Hain/Cop. 1948. - Goff A 1218. - BMC I, 149. - BSB A-897. - Beautiful anthology containing the collected writings of two of the most important Christian philosophers before Thomas Aquinas, in an excellent contemp. binding. I: First collected edition of the writings of St. Anselm of Canterbury. With numerous painted initials in red. - With marginalia by an old hand, lower edge slightly waterstained, 2 leaves with long tear, title with erased ownership note, small thumb index and flying endpapers removed. Cover with faint inscriptions from an old hand. - II: With painted red initials. With 35 authentic and pseudo-Augustinian treatises, also with a vita of Augustine of Hippo (354-430). - Without the quire Q with the leaves 255-260 and the last blank leaf, waterstained, stronger towards the end. - Pigskin over wooden boards, with iron lines, diamond-shaped stamps with flower ornaments, wavy ribbon stamps with the word “Maria”, smaller rosette stamps and floral stamps, 2 brass clasps, 2 brass corner fittings and 1 (of 4) short brass edges. Folio. 29 : 19 cm. Altogether fine copy. Vollständige Beschreibung und Zustandsbericht https://www.ketterer-rarebooks.de/kunst/kd/details.php?detail=1&anummer=559&obnr=424000517 Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten. Complete description and condition report https://www.ketterer-rarebooks.com/details-e.php?detail=1&anummer=559&obnr=424000517 This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Stoffmusterbuch Frühjahrs- und Sommerkollektion der Firma 'Michels - Das Stoffparadies'. (Berlin) 1939. • 'Umfassender Modebericht' (Vorwort) • Mit schönen gouachierten Modezeichnungen, die jeweils ein gegenüberliegendes Stoffmuster präsentieren • Gut erhalten Das 'Seidenhaus' Michels war Anfang des 20. Jahrhunderts eines der führenden Seidenhäuser in Deutschland, mit Firmensitz in der Leipziger Str. 43-46, Berlin. Neben dem 'Stammhaus Berlin' hatte das Kaufhaus noch drei weitere Standorte in Berlin sowie in Breslau und Karlsbad. 'Jede Frau kennt die Wichtigkeit des Gutangezogenseins - sie kennt aber auch die Qual der Wahl, den richtigen Stoff zu finden. Ihnen diese Qual zum Vergnügen zu machen - das ist der Sinn unseres Musterbuches. Die edelsten Erzeugnisse besten deutschen und internationalen Modeschaffens haben wir in diesem Modealmanach zusammengetragen, der hier vor Ihnen liegt. Bekannte Künstlerinnen schufen für unsere schönsten MICHELS-Stoffe Modelle, von denen jedes seinen eigenen Stil und seine besondere Note hat. Bitte, gnädige Frau, wählen Sie nun in aller Ruhe das Schönste für sich aus und teilen Sie uns dann mit, wofür Sie sich entschlossen haben. Ihre Wünsche werden sofort von uns erfüllt.' (Aus dem Vorwort) Mit am Ende eingebundener Preisliste sowie einem beigelegten Schreiben, der nicht mehr lieferbare Stoffe durch den 'bedeutend gesteigerten Bedarf' auflistet. EINBAND: Weinroter Orig.- Leinenband mit Kordelbindung mit goldgeprägtem Firmenlogo auf Vorderdeckel und Rücken. 33 : 26 cm. - ILLUSTRATION: Mit 68 gouachierten Modezeichnungen und 81 S. mit montierten Stoffmustern. - 'Comprehensive fashion report' of the spring and summer collection 1939. With beautiful gouached fashion drawings, each presenting a fabric pattern facing it. With 68 gouached fashion drawings and 81 pages with mounted fabric samples. Wine red orig. cloth with cord binding with gold embossed company logo on front cover and spine. - Some parts slightly stained and some fabric samples with offsetting. A few fabric samples are missing as well as probably 13 pages of fashion illustrations. Altogether well preserved. Vollständige Beschreibung und Zustandsbericht https://www.ketterer-rarebooks.de/kunst/kd/details.php?detail=1&anummer=559&obnr=424000471 Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R). Complete description and condition report https://www.ketterer-rarebooks.com/details-e.php?detail=1&anummer=559&obnr=424000471 This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Marcus Vitruvius Pollio Zehen Bücher von der Architectur und künstlichem Bawen. Erstmals verteutscht durch Gualtherum H. Rivium. Jetzt aber an vilen Orten verbessert. Basel, Henricpetri 1614. Vierte und letzte Ausgabe des architekturtheoretischen Hauptwerks der Antike in der Ryffschen Übersetzung. 