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LÉONARD TSUGUHARU FOUJITA (1886-1968)Nu assis (Jacqueline Barsotti-Goddard) signed and dated 'Foujita 1929' and further signed in Japanese (centre right); signed and dated 'Foujita 1929' and further signed and inscribed in Japanese (on the stretcher)oil on canvas64.8 x 100.2cm (25 1/2 x 39 7/16in).Painted in Paris in 1929Footnotes:The authenticity of this work has been confirmed by Sylvie and Casimir Buisson. This work will be included in the forthcoming Vol. IV of the Léonard Tsuguharu Foujita catalogue raisonné, currently being prepared.ProvenanceGalerie Mantelet (Colette Weil), Paris (acquired directly from the artist in 1929).Private collection, France (acquired from the above in 1929).Thence by descent to the present owner.ExhibitedMoscow, The Pushkin State Museum of Fine Arts, Les muses de Montparnasse, 15 July – 3 October 2021, no. 183.The living body, the naked and natural body, the body stripped of artifice, the woman captured in her truth, her simplicity, her beauty, the woman: that was what fascinated Foujita. He put her at the very centre of his art, and she embodied the origin of the world. Mother, lover, confidante, and muse all at once, Foujita considered her a mediating figure between the human and the divine, a Renaissance-like conduit to God. Officially, Foujita had five wives. However, he admitted to having had thousands of models, visible in numerous studies, drawings, engravings, and paintings made of one or the other, populating his oeuvre. The angelic yet melancholic face of the present subject belongs to one of these muses, well-known among the artists of the Montparnasse: Jacqueline Goddard. In demand by fellow artists Kisling, Pascin, Derain, Matisse, Giacometti, Man Ray and Picasso, it was Foujita's house at the Parc Montsouris that Goddard favoured. Enchanted by this Art Deco, bucolic villa, she was adopted as a sister by Youki Foujita, the artist's wife and fellow muse.Jacqueline's modern look, Grecian profile, long neck and tousled hair made her one of the legendary models of Montparnasse from an early age. She was an orphan: her French mother died when she was young, whilst her father, André Barsotti, was a talented Tuscan sculptor who died three years before the present work was painted. If Foujita's name now evokes elegance, delicacy and contemplation, it is mainly due to his nudes. Painting Nu assis (Jacqueline Barsotti-Goddard) connected him not only to his past loves, the masters of the Italian Renaissance, such as Michelangelo and Botticelli, but also to his Japanese roots, and to the floating world of printmaking (Ukiyo-e), where modest nudity appears with great sensual intensity. The present work was one of the crown jewels of the Colette Weil gallery, with which Foujita had close ties in 1929, and was acquired by one of the gallery's patrons. The West and the East come together in Nu assis (Jacqueline Barsotti-Goddard), as Foujita transformed a young woman into a modern goddess of love. The contour of the shapes is perfect, the anatomy is irreproachable, and the body is harmonious. Everything flows in a smooth transition, reminding us of the firmness of a sculptural bronze and the polish of marble. The classic face evokes that of Simonetta Vespucci, the model for Botticelli's Venus in The Birth of Venus. Her muscular body seems to descend straight from the ceilings of the Sistine chapel, like a female version of an Ignudo painted by Michelangelo.The nude was an important theme for Foujita because it connected him to nature and to universal beauty. It also allowed him to follow in other great artists' footsteps: in addition to the masters of the Sistine, one sees the influence of Goya, Manet, Rodin, Canova, Ingres and even his contemporaries Modigliani, Matisse and Van Dongen. Even though Foujita's art did not belong to any specific time or school, it remained full of references, and if he broke the rules, it was because he knew them so well. In 1929, Foujita was at the highest point of his career. His milky white backgrounds and range of soft, creamy colours had already established his reputation around the world. Like Degas, Foujita considered that a well-drawn painting was always a well-painted painting. Indeed, his mastery culminated in the way he drew the outline: dipping his brush in black, he stretched the lines on the canvas without hesitation, in a single movement. Those lines were firm and assured, but also delicate and sensitive, which created balance and harmony. The traditional and stable triangular composition, which connects the head to the left hand and the heel of the foot, is balanced by the hair, which allows the painter to let his flat brush slide on the silky canvas. The strands of hair come to life and frame the face, effortlessly and freely resting on the neck like an opalescent mother-of-pearl. Despite the Western model, subject and medium, Foujita allowed his Eastern heritage to express itself, blending both cultures together. As in all his paintings, the figure floats slightly, as if suspended in weightlessness, between rest and action. This Japanese notion of suspension, interruption, and emptiness, which can be found in painting as well as in architecture and in Japanese craftsmanship, is the Ma. It influenced Foujita, who explored the space between the lines, outside and inside the figure. Evoking Japanese metaphysics and aesthetics, which sanctify the idea of breathing, the artist painted the time of breathing, between inspiration and exhalation. Goddard's gaze in the present work is lost in the distance: the beautiful thinker meditates. She holds her breath like Foujita. Another Japanese notion comes into play: the katabokashi, or the fading of the form. If the Ma connects the forms while separating them, the katabokashi is a clever network of greyness, barely visible, which emphasises and translates the Ma. It animates the lower section of the painting and gives it life. It corresponds to the lighter white halo that surrounds the body and allows it to stand out against the background. To achieve this effect, Foujita rubbed cotton wool barely dipped in black or grey pigment. Another Japanese aesthetic and spiritual concept used by the artist was the wabi-sabi: the veneration of the beauty of imperfect things, the magic of their patina and their ageing process. Evoking the wear and tear of time on the surface of the painting, Foujita highlighted the impermanence of life and beauty. To achieve this effect, he used cotton wool soaked in grisaille made of black soot and dry oil. Then, he scattered the pigment inside the small air bubbles that dried and broke on the surface of the canvas. This gave the illusion that the painting had been shaped by time. Foujita embraced his ancestral roots but turned to the West to enrich his artistic vocabulary in this East/West hybrid work. His ability to oscillate between these two cultures, to feed on them and to transcend them was due to his love for art and life rather than aesthetic satisfaction. All his life, he believed in the invisible power of art without borders, embodied by the Montparnasse, which brought together the best avant-gardes from all over the world. Transcending the world, escaping time, and connecting with the gods of creation was Foujita's artistic goal from an early age. Sylvie BuissonArt HistorianAuthor of the forthcoming Volume IV of the Léonard Tsuguharu Foujita catalogue raisonné, in collaboration with Casimir Buisson, expert for the artist at the French ... This lot is subject to the following lot symbols: * AR* VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.AR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