'Ryffs Vitruvius Teutsch .. ist ein umfassendes Kompendium der Architektur im weitesten und aktuellsten Sinn einer mathematisch ausgerichteten Disziplin' (HAB, Architekt u. Ingenieur, S. 68). In den ersten sieben Büchern werden allgemeine Probleme der Baukunst behandelt, Buch 8 über Aquädukte, Buch 9 vornehmlich über Sonnenuhren und das letzte Buch zum Maschinenbau. Mit den schönen Holzschnitten von P. Flotner, G. Pencz, V. Solis und H. Brosamer. Gezeigt werden Türme, Mausoleen, Theater und Badeanlagen, sowie aus dem technischen Bereich Hebemaschinen, Wasserräder, Kriegsmaschinen, Fuhrwerke u. a. EINBAND: Pergamentband d. Zt. Folio. 32,5 : 20,5 cm. - ILLUSTRATION: Mit Holzschnitt-Druckermarke am Ende und zahlr. tlw. ganzseitigen Holzschnitten. - KOLLATION: 16 Bll., 613 S., 1 Bl. LITERATUR: VD 17, 12:627706R. - Fowler 412 (Anm.). - Riccardi I/2, 616, 1/26. - Ornamentstich-Slg. Bln. 1812. - Benzing, Ryff 188. - Ebhardt, Vitruv S. 74. Fourth and final edition of the main architectural theoretical work of antiquity in Ryff's translation. With printer's device and many woodcuts in the text. Contemp. vellum. - Slightly browned (here and there stronger), last pages a little waterstained, title with old owner's entry, pastedowns partly burst. Vollständige Beschreibung und Zustandsbericht https://www.ketterer-rarebooks.de/kunst/kd/details.php?detail=1&anummer=559&obnr=424000642 Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R). Complete description and condition report https://www.ketterer-rarebooks.com/details-e.php?detail=1&anummer=559&obnr=424000642 This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Melchior Lechter. Das Märchen vom Sinn. Ein Mysterium. Berlin, Otto von Holten 1927. Mit ornamentalen Bordüren nach Zeichnungen von Melchior Lechter. Türkisfarbener Originalsaffianlederband mit reicher ornamentaler Vergoldung auf Deckeln und Rücken. - Widmungsexemplar.Opus V der Einhorn-Presse. - Exemplar VII von 50 römisch nummerierten und mit »Privat« gekennzeichneten für den Künstler, die nicht in den Handel gelangten. - Auf handgeschöpftem Alt-Bütten (Gesamtauflage 535). - Dreifarbendruck des handgeschriebenen Textes von Otto von Holten, Berlin. - Mit kalligraphierter eigenhändiger Widmung für Edith Andreae, geborene Rathenau (1883-1952) zu deren 45. Geburtstag. Die Schwester des 1922 ermordeten Außenministers Walther Rathenau verwaltete dessen Nachlass. - Für das prachtvolle Widmungsblatt verwendete Lechter ein Gedicht Rilkes, das vollständige vierte der »Sonette an Orpheus« (O ihr Zärtlichen). Das Ehepaar Fritz und Edith Andreae, Mäzene des Künstlers, besaßen unter anderem Lechters Gemälde »Orpheus« von 1896, das durch Vermittlung des Künstlers in das Landesmuseum Münster gelangte. Makellos schönes Exemplar mit bedeutender Provenienz.35,4 : 22,5 cm. [28] Seiten. - Rücken minimal verfärbt.Raub A 122. - Landmann S. 377. - Langner, Jugendstil S. 110

Franz Werfel. Gedichte aus dreissig Jahren. Stockholm, Bermann-Fischer 1939. Originalhalbpergamentband mit vergoldetem Rückentitel.Erste Ausgabe. - Exemplar 36 von 100 der Vorzugsausgabe auf Van Gelder Zonen-Büttenpapier und mit einem eigenhändigen signierten Gedicht Werfels auf dem Vorblatt, hier »Jubel des Geistes« (achtzeilig, abgedruckt auf Seite 45): »Ihr Alle, die ich war und bin: Ja Freude, Freude ist der Sinn! [...]«. - Enthält »Jugendgedichte«, »In Krieg und wirrer Zeit« und »Neue Gedichte«. - Tadellos schönes Exemplar. - Vorsatzblatt mit Namenszug »Job« in Bleistift, nach Aussagen des Vorbesitzers Besitzvermerk des Schweizer Reiseschriftstellers und Radiointendanten Jakob Job (1891-1973).20,5 : 12,5 cm. 251, [1] Seiten.Spalek/Hawrylchak 62.1. - Raabe/Hannich-Bode 330.39. - Exilarchiv 6359

SINN - A gentleman's stainless steel chronograph automatic wristwatch. Ref. 6026.1464, the white dial with three subsidiary dials, date and day aperture, moonphase dial and calendar pointer, 25 jewel ETA movement, 38mm, on a Sinn black leather strap with buckle.Currently running. No box or papers.

Georg Schwenk, Mädchen mit Kirschenvor weiter sonniger Sommerlandschaft auf einer Brüstung sitzendes und lächelnd zum Betrachter des Bildes blickendes junges Mädchen mit blonden Zöpfen im roten Kleid, eine Schüssel reifer Kirschen in der Hand haltend, hierzu schreiben die "Dresdner Nachrichten" vom 02.06.1933 im Artikel zum 70. Geburtstag des Künstlers: "... Seitdem [1900] als Porträtist viel beschäftigt (besonders sind seine Kinderbildnisse geschätzt). ... Schwenk entfaltete eine fruchtbare Tätigkeit als Bildnis- und Landschaftsmaler sowie als Schöpfer biblischer und symbolischer Darstellungen. ...", schon früh würdigte Sascha Schneider Schwenks Werk als „im besten Sinne religiös" er schrieb weiter "... Einen höheren und höchsten Sinn liest Schwenk in aller ihn umgebenden Natur. Als Poet wie als Maler. Seine Landschaften sind weit davon entfernt, Naturabschriften oder artistische Behandlungen eines malerischen Motivs zu sein. Es sind freie Umdichtungen einer irgendwo erlebten Anregung, ein malerischer Niederschlag einer frommen Seele, die ihr Gebet in einer intensiv geschauten Naturerscheinung verrichtete. Ueber [sic] alle zufällige Nebenwirkung, über alles Verzerrte, über Moder und Zerfallendes kommt dies hoffende und gütige Auge hinweg. ..." und Henrik Schwanitz ergänzt in "Sächsische Biografie": "... Schwenk war ein Dresdner Maler und Schriftsteller, dessen von Historismus und Jugendstil geprägte Bilder historische und christliche Motive thematisieren. Sein Wirken ist vor allem aber mit der Lebensreformbewegung verbunden, in der seine Arbeiten große Popularität genossen. ... Dies verdeutlicht nicht zuletzt das Bild „Treu der Natur“. Als Wandgemälde in der Zeit um 1900 ausgeführt, befand es sich sowohl in der Eingangshalle des Sanatoriums von Heinrich Lahmann auf dem Weißen Hirsch bei Dresden als auch im Speisesaal des Bilzbads in Kötzschenbroda. Es propagiert sowohl textlich als auch bildlich das Programm der Lebensreform und vereint in seiner Darstellung schwärmerisch-religiöse Naturverehrung, Vegetarismus, Freikörperkultur sowie Naturheilkunde. „Treu der Natur“ galt neben dem „Lichtgebet“ von Hugo Höppner (gen. Fidus) als ein Kultbild dieser Reformbewegung. Ab 1903 wurde es vom „Deutschen Bund der Vereine für naturgemäße Lebens- und Heilweise“ auch als Postkarte und Farbdruck vertrieben. ...", wohl Entwurf einer Wandmalerei mit ornamentalen Eckverzierungen des oktogonalen Motivs, Gouache auf Karton, Anfang 20. Jh., rechts unten signiert "G. Schenk", Erhaltungsmängel, ungerahmt, Maße ca. 70,5 x 67 cm. Künstlerinfo: eigentlich Johann Georg Wilhelm Schwenk, dt. Historien-, Portrait-, Genre- und Kirchenmaler, Freskant, Illustrator und Schriftsteller (1863 Dresden bis 1936 Dresden-Loschwitz), studierte 1880-86 an der Dresdner Akademie bei Julius Scholz, Leon Pohle und Heinrich Ferdinand Hofmann, 1886 Silbermedaille der Akademie Dresden, 1886-88 weitergebildet bei Theodor Grosse, 1888-94 in Leipzig als Portraitmaler freischaffend, portraitierte hier Honoratioren der Stadt wie Karl Heine, 1894-96 Atelierschüler von Hermann Prell in Dresden, ab 1897 schuf er im Staatsauftrag auf Protektion von Königin Carola hin Märchenbilder für das "Sächsische Krüppelheim", schuf darüber hinaus Wandgemälde für die Nikolaikirche in Eisenach, das Gewandhaus Bautzen, die Schillerschule in Loschwitz, Kirchenfensterentwürfe für die Kirche Loschwitz und Altargemälde für das Dresdner Kinderhospital, beschickte den Dresdner Kunstverein und die Dresdner Kunstausstellungen, Mitglied des Kompositionsvereins „Mappe“, tätig in Dresden, 1898-1936 im Künstlerhaus Dresden-Loschwitz, Quelle: Thieme-Becker, Saur "Bio-Bibliographisches Künstlerlexikon", Schülerlisten der Dresdner Akademie, Jansa, Dressler, Jansa, Müller-Singer, "Künstler am Dresdner Elbhang", Boetticher, Dresdner Nachrichten vom 02.06.1933, Henrik Schwanitz in "Sächsische Biografie" und Wikipedia.