EDGAR DEGAS (1834-1917)Danseuse signed 'Degas' (lower right)pastel, wash and charcoal on paper laid on card52 x 31cm (20 1/2 x 12 3/16in).Executed circa 1906-1908Footnotes:We are grateful to Professor Theodore Reff for his assistance in cataloguing this work.ProvenanceAnon. sale, Hôtel Drouot, Paris, 22 March 1920, lot 10.Anon. sale, Hôtel Drouot, Paris, 3 June 1927, lot 15.The Hon. H. Marks Collection, London.Thence by descent to the present owner.'The sheer labour of drawing had become a passion and a discipline to [Degas], the object of a mystique... a supreme preoccupation which abolished all other matters, a source of endless problems in precision which released him from any other form of inquiry. He was and wishes to be a specialist, of a kind that can rise to a sort of universality.'-Paul ValéryAs Edgar Degas' life drew to its close, his drawing practice reached its ascendency. Increasingly reclusive, suffering the decline of his vision due to a progressive retinal disease, he toiled in his four-floor studio at rue Victor Massé, thick with clouds of pastel dust and stacks of unfinished sketches. There he drew with monkish devotion, altering, colouring and reworking his compositions, tracing them on top of one another, transferring the loose media of their ever-changing forms from sheet to sheet. Pastel and charcoal at this time truly liberated Degas' approaches to colour, light and form, leading him to create his most poignant and truthful works, of which Danseuse is a quintessential example.In a fleeting glimpse, a ballerina adjusts her shoe between performances. Although she is not dancing, her entire presence is animated with motion, as her bold, vigorously applied contours are accented with the lively, flurried strokes of her arms, legs and tutu. At the same time, the delicate pattern of her spine traversing upward into her carefree coiffure evokes a certain intimacy. Heavy zigzags of charcoal at the base of the scene – some of which have been smudged into shadows – evoke the dark recesses of the backstage, access to which was a sought-after privilege for the cultural elite. The solid pink colour field of the door – its foundations rendered sensitively with Degas' trademark pastel wash – seems to underscore the ballerina's femininity, as its heavy vertical lines of charcoal generate a visual caesura. The light streaming in from the stage beyond, conjured up by the blank space of the sheet, gently hints at a narrative – one that Degas hides just out of reach, preferring the viewer to instead meditate upon this simple, personal and poignant vignette.Degas presents to the viewer a series of visual paradoxes: boldness and fragility, balance and spontaneity, intimacy and detachment. The resulting sense of transience, the stoking of the imagination, the leaving of questions unanswered are all central to Degas' dogma. At this time, he was drawing more from memory than from observation, making the splendour and mastery of his late technique all the more extraordinary. His compositions became simpler and bolder, depicting single figures or small groups within ever more abstract interiors. Anatomical accuracy gave way to the poetic, as Degas fused his imagination with the real world, creating a pictorial mythos that rests upon subjectivity rather than objectivity.In carrying out these aims, pastel was Degas' ambrosia. In its opacity, it allowed him to layer colours and fully rework compositions, working rapidly from sketch to sketch. At the same time, its powdery constitution allowed him to mix it with water and solvents to create pastes and washes. Degas' mastery of this versatile medium thereby engendered expressive compositions that possess a kind of magical, shimmering iridescence. While pastel allowed him to draw with colour, charcoal's friability enabled diverse delineations of form and space, granting his compositions a sculptural force. The harmony of these media led drawing to rival oil painting in Degas' late work, evidenced by the striking stylistic affinities between his artworks of these types. Indeed, as the ballerina of the present work makes a cameo in the circa 1889 painting Danseuses au foyer (Foundation E.G. Bührle, Zurich), she retains her startling vitality, as Degas renders her in oil with the rapid manner of a pastellist. This stylistic evolution within Degas' drawings coincided with a transformation in his methods of production, beginning at the close of the nineteenth century. His process began with a charcoal sketch on thin tracing paper, comprising bold, bassline contours followed by short staccato strokes. Then, he would apply a vaporous fixative by boiling it and directing the steam toward different aspects of that composition. Once the medium was secured, the mounters of his studio would apply the sheet to a lightweight piece of card, granting the artwork the required opacity and solidity for the ensuing stages. Next, Degas would apply coloured pastel, sometimes separating those tonal layers between further layers of fixative, preventing their pigments from intermixing. This sustained the chromatic intensities of the different colour fields, flattening their textures and allowing Degas to revisit his sketches across months and even years. Degas' mounting and fixing method therefore held key importance in his creative process, being reserved for charcoal drawings that he wished to develop further – and for which he often had a buyer in mind. This complexity of material and method has led Christopher Lloyd to liken Degas' studio to 'Prospero's cell – or, less poetically, the laboratory of a forensic scientist' (C. Lloyd, Edgar Degas, Drawings and Pastels, London, 2014, p. 273). The highly physical nature of Degas' late practice imbues his drawings with a kinetic force – one that resounds in the physical statures and poses of his subjects. Indeed, Degas held a lifelong fascination with ballerinas. Embodying his passion for music, they also provided a vehicle by which Degas could explore the human form and the poetic qualities of Modern Parisian urban life. As such, Degas followed Charles Baudelaire's edict to extract the beauty from the everyday, and depict the fragmented, Modern existence - in other words, to be both a man of the world and a man of the crowd. In his late oeuvre, Degas' dancers inhabit moments of rest and repose between performances, yawning, stretching and tending to their shoes. This banal shade of beauty brings with it a tinge of irony, as the viewer's experience is far from that of the Parisian theatregoers', who would instead observe the dancers' refined talents, alluring costumes and flawless physiques. Access to the backstage – a privilege that Degas keenly persuaded the ballet companies for – thus opened a vibrant world from which he could evoke fleeting glimpses of reality that were transformed by his own imagination.Paul Valéry described Degas' overall goal as trying 'to combine the snapshot with the endless labour of the studio, enshrining his impression of it in prolonged study – the instantaneous given enduring quality by the patience of intense meditation' (Valéry quoted in C. Lloyd, Edgar Degas, Drawings and Pastels, London, 2014, p. 285). Degas assumed this goal from his superiors, Gustave Courbet and Honoré Daumier, as well as his contemporaries, Édouard Manet and James Abbott McNeill Whistler. At the same time, Degas fiercely defended his individualism as an artist, taking cues from the many turning points of nineteenth and twentieth century art, yet refusing to subscribe to a movement. Unlike his avant-garde peers, he extracted the pursuit of ideal beauty from French academic and Romantic painters, employing the expressiveness of Je... For further information on this lot please visit Bonhams.com

Christopher Richard Wynne Nevinson ARA., British 1889-1946 - The Thames, 1911; oil on canvas, signed and dated left edge 'C. R. W. Nevinson. 1911', bears further inscriptions to the reverse, 40.5 x 50.7 cm Note: this rare and early example of Nevinson's work was completed during his later years at the Slade School of Art. As a student at the prestigious art school from 1909-1912, Nevinson was part of a new wave of British Art studying alongside the likes of Stanley Spencer, Paul Nash, David Bomberg, William Roberts and Adrian Allinson, whilst building close friendships with Mark Gertler and Dora Carrington. During his period at the Slade, Nevinson's style was predominantly in the Impressionist format (noticeable in the present work), with close associations to the French Impressionists and Post Impressionists. He would even go on to attend the exhibition; 'Manet and the Post Impressionists' in 1910 with Charles Lewis-Hind and Gertler, contributing to the merging of French and English traditions in his future artworks. In his 1937 autobiography, he mentions that he often sketched in the Impressionist manner by the banks of the Thames while he was a student at the St John's Wood School of Art (1908-09), and had a tendency to pick London and Paris scenes, especially those involving water for his larger works. The present work seems to depict a view along Cheyne Walk & Chelsea Embankment. To the left there are iron railings which are still there today, above is the Old Anglican Church which was bombed during WWII. In the middle distance are buildings of the industrial area of Battersea, later replaced by the Power Station. Very few paintings of this period have been located, making this oil a unique example of the artist's early style. The composition closely resembles 'The Railway Bridge, Charenton', completed in the same year, now held at Manchester Art Gallery. The handling of the paint and impasto surface on both works are similar, capturing a fleeting moment along the banks of the river. Nevinson cleverly explores the play of light on moving water in the present work, whilst capturing an everyday scene from contemporary society, void of any specific narrative. Nevinson's style evidently changed in the years after his period at the Slade. By mid-1913 he had discovered Futurism which he remained closely associated with for the next few years. A large proportion of his most well known war art were executed in this style, and remains today a moving insight to the traumas of war. We are grateful to Dr. Jonathan Black for his assistance with the cataloguing of this work. Please refer to department for condition report

Mégnin, Paul. Les chats dans les arts - l'histoire - la littérature - histoire naturelle du chat - les races de chats (&c.). Préface de François Coppée. XXIV, 264 S. Mit 5 Orig.-Radierungen von E. Manet u. a. sowie zahlreichen Textabbidungen. 22 x 14,5 cm. Farbig illustzr. OHalblederband (etwas berieben; Gelenk minimal schadhaft) mit RVergoldung. Paris, Rothschild, 1899.Erste Ausgabe mit Original-Radierungen von Edouard Manet, Crafty, A. Gautier u. a. - Etwas gebräunt; insgesamt wohlerhalten.