Daniel Permanetter1977 Starnberg - lebt und arbeitet in BerlinSeite 05. 2010Verso signiert und betitelt. Offsetprint auf Papier. Ex. 2/10. 18 x 24 cm. Rahmen (20,5 x 26,5 cm).Daniel Permanetter (*1977 in Starnberg) Permanetters Arbeit nutzt narrative Strukturen, die stark von populärer Musik inspiriert sind. Er verbindet verschiedene Formate wie Einkanalvideos, Rauminstallationen, gesprochene und geschriebene Texte sowie Fotografien, um einen Dialog zwischen Alltäglichem und Existenziellem zu schaffen. In seinen Videos, darunter "My 115th Dream" und "The Beauty Parlor", treten Bob Dylan und Permanetter in kurzen, alltäglichen Szenen auf - im Bus, im Kino - ohne dass sie sich auf eine logische Weise begegnen. Diese Begegnungen spiegeln die menschliche Erfahrung wider: die Herausforderung, Gedanken und Gefühle auszudrücken und sich mit den großen Fragen des Lebens, der Liebe, der Schönheit und des Todes auseinanderzusetzen. In dieser Unmöglichkeit, klare Antworten zu finden, verbindet sich die Kunst von Permanetter mit Dylans Musik, die ebenfalls die Suchem nach Sinn und die Komplexität des menschlichen Daseins thematisiert. Permanetter absolvierte 2007 die AdBK als Meisterschüler von Prof. Stephan Huber. Er lebt und arbeitet in München. Diese Objekt wird im Rahmen des Projekts "Künstler*innen fördern Künstler*innen" versteigert: Der Erlös aus der ONLINE BENEFIZ AUKTION wird zu 100% in die Fördermaßnahmen der Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung fließen und damit Projekte im kommenden Jahr unterstützen. Zur ERWIN UND GISELA VON STEINER-STIFTUNG Die gemeinnützige Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung hat sich 1989 in München zur Förderung künstlerischer Projekte konstituiert. Sie geht auf das Erbe von Gisela Steiner zurück, der 1987 verstorbenen Witwe des Münchner Malers Erwin Steiner (1893-1953). Als Stiftung verfolgt sie den Zweck, begabte Künstlerinnen und Künstler durch finanzielle Zuschüsse zu unterstützen. Gefördert werden qualitativ hochwertige Projekte, die in den unterschiedlichsten Medien arbeiten. Als Richtlinie gilt, dass es konzeptuell und ästhetisch überzeugende Projekte solcher Kunstschaffender sein sollten, die in Deutschland arbeiten. Ein Bezug zu München ist Voraussetzung.