-- Annum Jubilaeum Ecclesiae Evangelico-Lutheranae -- Luther, Martin. - "Gottlob nun sinds gleich hundert Jahr Das Lutherus hat offenbar. Gemacht des Bapsts falsche Lahr". Denkblatt zum ersten Reformationsjubiläum. Deutsche und lateinische Handschrift in Fraktur, Kalligraphie und Mikroschrift sowie Federzeichnung in schwarzer, goldgehöhter Tinte auf Pergament. 22,3 x 25,6 cm. Wohl Wittenberg 1617. Sehr interessantes Kommemorations-Flugblatt unter dem Motto "Gottes Wordt unnd Lutheri Lehr Vergehet ob Gott will nimmer mehr." Das kalligraphische Pamphlet entstand zum ersten hundertjährigen Jubiläum der Reformation Martin Luthers (1483-1546). Mit diesem ersten Jubiläum, das auf Anregung einer Initiative der Evangelischen Union und dem Bündnis der evangelischen Reichsstände hervorging, etablierte sich eine dann über die Folgejahrhunderte lückenlose Tradition der Reformationsfeiern am Reformationstag, den 31. Oktober. In zwei längeren Frakturschrift-Texten unter der Darstellung ist in diesem Zusammenhang vor allem ein Begriff, nämlich der des "Jubiläums" historisch bedeutsam. Dort wird im linken Block die Reformation geschildert: "Martin Luther der Tewere Mann Johann Tetzels Ablas Durch Gottes gnade und gütigheit / Als Bapst Leo lebet Zur selben Zeit. / Wohl unter Hertzog Friederich / Churfürst von Sachßen Löblich / da er dann die Christlich Gemein / Wisz auff Christi Verdienst allein. / Beim Fundament die Heilig Schrifft / Stets war wieder der Schwermer Gifft. / Mit hülff Philippi und Anderer, / Frommer gelehrter Männer mehr". Darüber erscheint die mächtige Gestalt des Kurfürsten und Lutherförderers Friedrichs III. des Weisen (1463-1525) und Martin Luther, der einen aufgeschlagenen Folianten mit dem Bibelwort "Verbum domini manet in aeternum" zusammen mit Philipp Melanchthon, der zur Linken des Kruzifix sitzt, präsentiert: "Zu Wittenberg der anfang wahr, / Im Funffzehnhundert Siebzehn Jahr. / Gott zu lob für solch große gnad, / Manns Jubel Jahr begangen hat, / Nach hundert Jharn [!] durch angevn / Hertzog Johann Georgenn churf. / Daß itzigen Churfürsten Fromb / Gott wollte fermer sein Chjristenthumb / Erhalten jetzt und Immer fort, / Bey seyn ... Und uns allen nach dieser Zeitt, / Verleihn die Ewige Seeligkeitt". Hinter Melanchthon erscheint der 1617 amtierende Kurfürst Johann Georg I. (1585-1656) mit hoch erhobenem Schwert. Wittenberg war bekanntlich nach dem Schmalkaldischen Krieg in der sog. Wittenberger Kapitulation vom 19. Mai 1547 von der ernestiner an die albertinische Linie der Wettiner übergegangen, die auch die sächsische Kurwürde bekam. Somit unterstand die Stadt Anfangs des 17. Jahrhunderts dem Kurfürsten Johann Georg I. von Sachsen (1585-1656). Man liest hier: "Zu Wittenberg der anfang wahr, / Im Funffzehnhundert Siebzehn Jahr. / Gott zu lob für solch große gnad, / Manns Jubel Jahr begangen hat, / Nach hundert Jharn [!] durch angevn / Hertzog Johann Georgenn Churf. / Daß itzigen Churfürsten Fromb, / Gott wollte fermer sein Christenthumb / Erhalten jetzt und Immer fort, / Bey seym ... Wordt / Und uns allen nach dieser Zeitt, / Verleihn die Ewige Seeligkeitt". "Die Entwicklung zum Jubiläum ist besonders bedeutsam, weil dieser Begriff aus der katholischen Kirche übernommen worden ist und neu besetzt wurde. Als Jubiläum war im Jahre 1300 der vollkommene Ablaß bezeichnet worden, der von Papst Bonifatius VIII. ausgeschrieben worden war und allen denen zuteil werden sollte, die in jenem Jahr nach Rom wallfahrteten. Ein vollkommener Ablaß war ganz ungewöhnlich ... Von dort kam also, erstmals 1300, der Begriff des Jubiläums in die lateinische Sprache, womit jener vollkommene Ablaß gemeint war ... Für die erste Jahrhundertfeier der Reformation im Jahre 1617 wurde der Begriff Jubiläum übernommen, ausgerechnet als Erinnerung an den 31. Oktober 1517, als den Tag, an dem der Ablaß zu Boden getreten wurde. Dem römischen Jubiläum wurde somit ein evangelisches Jubiläum entgegengesetzt. Überdies übernahm man auch den ursprünglichen Hundert-Jahr-Takt. Dies war übrigens der erste Schritt zur Säkularisierung des Begriffs Jubiläum ... " (Hermann Ehmer, www.wkgo.de/themen/reformationsjubilen am 13.06.2021).Das Blatt wird durch eine mit der Feder gezeichnete Rollwerkkartusche eingefasst, die das Pergament-Pamphlet visuell zu einer Marmortafel macht. Über den vier Persönlichkeiten, Friedrich der Weise, Martin Luther, Philipp Melanchthon und Johann Georg von Sachsen erscheinen die Kurfürstlichen Wappen bzw. die Wappen Luthers (die "Lutherrose") und Melanchthons eherne Moses-Schlange. Unten sind in zwei, von Rollwerk begleiteten Ovalkartuschen zwei Bibelzitate angebracht: "Gedencket an diesen Tag An dem ihr aus Egibten aus dem Diensthause des Antichrists gegangen seit. Exodr. am 13" und"Sie ist gefallen, sie ist gefallen Babylon die große, Frewe dich uber sie Himmel undt ihre heiligenn Aposteln unndt Propheten Apocal: 18". Besonders hübsch sind die überaus umfangreichen Texte in kalligraphischer Mikroschrift, die die Gewandfalten der Figuren konstituieren, die Konturen wie das erhobene Schwert begleiten etc. - Das Blatt war wohl aufgezogen und gerahmt (verso Montage- und Leimspuren), recto teils stärker angestaubt, fleckig sowie mit einigen Oberflächenkratzern, Reibungen und Läsuren (jedoch nahezu ohne Textverlust). Lediglich das Gesicht des Melanchthon wurde komplett unkenntlich gemacht. So fiel das Antlitz des Praeceptor Germaniae einer Damnatio memoriae zum Opfer. Sehr seltenes Bildmotiv, für die Forschung interessantes Blatt.

Terrasse, Claude. Petit solfège illustré. Illustrations de Pierre Bonnard. 1 Bl., 30 S. 21,2 x 28,6 cm. Mit zahlreichen ganzseitigen farbigen Illustrationen von Pierre Bonnard. Halbleinen mit illustrierter OVorder- und Rückdeckelillustration (gedunkelt und stärker gebräunt, mit kleinen Knicken, geringem Berieb, und kleinen Eckläsuren, etwas fleckig) nach Entwürfen von Pierre Bonnard. Grenoble, Allier für Paris, Quantin, o. J. (1893). Monod 1690. Carteret IV, 77. Mornand-Thomé 292. Hofstätter 40. Garvey-Wick 56. Manet to Hockney 7 Anm. Nicht bei Roger-Marx und Bouvet, Rauch und Skira. - Erste Ausgabe eines der ersten von Pierre Bonnard (1867-1947) illustierten Bücher. Der französische Operettenkomponist Claude Terrasse (1867-1923) stammt aus L’Arbresle im Département Rhône, studierte am Konservatorium von Lyon und an der École Niedermeyer bei Alexandre Georges und Eugène Gigout, wo er mit Charles Bonnard, dem Bruder des jungen Zeichners und Malers Pierre Bonnard (1867-1947) bekannt wurde, und deren Schwester Andrée im Jahr 1890 heirate heiratete. Aus der fruchtbaren Liaison mit seinem Schwager sollten 1893 gleich zwei Buchpublikationen hervorgehen, die Petites scènes familières sowie der Petit solfège illustré. Die vorliegende Erstausgabe ist noch viel seltener als die im selben Jahre erschienene zweite, als "Deuxième Mille" ausgewiesene Ausgabe, da die kleinen, fragilen Hefte oft nach Durchspielen entsorgt worden waren. - Papier wie üblich etwas gebräunt und im Bug brüchig, die Blätter meist lose, jedoch kaum mit Randläsuren. Der Textdruck gelegentlich etwas flauer, die farbigen, monochrom-flächigen Steindrucke jedoch kraftvoll und bunt.

English School, early 20th centuryHomage to Manetsigned with initials 'MS' l.r., oil on canvas laid down on board27.5 x 30cmProvenance: The Estate of Sir Jack and Lady Baer.Condition ReportFramed size: 38 x 40.5cmUneven varnish layer that under uv light fluoresces green in places, there is some shrinkage and what appears to be infilling in a couple of places, although the reading under uv light is not entirely clear. Paint in stable condition, well-presented and ready to hang.

Victorian monochrome print, Raphael and the Fornarina, sold along with a monochrome coastal scene print, Spithead print after Millar, and four Art folios Renoir , Manet, Metropolitan Seminars in art

DAVID HOCKNEYC P. CAVAFY: Fourteen poems. Chosen and illustrated with twelve etchings by David Hockney. Translated by Nikos Stangos und Stephen Spender. London: Editions Alecto Limited 1966-67. 45,5 x 32 cm. Mit 12 OrRadierungen auf Tafeln von D. Hockney (Plattengröße 34,8 x 22,3 cm). 21 nn. Bll. Rote OrBaumwollseide in OrSchuber.(Schuber leicht angestaubt. Exlibris auf Titelbl. montiert. Kaum Alters- oder Gebrauchsspuren).Nr. 391 von 250 Exemplaren der Edition B (num. 251-500) auf Crisbrook Waterleaf Handpapier, sämtliche Tafeln rückseitig gestempelt und im Druckvermerk vom Künstler signiert. - Hogben "From Manet to Hockney" 137.

A CAST AND REPOUSSE GILT COPPER ALLOY FIGURE OF GREEN TARA, QIANLONG PERIODTibetan-Chinese, 1736-1795. Seated in lalitasana atop a double-lotus base with beaded edges, her raised left hand held in vitarka mudra and holding a lotus stem, her left lowered in prithvi mudra. Wearing a fine dhoti cascading in voluminous folds and neatly incised with foliate and diapered designs at the hems. Richly adorned with beaded, floral, and inlaid jewelry. The finely incised hair pulled up into a tall double-topknot falling elegantly in long segments down the sides of the shoulders and surmounted by a jewel.Provenance: From the collection of Gustave Fayet (1865-1925), thence by descent in the family. Gustave Fayet was a French painter and art collector, who owned works by Degas, Manet, Pissarro and above all Paul Gauguin. Fayet was a man with a universal curiosity, an eminent patron of the arts, and a discerning collector in all fields.Condition: Overall fine condition commensurate with age and presenting remarkably well and attractive. With old wear, traces of use and some minor casting flaws, occasional light scratches, tiny nicks, few small dents. Losses to inlays, some of the remaining inlays may be later replacements. Well-preserved ancient pigments. The separately cast lotus flowers at the shoulders are missing. The lacquer gilt sections with scattered stains. The fire gilt sections with minor areas of malachite encrustation. The base lid is bent and indented.Weight: 3,166 gDimensions: Height 37.7 cmThe serene face with heavy-lidded eyes, gently arched brows centered by an urna, and full lips forming a benevolent smile, flanked by long pendulous earlobes.The impressive statue is made from a solid cast of copper alloy, as clearly evidenced by the lack of any dings or bent areas to body and base. Only the earrings, scarf, strands of hair, and the lotus foot support are executed in copper repousse. The statue is gilt overall, partially in lacquer and partially with a superb fire-gilt, exactly as expected from a statue of the Qianlong period.The present work exhibits many characteristics common to the Buddhist workshops of the Qianlong period, such as the combination of cast and repousse parts, the languid and feminine treatment of the face and body, and the tightly waisted double-lotus base with broad petals. The Qing court patronage of Buddhism that began under the Kangxi Emperor reached epic proportions under his grandson, the Qianlong Emperor. The Buddhist centers of Beijing, Rehol, and Dolonnor produced thousands upon thousands of images to keep up with the demand of the numerous temples in and outside the capital.Auction result comparison: Type: Closely related Auction: Christie's New York, 16 September 2016, lot 1231 Price: USD 35,000 or approx. EUR 40,500 converted and adjusted for inflation at the time of writingDescription: A cast and repousse gilt-bronze figure of a bodhisattva, Qianlong period Expert remark: The bronze belongs to the same group as the present lot, combining repousse elements with a cast figure. The bronze is of near-identical size (37.1 cm) and also dated to the Qianlong period.Auction result comparison: Type: Related Auction: Christie's New York, 20 March 2019, lot 674 Price: USD 112,500 or approx. EUR 122,500 converted and adjusted for inflation at the time of writingDescription: A large cast and repousse gilt-bronze figure of Green Tara, Inner Mongolia, Dolonnor style, late 18th century Expert remark: The bronze also depicts Green Tara and belongs to the same group as the present lot, combining repousse elements with a cast figure. The bronze is of considerably larger size (58.1 cm high) and dated to the late 18th century.乾隆銅鎏金錘鍱綠度母漢藏, 1736-1795年。本尊綠度母坐像，通身以錘鍱工藝製作，半跏趺舒坐於蓮花寶座上，為典型的三折姿勢。葫蘆形髮髻高聳，雙耳垂肩，耳懸花鐺，披肩長辮優美。面容飽滿，嘴角上揚微笑，雙眉之間有白毫，端莊靜穆，給人以悲憫之感。上軀袒露，佩掛項圈及連珠長鏈，手、臂、踝均飾有釧環。左腿橫盤，右腳下應踏小蓮台，左手於胸前施三寶印，右手置膝前作予願印。其下蓮座為雙層束腰仰覆式，台座規矩，蓮瓣舒展精細。 來源：Gustave Fayet (1865-1925) 收藏，保存在同一家族至今。Gustave Fayet 曾是一位法國畫家和藝術收藏家。他的收藏中可見德加、莫奈、畢加索和高更。Fayet是一個特別有好奇心的傑出的藝術贊助人，也是一個在各個領域都獨具慧眼的收藏家。 品相：整體狀況良好，與年齡相稱。有磨損，使用痕跡和一些輕微的鑄造缺陷，局部輕微的劃痕和刻痕，少量小凹痕。鑲嵌物的遺失，一些剩餘的鑲嵌物可能在後期更換過。顏料保存完好。肩部分鑄的蓮花遺失。漆面鎏金部分有散落的污漬，少量綠色結殼。底蓋彎曲。由於字數限制，完整中文敘述請至www.zacke.at查看。

Vanessa Bell (British, 1879-1961)Street Scene in Tuscany oil on panel25.4 x 35.9 cm. (10 x 14 1/8 in.)Painted in 1912Footnotes:ProvenanceThe Artist's EstateWith Anthony d'Offay, London, 1983, where acquired byMrs M. Cohen, thence by descent to the present ownerPrivate Collection, U.K.ExhibitedLondon, Anthony d'Offay, Vanessa Bell. Paintings and Drawings., 20 November-12 December 1973, cat.no.6Vanessa Bell visited Italy in the spring of 1912 with Clive Bell and Roger Fry, and painted several small oil on panel townscapes in Pisa and elsewhere. Street Scene in Tuscany is a rare, early example painted with impressionistic fluidity and colour hues typical of the period. Bell had seen the ground-breaking exhibtion, Manet and the Post-Impressionists organised by Roger Fry at The Grafton Galleries in 1910 with works by Gauguin, Cézanne, Matisse and Van Gogh. In 1912 her work was included in the Second Post-Impressionist Exhibition where, alongside Duncan Grant, she found herself in the company of Pablo Picasso and Henri Matisse. We are grateful to Richard Shone for his assistance in cataloguing this lot.This lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

GOBILLARD PAULE (1869-1946), sign. l.r. '87, 'Julie Manet', watercolour 51 x 28 cm.GOBILLARD PAULE (1869-1946), ges. r.o. '87, 'Julie Manet', aquarel 51 x 28 cm.