Johannes Ludovicus Mathieu Lauweriks, Silberschale, 1913LauweriksFrans ZwolloEntwurf von J. L. M. Lauweriks, Ausführung: Frans Zwollo, Hagener Silberschmiede. 4,5 x 15,5 x 9 cm. Gewicht: 145 g. Bezeichnet: „HAGENER SILBERSCHMIEDE“, „HS“, „F. ZWOLLO“ mit Hammersymbol, „LM LAUWERIKS“, „900“, Halbmond und Krone, geritzte Datierung: '12.I.17'.Provenienz: Nachlass Karl Ernst OsthausDer westdeutsche Impuls 1900-1914. Kunst und Umweltgestaltung im Industriegebiet. Die Folkwang-Idee des Karl Ernst Osthaus. Ausst.-Kat. Karl Ernst Osthaus Museum 25.3.-20.5.1984, Hagen 1984, S. 82f (zur Hagener Silberschmiede), 148 ff (Zu Lauweriks und seiner Tätigkeit in Hagen)A.-Chr. Funk-Jones, J.r. ter Molen, G. Storck, Maßsystem und Raumkunst. Das Werk des Architekten, Pädagogen und Raumgestalters J.L.M. Lauweriks. Ausstellungskatalog, Krefeld 1987, S. 11 (Biografie), S. 131 (Abb. eines Tafelaufsatzes mit Entwurfszeichnung, der noch eine Segmentierung der Muschel zeigt)Michael Fehr, Sabine Röder, Gerhard Storck (Hrsg.), Das Schöne und der Alltag. Die Anfänge modernen Designs 1900-1914. Ausstellungskat. Kaiser-Wilhelm-Museum Krefeld, Hagen 1997, Abb. S. 144 (Pralinenschale)Röder, Sabine, Storck, Gerhard (Hrsg.): 'Das Schöne und der Alltag-Deutsches Museum für Kunst in Handel und Gewerbe', Ausstellungskat. Kaiser Wilhelm Museum Krefeld und Karl Ernst Osthaus-Museum der Stadt Hagen, 1998., Abb. S. 144 (Pralinenschale)Martijn F. le Coultre, Wendingen. New York 2001, S. 23 (vgl. Röntgenaufnahme einer Nautilus-Schnecke auf einer Seite der Zeitschrift Wendingen).Zu Lauweriks Maßsystem: 'Sowohl in den Niederlanden als auch in Deutschland zählte Lauweriks zu den führenden Künstlern des 'Neuen Stils', der eine Methode zum systematischen Entwerfen in Anlehnung an klassische Maßsysteme entwickelt und perfektioniert hatte. Grundlage eines jeden Entwurfs bildete hierbei ein exaktes, reproduzierbares System aus Linien, aus dem sich Proportion und Form des zu gestaltenden Gegenstandes ableiteten. Für die hochwertigen Silberarbeiten der Hagener Silberschmiede, die zumeist von dem niederländischen Silberschmied Frans Zwollo ausgeführt wurden, achteten Lauweriks und Zwollo akribisch auf eine exakte handwerkliche Ausführung unter Verwendung edelster Materialien. So schrieb Zwollo zu den exklusiven Stücken: 'die Geheimnisse der Seele können nur durch Handarbeit Gestalt gewinnen'. In diesem Sinn urteilte auch ein Mitarbeiter von Karl Ernst Osthaus: 'die gute Silberarbeit wird immer etwas Individualistisches haben, wird Luxuswerk im guten Sinne des Wortes sein'. (zitiert nach: Dr. Birgit Schulte, Karl Ernst Osthaus Museum).