LOUIS HENRY DUPRAY (Sedan, 1841-Paris, 1909)."Cavalry Regiment".Oil on canvas (original canvas).Signed in the lower right corner.Size: 79 x 120 cm; 96 x 135 cm (frame).French painter, engraver and draughtsman. He specialised in military subjects and historical painting. Initially destined for a military career, Henri-Louis Dupray was forced, after an accident on horseback, to abandon this route. His interest in art developed, particularly through technical drawing, and he quickly became a pupil of the painters Léon Cogniet and Isidore Pils in Paris. From 1863 he exhibited regularly at the Salon, and from 1865 he became a member of the Society of Aquaphorists. The painter Édouard Manet was one of his circle of friends. Scenes from the French Revolution and the Napoleonic Wars predominated in Dupray's work until 1870, when more and more drawings, paintings and illustrations related to the Franco-German War of 1870 were added. He was made a Knight of the Legion of Honour in 1878. His drawings appeared several times in the French magazine Le Courrier and he was repeatedly entrusted with the role of book illustrator for various authors such as Alfred de Vigny, Henri Dupont-Delporte and Victor Hugo. Works in public collections: Bayeux, Musée Baron Gérard; Grenoble, Musée de Grenoble; Paris, Musée de l'Armée; Musée de Carnavalet; London, Musée National de l'Armée.

A German white metal necklace with a matching bracelet, by Kim-Eva Wempe; comprising a free-form pebble pendant laser engraved with the phrase 'Tempus fugit - amor manet' which translates as 'time flies - love endures', attached to a marquise link chain completed with lobster clasp, signed WEMPE and marked '925', both cased in original packaging; necklace length measuring 44.0 cm, bracelet 20.0 cm long; total weight of items 80.1 grams (2).

Wunderlich, Paul (1927 Eberswalde- St.-Pierre-de-Vassols 2010) "Olympia (nach Manet)". Farblithographie, re. u. mit Bleistift sign. und li. u. Ex. 46/100 sowie Trockenstempel manus presse und MATTHIEU LITHO. Aus dem Jahr 1977. 59x 83 cm. R.

Gustave Caillebotte, 1848 Paris – 1894 GennevilliersLe Jardin, um 1878Öl auf Leinwand.33 x 46 cm.In dekorativem vergoldetem Rahmen.Beigegeben Zertifikat des Wildenstein Institute, Paris 1997.Der erste Eindruck von dem Gemälde ist der einer Fülle von Farben. Lange bevor man Blumen zu erkennen glaubt, erfasst das Auge zunächst eine Fülle von Farbklecksen, die eher an eine Palette als an ein Gemälde auf Leinwand erinnern. Vor allem der Vordergrund ist mit einem weichen Pinselstrich versehen, von einem Grün, das nicht versucht, sich von den Pinselstrichen zu lösen, mit denen es ausgebreitet wurde. Die Unschärfe der Behandlung lädt unser Auge dazu ein, darüber hinaus in die Tiefe des Bildes zu fokussieren. Dort tauchen Topfpflanzen auf und noch weiter hinten ein hoher Tisch mit drei Beinen. Wir befinden uns in einem Garten, der von einem Weg mit Blumenkästen durchzogen ist. Das Blumenbeet im Vordergrund erhält so seine volle Bedeutung und seinen Platz. Gustave Caillebotte hat mit seinem schnell gemalten Gemälde einen impressionistischen Eindruck hinterlassen; Farben und verstreut hier und da seine roten Pinselstriche, die nach den Regeln der Perspektive immer weniger werden. Das gleißende Licht der reinen Farben im Vordergrund ist zwar auch auf die der impressionistischen Malweise zuzuschreiben ist, ist es doch der Blickwinkel, der die Originalität dieser Komposition ausmacht. Der Blickwinkel befindet sich in der Nähe der Blumen im Vordergrund und zeigt uns den Tisch in einer leichten Untersicht. Innovativ, gewagt, wie eine Fotografie gerahmt, fasst dieses Werk auf den Punkt allein die Modernität von Gustave Caillebotte. (†)Provenienz:Privatsammlung A.K., Paris.Anmerkung:Gustave Caillebotte (1848-1894) war ein französischer Maler des Impressionismus. Nach einem Jurastudium begann er im Atelier von Léon Bonnat (1833-1922) zu malen und später an der École des Beaux-Arts in Paris. Nach dem Tod seines Vaters im Jahr 1874 erbte er ein komfortables Vermögen und konnte sich der Malerei widmen. Zu dieser Zeit beginnt er kleine Bildformate des Familienanwesens in Yerres zu malen, bis es 1878 verkauft wurde. Sein erstes Bild im Jahr 1875 war das realistische Gemälde „Les Raboteurs de parquet“ und wurde auf dem Salon wegen seines prosaischen Themas, der Arbeit von Arbeitern, abgelehnt. Caillebotte wandte sich daraufhin dem Impressionismus zu und nahm an den Impressionistenausstellungen von 1876, 1877, 1879, 1880 und 1882 teil. Er unterstützte die Bewegung finanziell und beteiligte sich persönlich an bei der Organisation der Ausstellungen. Er kaufte Gemälde von Monet, Pissarro, Degas, Renoir und Manet und baute so eine außergewöhnliche Sammlung auf, die er nach seinem Tod dem Staat vermachte. Diese Gemälde befinden sich heute im Musée d‘Orsay in Paris. Im Jahr 1880 kaufte Caillebotte ein Anwesen in Petit-Gennevilliers am Ufer der Seine, wo er seine impressionistischen Freunde empfing, darunter insbesondere Monet, der sich von seinem Garten inspirieren ließ, um seinen eigenen in Giverny anzulegen. Der Kontakt mit ihm führte dazu, dass der glatte Pinselstrich und die scheinbare Zeichnung der Anfänge verschwanden, und stattdessen setzt er nun auf eine fragmentierte Zeichnung und die Darstellung von Formen und Licht durch die Gegenüberstellung von Farben, wie man sie in diesem Garten bewundern kann. Als Paul Durand-Ruel 1886 in New York eine große Impressionistenausstellung mit 300 Gemälden organisierte, waren auch zehn Bilder von Caillebotte dabei vertreten, was ihn beim amerikanischen Publikum bekannt machte. Sein früher Tod im Alter von 46 Jahren unterbrach den Werdegang eines der originellsten Talente des Impressionismus und brachte ihn um seinen Ruhm, den er erst ein Jahrhundert später erlangte. (1330935) (18)Gustave Caillebotte,1848 Paris – 1894 GennevilliersLE JARDIN (THE GARDEN), CA. 1878Oil on canvas.33 x 46 cm. Accompanied by a certificate by Wildenstein Institute, Paris, 1997. (†)Provenance:Private collection A.K., Paris.