TENIERS, DAVID DER JÜNGERE1610 Antwerpen - 1690 BrüsselTitel: Alte Dame, den Rosenduft genießend, neben ihr ein Hund. Technik: Öl auf Holz. Maße: 15,5 x 12,5cm. Bezeichnung: Monogrammiert unten links auf einem Stein: "T in D". Rahmen: Rahmen. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Wir danken Margret Klinge, Düsseldorf, die das Gemälde im Original begutachtet hat, für ihre freundliche Unterstützung bei dessen Katalogisierung. David Teniers der Jüngere ist vielleicht der flämische Künstler des 17. Jahrhunderts, der, neben dem eine Generation älteren Peter Paul Rubens, unseren Blick auf die Kunst seiner Zeit geprägt hat. Das Handwerk erlernt er in Antwerpen bei seinem Vater, David Teniers dem Älteren und wird 1633 Mitglied der dortigen Lukasgilde. David Teniers II beherrscht alle Sparten der Malerei und ist überaus innovativ und einflussreich. Porträts, Historienbilder und religiöse Themen kommen in seinem umfangreichen Oeuvre vor, besonders populär ist er aber bis heute als Maler von Genrebildern im Bauernmilieu. Ab 1647 steht der Künstler, dessen Werke sich in allen führenden Sammlungen seiner Zeit finden, im Dienst des Statthalters der Niederlande und wird ab 1651 Hofmaler. Mit diesem Amt ist auch die Betreuung der Erzherzoglichen Kunstsammlung verbunden und David Teniers schafft mit dem "Theatrum pictorium" den ersten bebilderten Sammlungskatalog überhaupt. Auch seine Gemälde der Bildersäle des Erzherzogs, auf denen er die realen Objekte zeigt, sind eine ganz neue und bis heute unerschöpfte Dokumentation ihrer Zeit.David Teniers, der eine große Werkstatt mit Schülern unterhielt, gilt auch als Initiator der Gründung der Antwerpener Akademie der Künste.Allegorische Themenfolgen kommen in David Teniers Werk häufig vor. Die vier Jahreszeiten, die vier Elemente oder auch die fünf Sinne hat der Künstler in kleinformatigen einzelnen Tafeln versinnbildlicht. Es ist davon auszugehen, dass die hier vorliegende kleine monogrammierte Tafel in einem solchen Zusammenhang steht. Die alte Dame, die an einer Rose riecht, versinnbildlicht den Geruchs-Sinn, der auch der beste Sinn des Hundes an ihrer Seite ist. Im Außenraum, vor einer weiten aber reduzierten Landschaft sitzt sie auf einem Stuhl, hinter dem der Rosenbusch steht, von dem sie wohl die Stiele pflückte, die jetzt auf ihrem Schoß liegen. Ein angedeutetes Architektur-Element begrenzt den Bildraum nach rechts und verleiht der Szene eine gewisse Intimität. Auch ohne den Kontext der Sinnes-Darstellung nimmt das Bild für sich ein und vermittelt eine leise Melancholie: den Duft der Rosen genießend, denkt die alte Dame vielleicht an die Vergangenheit; der treue Hund bleibt an ihrer Seite. Genau dieser Vierbeiner begegnet tatsächlich auch in einem anderen Gemälde David Teniers II: in einem 1644 datierten Kücheninterieur (heute Mauritshuis, Den Haag) steht er prominent im Vordergrund.Im Herzog Anton Ulrich-Museum in Braunschweig befindet sich das Bildnis einer alten Frau im Lehnstuhl (um 1650), die der Dame im hier vorliegenden Gemälde sehr ähnelt. Diese beiden Vergleichsstücke könnten bei einer Datierung des Werkes herangezogen werden. Voraussichtliche Versandkosten für dieses Los: Absprache nach der Auktion.Erläuterungen zum Katalog David d.J. Teniers Niederlande Niederländische/ Flämische Schule 17.Jh. Originale Rahmen Allegorie Gemälde Lebensphasen

SCHISCHKIN, IWAN IWANOVIC1831 Elabuga - 1898 St. PetersburgTitel: In der Natur. Waldstimmung, wohl auf der Insel Walaam. Datierung: Frühe 1860er Jahre. Technik: Öl auf Karton. Maße: 39 x 57,5cm. Bezeichnung: Monogrammiert unten rechts: "I S (kyrillisch)". Rahmen: Rahmen. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland;Sammlung Hans Ernst Pfeiffer, Düsseldorf;Erbschaft nach Max Noffz, Berlin, bis um 1938;Sammlung Max Noffz (verst. 