Max Liebermann (Berlin 1847 - Berlin 1935). Netzflickerin. 1887. Öl/Karton. 59 x 79 cm. R. u. sign. M. Liebermann Katwyk. Zustand An den Rändern kleine Läsionen, unauffälige Knicke. Liebermann schuf dieses Motiv der Netzflickerin bereits 1887 als schon weitgehend bildmäßig durchgearbeitete Studie für sein großformatiges Hauptwerk von 1889, das heute eine der besonderen Attraktionen der Hamburger Kunsthalle ist. Das Bild entstand im niederländischen Fischerdorf Katwijk. Das als ursprünglich empfundene Leben seiner Bewohner zog Ende des 19. Jahrhunderts viele Künstler an, denen es ein Anliegen war, das Leben einfacher Leute zu einem bildwürdigen Thema zu machen; Liebermann ist unter ihnen wohl der bedeutendste. Der Eindruck von Weite des Kunsthallen-Bildes ist schon bei dem hier angebotenen Gemälde herausgearbeitet, ja, durch die summarische Angabe von Landschaft und Himmel eigentlich noch verstärkt. In grauem Kleid und weißer Haube sitzt eine Frau auf dem Rasen und bessert ein Fischernetz aus. Genau beobachtet und malerisch gut umgesetzt sind die schwierig darzustellenden Hände, die das auf diesem Bild nur angedeutete Netz fassen. Die ganze Haltung der Arbeiterin zeigt Erfahrung und Versenkung. Die hier ihrem Alter nach nicht weiter charakterisierte Fischerin wird Liebermann auf dem Bild in der Hamburger Kunsthalle als erkennbar Alte der stehenden jungen Frau als Hauptfigur gegenübersetzen. Matthias Eberle betont in seinem Gutachten den Kontrast zwischen der in ihre Arbeit versunkenen älteren und der jüngeren Frau, die das Netz wohl in den Händen hält, aber träumerisch in die Ferne schaut. Die hier angebotene Studie zu einem der wichtigsten Werke Liebermanns hat eine ungewöhnlich gut dokumentierte und teilweise prominente Provenienz, die auch Ausdruck der Wertschätzung ist, die das Bild von Anfang an erfuhr. Es gelangte wohl schon Mitte der 1890er Jahre in den Besitz des Augenarztes Max Linde in Lübeck, der seinerzeit einer der herausragenden Sammler avantgardistischer Kunst war; er war ein wichtiger Förderer Edvard Munchs, und in seinem Besitz befanden sich früh Werke von Rodin und Manet. Paul Cassirer in Berlin, ein europaweit führender Händler zeitgenössischer Kunst, konnte Liebermanns Gemälde 1917 erwerben und wegen seiner Bedeutung nach wenigen Tagen weiterverkaufen. Nach langen Jahren in der Sammlung eines bedeutenden Unternehmers in den USA ist das Bild nun nach Deutschland zurückgekehrt und befindet sich in Hamburg in unmittelbarer Nachbarschaft zum Hauptwerk in der Kunsthalle. - Gutachten: Manfred Eberle, Berlin 3.6.1998, bestätigt die Authentizität. - Literatur: WVZ: Eberle 1887/4. Das Gemälde ist ferner mit Abb. publiziert in: M. Friedländer: Max Liebermannn, 1924, S. 80 und 208; E. Hancke: Max Liebermann, 1923, S. 218 und 534. - Provenienz: Max Linde, Lübeck, um 1896 bis mindestens 1904; Major Augstein, Metz, 1914; verkauft 1917 an Paul Cassirer; dort erworben von Ernst Jacobi, Berlin, 20.12.1917; Sammelstelle Neuwied; Sammelstelle Schloss Kogl, Österreich, 19.3.1946; anschließend zum Munich Central Collecting Point; 29.05.1949 Übernahme durch die JCR; im Auftrag der JCR von Henry F. Odell in New York am 25.06.1950 verkauft an Elly Beckardt; erworben von Erich Hechler (Gründer der Hechler Hearing Aids Inc., New York); dessen Schwägerin hat es zwischen 1955 und 1965 nach Deutschland gebracht; danach durch Erbgang an die Einlieferin.- Neben L. Corinth und M. Slevogt ist Liebermann der bekannteste deutsche Impressionist. L. studierte an der Berliner Akademie bei C. Steffeck sowie in Weimar bei F. Pauwels. Gegen manche Widerstände verhalf er dem Impressionismus in Deutschland zum Durchbruch. 1897 wurde er Professor an der Berliner Akademie, ein Jahr später gehörte er zu den Mitbegründern der Berliner Sezession, deren langjähriger Präsident er auch war. Mus.: Hamburg (Kunsthalle mit 53 Gemälden), München, Hannover, Köln, New York u.a. Lit.: Thieme-Becker, Bénézit, Vollmer, Schiefler: M.L. - Sein graphisches Werk 1876-1923, Eberle: M.L. - Werkverzeichnis der Gemälde und Ölstudien u.a.

From Manet to Gauguin Masterpieces from Swiss Private Collections by D Kosinski, J Pissarro and M Stevens 1995 First edition Softback Book with 150 pages published by Royal Academy of Arts some ageing good condition. All lots sold on behalf of the Michael Sobell Cancer Charity. UK shipping from £4.99, 20kg box £14.99, Europe from £6.99, ROW at cost from £9.99.

The Last Flower Paintings of Manet by Robert Gordon and Andrew Forge 1986 First Edition Hardback Book with 48 pages published by Thames and Hudson Ltd some ageing good condition. All lots sold on behalf of the Michael Sobell Cancer Charity. UK shipping from £4.99, 20kg box £14.99, Europe from £6.99, ROW at cost from £9.99.

* ALEXANDER GOUDIE RP RGI (SCOTTISH 1933 - 2004),ODALISQUEoil on canvas, signedimage size 85cm x 120cm, overall size 104cm x 139vm Framed.Provenance: We are grateful to Lachlan Goudie, artist, writer, broadcaster and the leading authority on the work of his father, for authenticating "Odalisque" and confirming that "Yes, I know this canvas very well. It’s one of my father’s finest nude paintings, a tribute in many ways to his artistic heroes Manet and Velazquez. The subject is my mother, Marie Renee Goudie, who was a muse for my father throughout his career. It’s a supremely confident piece of virtuoso painting, designed to create an impression of sensuality and exoticism. A wonderful work". Note: Alexander Goudie was born in 1933 at Paisley and, as a child, showed a prodigious talent for drawing. He studied at Glasgow School of Art when William Armour was head of drawing and painting and David Donaldson was the ubiquitous influence. Goudie, as a student at Glasgow, demonstrated his extraordinary ability. He received the Somerville Shanks Prize for Composition and, later, his draughtsmanship and sense of colour was recognized with the award of the Newbery Medal. As a young artist, he grew up admiring three great masters, Sir John Lavery, George Henry and James Guthrie; all artists who had bridged the gap between Glasgow and Paris. It was these artists’ glorious virtuoso control of oil paint that appealed to Goudie, as well as their genre and realist subject matter. Alexander Goudie was elected a member of the Glasgow Art Club in 1956 and a member of the Royal Society of Portrait Painters in 1970. He painted a portrait of the Queen for the Caledonian Club, London (1992/93), and exhibited widely, showing at Harari and Johns, in London, the Fine Art Society, Glasgow, and the Musee de la Faience, in Quimper. Sir Timothy Clifford, former Director of the National Galleries of Scotland, wrote: ''At his best, Goudie could draw better than any of his rivals in Scotland. There was magic and vision in his art and, I expect, history will be kind to him.'' Collections: 79 of Goudie's paintings are held in UK public collections including at Glasgow Museums & Galleries, The Hunterian, Rozelle House Galleries, Paisley Museum & Art Galleries and The Fleming Collection (London). Numerous prestigious corporate collections in the UK and France and in private collections around the world.

NO RESERVE Manet (Édouard) Letters with Aqurelles, number 124 of 345 copies, facsimile letters tipped onto card, colour-printed, loose as issued, housed in original clam shell box (sunned), slip-case (broken), New York, 1944 § Dali (Salvador) Hidden Faces, first edition, frontispiece and jacket design by Dali, original boards, dust-jacket, lightly creased and bumped to extremities, 1944 § Brandon (Raphael & J.Arthur) An Analysis of Gothick Architecture, 2 vol., third edition, plates and illustrations, light marking and foxing, original blind-stamped cloth, gilt, joints cracked, rubbed, extremities bumped, 1849, and 12 others, art and architecture, v.s. (16)

Attributed to Susan Herbert (Bath artist 1945 - 2014), Watercolour of Three Cats titled to verso ' The Balcony (Manet), unsigned, 36cm x 23cm, framed and glazed

Henri de Toulouse-Lautrec (French, 1864-1901)'Le Marchand de Marrons', 1897, (W: 232, Adrianni: 233)lithograph, from an edition of 600 plus 25 on grey china paper, published by Edmond Frapier in 'Histoire de la lithographie de Manet a nos Jours', printed in 1925image 26 x 18cmCondition ReportNot viewed out of glazed frame. No major condition issues visible. Very light staining visible near upper edge of mount. A few tiny spots of foxing. Very light creases to left margin.

Circle of Edouard Manet, a Conductor in an orchestra pit, sepia watercolour, 7.25" x 5", (19 x 12.5cm).

Pierre Auguste Renoir (French, 1841-1919). Drypoint etching on laid paper titled "Sur la Plage, a Berneval," depicting Julie Manet, daughter of Berthe Morisot and Eugène Manet, and her cousin, Paulette Gobillard, gazing out to sea. Signed in the plate along the lower right.Literature: D. 5Sight; Height: 8 1/4 in x width: 6 1/2 in. Framed; Height: 20 1/2 in x width: 16 3/4 in.

Monogrammist ABIn einer Hamburger Bar. Öl auf Hartfaser, 1955. Monogrammiert unten rechts, daneben datiert. Ungerahmt. 70 x 95 cm. Modern aufgefasstes Barinterieur mit Tresendame und Gast, das berühmte impressionistische Gemälde "Bar in den Folies-Bergère" von Edouard Manet (1882) zitierend. Der Gast trägt deutliche Züge des kommunistischen Politikers Ernst Thälmann (1886-1944), dessen Wirkbereich für die KPD vorrangig Hamburg war. Der auf der Zapfanlage aufgestellte rote Wimpel könnte ein Verweis auf eine Moskaureise Thälmanns im Jahr 1921 sein, während derer er W.I. Lenin begegnete. Berieben und an den Kanten leicht bestoßen. Monogrammed AB. Scene in a bar in Hamburg. oil on fibre board, 1955. Monogrammed and dated bottom right. Modern bar interior with bar Lady and guest. Referring to Manet's famous Bar in the Folies-Bergère from 1882. The guest can be identified as the communist politician Ernst Thalmann. Rubbed and with smaller bruises at the margins.

Miro, Joan Femmes Texte de Claude Simon. [Paris]: Maeght, 1965. First edition, trade issue, large folio, [9]-20 pp. text, woodcut frontispiece in colours, similar vignettes to title-page and colophon leaf, 23 offset lithographic plates in colours, all loose as issued in yellow wrappers, housed in original yellow card portfolio, ties extant, very slightly distressed at extremities; Chagall, Marc. Chagall Lithographe. [Volume 1 of 6]. Monte Carlo: André Sauret, [1960]. First edition in German, 4to, original cloth, lithographic dust jacket, 11 lithographic plates, illustrations throughout the text; Beaulieu, Paul. O visages ... poème satirique de Jean-Louis Vallas. Paris: aux dépens d'un amateur, 1952. First edition, one of 67 copies on Vergé pur chiffon, from the total edition of 85, 4to, 33 etched plates, text, in bifolia, loose as issued in original wrappers and card folder; Jansem, Jean. Oeuvres graphiques. New York: Touchstone Publisher Ltd., 1970. First edition, one of 3,000 copies, 4to, original cloth, lithographic dust jacket, 8 lithographic plates; Manet, Edouard. The Raven. Poem by Edgar Allan Poe. New York: Pilgrim Press, 1978. 'Limited edition' (limitation not stated), large folio, 16 pp. text, 4 lithographic plates, all loose as issued in portfolio and slipcase (slipcase partially split at foot) (5)

MANET EDOUARD: (1832-1883) French Painter. A fine A.L.S., `E. Manet´, one page, 8vo, n.p., Wednesday, n.d. [1881], to a friend, [Mr. Manginot?], in French. Manet forwards two seats for a playwright, stating `Mon cher ami, voila deux places pour Nana pour demain. J´ai déchiré le billet en ouvrant l´enveloppe, je te prie de m´excuser de te l´envoyer en pareil état´ (“My dear friend, here are two seats for Nana for tomorrow. I tore the ticket when I opened the envelope, please forgive me for sending it to you in such condition”) With blank integral leaf. Overall age toning and creasing, otherwise G Manet completed in 1877 a painting he entitled “Nana”. The painting was refused by the Salon of Paris. It was painted three years before Zola´s roman with same name was published. The title could have been given later by Manet.The playwright “Nana” that Manet refers to in the present letter was William Busnach´s version of Zola´s work.

`…one hundred francs for the Manet subscription´MONET CLAUDE: (1840-1926) French Impressionist Painter. A good A.L.S., `Claude Monet´, one page, 8vo, Giverny par Vernon, 26th November 1889, to an unidentified correspondent, in French. Monet to a painting by Manet, whose widow he is trying to help, stating `Je reçois votre lettre et m´empresse de vous remercier de votre envoi de cent francs pour la souscription Manet´ (“I receive your letter and hasten to thank you for sending one hundred francs for the Manet subscription”) Paper with J. Allen & Sons watermark. Very small scratch to the upper edge and age wear. Bearing two very small areas of paper loss to the blank integral leaf. G When Edouard Manet (1832-1883) passed away, all his paintings were exhibited for sale at the Hotel Drouot, including Olympia (1863) which did not find a buyer. Manet´s widow re-offered the painting six years later because of her difficult financial situation. Monet organized a popular subscription in 1890 to collect funds in order to purchase the painting and donate it to the French state. His initiative found a strong success and support. The French authorities accepted the donation and the painting was first exhibited at the Musée du Luxembourg and later entered the Louvre after a petition of Monet to Clémenceau.

* Jean-Marie Toulgouat (French, 1927-2006)Pays de Provencesigned and dated 'Toulgouat 84' l.r., acrylic on cardimage 45 x 46cm, unframedJean-Marie Toulgouat was related to Monet through marriage - his grandfather was married to Suzanne Hoschedé, the daughter of Monet's second wife. Born just nine months after Monet's death, Toulgouat grew up in Giverny close to Monet's home, and surrounded by the countryside and gardens that had inspired Monet's greatest paintings. He was also able to visit and learn from the wonderful collection at Monet's house including works by Pissarro, Renoir, Manet and Cézanne. This developed his impressionistic palette, which is demonstrated here in this beautiful rendering of Provence.Condition ReportOverall size of sheet: 65 x 50cm.Painted area has a bit of minor surface dirt but is generally in good condition, white margins of card have creases at the corners, but these could be hidden by framing and mounting the work.

BATAILLONSRING der Luftwaffe/Bundeswehr? Ringschultern bez.: J JOSL W" bzw. TEMPUS FUGIT PERITIA MANET", innenseitig bez.: "060786-W-61929" sowie "925"(er Sterling) Silber, Ringinnendurchmesser ca. 18 - 19 mm. Guter, getragener Erhalt.