1921), Berlin;erworben aus Privatbesitz, Warschau (über "Herrn Neuding").Wir danken Elena Nesterova, Sankt Petersburg, die die Zuschreibung des vorliegenden Gemäldes auf Grundlage einer hochauflösenden Digitalfotografie bestätigt und die Datierung vorgeschlagen hat. Ebenso danken wir Olga Sugrobova-Roth, Düsseldorf, für ihre Hilfe bei der Katalogisierung.Dieses kleine, stark querformatige Gemälde macht es dem Betrachter zunächst nicht leicht: Bäume verstellen den Blick, Felsen versperren den Weg. Diese Landschaft zu erfassen, braucht ein wenig Zeit. Doch wer seinem Auge erlaubt, das vorherrschend grüne Dickicht zu erforschen, wird vom ungeheuren Reichtum dieser speziellen Darstellung belohnt.Die Wiese im direkten Bildvordergrund liegt in eher diffusem Licht da. In der nächsten, leicht diagonal verlaufenden Ebene wachsen Laubbäume unterschiedlicher Größe zwischen bemoosten, überwiegend abgerundeten Granitfelsen. Doch hinter dieser vermeintlichen Sichtsperre geht der Raum weiter. In der Tiefe stehen weitere Bäume. Und ganz links am Rand, leuchtet dort ein heller, sandiger Weg auf? Noch weiter hinten, zwischen den Baumkronen glitzert Wasser und eine Uferlinie wird sichtbar. Jetzt wird klar, dass auch in der rechten Bildhälfte die tiefer liegenden, hellen Lichter, die durch die Bäume blitzen, vom Wasser herrühren. Der von den Baumkronen weitgehend verdeckte Himmel ist wohl nur im oberen Drittel des Bildes zu verorten. Das vom Wasser stark reflektierte Licht beleuchtet die Felsen auf der vom Betrachter abgewandten Seite. Lichtstreifen an den Oberkanten verdeutlichen das. Der Maler erreicht so, durch wenige aber ungemein effektvoll gesetzte und teilweise harte Lichter eine ungeheure Plastizität der Felsen und der Baumstämme. Dabei lässt er Details sonst eher außer Acht. Die Wiese im Vordergrund und auch das Laub sind ganz malerisch, fast summarisch dargestellt.Dies ist kein Landschaftsgemälde im eigentlichen Sinn; es ist ein Porträt der Natur, wie der Maler sie in seiner russischen Heimat gesehen und erlebt hat. Und wie in einem guten Porträt ist die Wiedergabe des Charakters, der Seele des Dargestellten wichtiger als die fotografische Ähnlichkeit.Der Meister der Natur-Atmosphäre, der dieses Gemälde schuf, ist Iwan Iwanovic Schischkin, einer der wichtigsten und einflussreichsten Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts in Russland. Nach einer vierjährigen Ausbildung an der Moskauer Hochschule für Malerei und Bildhauerei geht Iwan Schischkin nach Sankt Petersburg, wo er sich ganz auf die Landschaftsmalerei konzentriert. Noch während des Studiums erfährt er große Anerkennung; er erhält hohe Auszeichnungen und bekommt das Recht zu einem Studienaufenthalt im Ausland. 1862 bis 1865 bereist Schischkin die Kunstzentren in Deutschland, Frankreich und Belgien. Besonders wichtig wird für ihn sein Aufenthalt in Düsseldorf, wo er wichtige Anregungen in der Akademie erhält, in der die Landschafts- und Freilichtmalerei besonders kultiviert wird.Nach seiner Rückkehr nach Sankt Petersburg 1865 knüpft Iwan Schischkin an seine früheren Erfolge an. Er vertritt sein Land drei Mal bei Weltausstellungen (1867, 1873, 1878) und wird Mitglied der Künstlervereinigung Peredwischniki, die die Kunst durch Wanderausstellungen einer breiten Bevölkerung nahebringt. 1873 wird Schischkin zum Professor für Landschaftsmalerei ernannt. Seine Kunst genießt eine ungemeine Anerkennung und Popularität. Unter anderem erwirbt der bedeutende Sammler Pavel Tret'jakov mehrere seiner Werke. Die Kritik feiert Schischkins Gemälde als kulturelle Ereignisse von nationaler Bedeutung.Es sind Zeichnungen und Grafiken Schischkins bekannt, die 1859/1860 datiert werden und sehr ähnliche Waldstimmungen auf der Insel Walaam im Ladogasee, im russischen Teil Kareliens zeigen. Elena Nesterova datiert die vorliegende Arbeit auf die frühen 1860er Jahre und es ist anzunehmen, dass sie vor Schischkins Reise nach Westeuropa, vielleicht auf Walaam entstanden ist. Seine Suche nach einer Allgemeinformel, die die Besonderheit der Natur in Russland, ihre unendliche Weite und unberührte Schönheit einfängt, macht Iwan Iwanovic Schischkin, der von seinen Zeitgenossen "der Zar des Waldes" genannt wurde, zu einem russischen Maler ersten Rangs. Die hier vorgestellte Arbeit lässt dieses Streben erkennen, wenn der Betrachter sich Zeit nimmt, die Tiefen des Gemäldes wirken zu lassen. Voraussichtliche Versandkosten für dieses Los: Absprache nach der Auktion.Erläuterungen zum Katalog Iwan Iwanovic Schischkin Russland Realismus 19.Jh. Gemälde Rahmen Natur Gemälde Baum