20TH CENTURY PAINTINGS ETC, comprising Garman Morris watercolour 'Off Yarmouth' fishing boats on the water, initialled bottom right, approximate size 13cm x 38cm, two Harris Brett Egyptian watercolours, signed and dated 1906, approximate sizes 22cm x 59cm, W.S. Ball squared rigged sailing ship, oil on board, approximate size 61cm x 45cm, Ken Brown watercolour of the Household Cavalry and pastel of Monnow bridge, a continental street scene signed Autiero, oil on canvas and a Manet Print 'Le Bar Aux Folies Bergere' (8)

Manet, Édouard (Paris 1832-1883) Berthe Morisot (1872) Radierung auf MBM-Bütten. 11,8×8 auf 27,3×22,5 cm. (Gebräunt, Lichtränder). WVZ Guérin 59. Erworben 1966 in der Galerie Nierendorf, Berlin. R. (59805)

Madeleine Lemaire, 1845 Les Arcs-Sainte-Roseline – 1928 ParisFEMME À L‘OMBRELLE(NACH LES PRINTEMPS - JEANNE DE MARSY VON ÉDOUARD MANET) Aquarell, Kohlestift und Gouache auf Papier. 93 x 64 cm. Links unten signiert „Madeleine Lemaire“. Im Passepartout, hinter Glas in vergoldetem Rahmen.Halbportrait der jungen Jeanne de Marsy im Profil, in einem eleganten hellen Kleid mit Dekor. Sie hält einen Sonnenschirm über ihrer linken Schulter mit einem bläulich, teils weiß gehöhtem langem Handschuh vor Pflanzenhintergrund. Lediglich ihre roten Lippen und der Handschuh werden farblich wiedergegeben. Feine einfühlsame Darstellung nach einem Gemälde des französischen Malers Édouard Manet (1832-1883). Nicht geöffnet.Anmerkung: Das von Édouard Manet in Öl auf Leinwand 1881 gemalte Werk, das den Titel „Les Printemps“ (Der Frühling) trägt, gehört heute zur Sammlung des J. Paul Getty Museums in Los Angeles. (1320664) (18))

Henri-Théodore Fantin-Latour, 1836 Grenoble – 1904 BuréHOMMAGE AN ROBERT SCHUMANN Öl auf Papier, auf Leinwand aufgezogen. 24 x 29 cm. Links unten signiert. Verso auf Leinwand Aufkleber mit Bezeichnung „Huldigung an Berlioz“. In vergoldetem Prunkrahmen.Skizzenhafte Darstellung mehrerer stehender und einer auf der rechten unteren Seite sitzender Frau, jeweils in langen Gewändern vor unbestimmten Hintergrund, rechtsseitig auf einem Sockel eine Büste erkennbar.Henri-Théodore Fantin-Latour war ein französischer Maler, der von seinem Vater, einem Portraitisten, ausgebildet wurde. Er setzte seine Ausbildung an der École des Beaux-Arts in Paris fort, besuchte regelmäßig den Louvre, wo er große Meister kopierte. Hier entwickelte er eine Begeisterung für die venezianische Malerei, vor allem für die von Tiziano Vecellio (1485/89-1576) und Paolo Veronese (1528-1588). Er schloss Freundschaft mit Édouard Manet (1832-1883), Berthe Morisot (1841-1895) und später mit James Abbot McNeill Whistler (1834-1903), der ihn mit nach England nahm und einer Klientel vorstellte, die sich für seine Stillleben, im speziellen die Blumenstillleben, begeisterte. Außerdem mit dem realistischen Maler Gustave Courbet (1819-187) und den Impressionisten befreundet, behielt er nichtsdestotrotz seinen eigenen Stil und orientierte seine Malerei hin zu Gruppenportraits, wovon die berühmtesten Exemplare im Musée d‘Orsay aufbewahrt sind. Später zog er sich in die Normandie nach Buré zurück und widmete sich dort fast ausschließlich seinen Blumensträußen, die er in seinem Garten pflückte.     Provenienz:F. & J.Tempelaere, Paris.Anmerkung: Wohl Skizze für ein ähnliches Gemälde, das am 05.02.2008 in London bei Christie´s unter Lot 274 mit Titel „A Robert Schumann“ angeboten wurde. Literatur:Victoria Fantin-Latour, Catalogue de l‘oeuvre complet de Fantin-Latour, Paris 1911/ 1969, Nr. 704. (1321452) (18))

Antonio Mancini, 1852 Albano Laziale – 1930 RomPORTRAIT EINES ITALIENISCHEN JUNGEN Öl auf Leinwand. 67 x 50 cm. Rechts unten signiert „A. Mancini“. In dekorativem teilvergoldetem Rahmen.Vor einem Hintergrund in diversen rötlichen Farbtönen das Halbbildnis eines Jungen mit schwarzem breitem Hut, der neben weißen Federn mit goldenen Anhängern verziert ist. Er trägt eine dunkle Jacke mit weißem Spitzentuch um den Hals und Spitze am Armende der Jacke. In seiner linken Hand hält er eine Art Bambusstock. Er hat ein gebräuntes Gesicht, einen leicht geöffneten Mund und mit seinen glänzenden dunklen Augen schaut er seitlich aus dem Bild heraus. Das Bildnis vorgeführt in virtuoser, stark pastoser, dem Impressionismus naher Pinselführung, eine flirrende Atmosphäre vermittelnd. Der Maler zählt zu den bedeutendsten Künstlern der italienischen Moderne. Nach lobendem Urteil über seine Jugendzeichnungen durch Domenico Morelli (1823-1901) wurde er bereits mit zwölf Jahren an der Kunstakademie in Napoli aufgenommen. Bereits 18-jährig stellte er unter großem Beifall im Salon du Paris aus. Mancini war Mitglied der Verismo-Bewegung. Er begab sich 1877 nach Frankreich, wo er Édouard Manet (1832-1883) und Edgar Degas (1834-1917) kennenlernte, später war er eng befreundet mit John Singer Sargent (1856-1925) in London. (1320843) (18)Antonio Mancini,1852 Albano Laziale – 1930 RomePORTRAIT OF AN ITALIAN BOYOil on canvas.67 x 50 cm.Signed “A. Mancini” lower right.

Utagawa Hiroshige 歌川広重 (JAPAN, 1797-1858) ‘Cherry-blossom Viewing at Goten-yama’ (Goten-yama hanami no zu) 1843–47 (Tenpo 14–Koka 4) Oban yoko-e woodblock print From the series Famous Places in the Eastern Capital (Tôto meisho 東都名所) Dimensions (the leaf): 36,5 x 24,7 cm Catalogue raisonné: Sakai, Hiroshige Edo fûkei (1996), list #72.6, pls. 687-688; Ukiyo-e shûka 14 (1981), Hiroshige list, p. 244, horizontal ôban #72.06; Matsuki 1939, #105. Provenance: A large collection of 100+ Japanese woodblock prints, properties from a French collector. Notes: Utagawa Hiroshige, was a Japanese ukiyo-e artist, considered the last great master of that tradition. He is best known for his horizontal-format landscape series ‘The Fifty-three Stations of the Tōkaidō’ and for his vertical-format landscape series ‘One Hundred Famous Views of Edo’. The subjects of his work were atypical of the ukiyo-e genre, whose typical focus was on beautiful women, popular actors, and other scenes of the urban pleasure districts of Japan's Edo period (1603–1868). For scholars and collectors, Hiroshige's death marked the beginning of a rapid decline in the ukiyo-e genre, especially in the face of the westernization that followed the Meiji Restoration of 1868. Hiroshige's work came to have a marked influence on western European painting (see, inter alia, Manet and Monet) towards the close of the 19th century as a part of the trend in Japonism. 2. Compare with a related print preserved in the collection of the Museum of Fine Arts (MFA) of Boston, USA, under accession number 21.9852. Click HERE to see the related print. NOTE: CONDITION REPORTS AND MEASUREMENTS It is up to the bidder to satisfy themselves prior to buying as to the condition of a lot. In relation to Condition Reports, whilst we make certain observations on the lot, which are intended to be as helpful as possible, references in the condition report to damage or restoration are for guidance. The absence of such a reference does not imply that an item is free from defects or restoration, nor does a reference to particular defects imply the absence of any others. The condition report is an expression of opinion only and must not be treated as a statement of fact. Measurements and weight are approximate and the potential bidder may re-ask it to be checked when asking for a condition report.

Utagawa Hiroshige 歌川広重 (JAPAN, 1797-1858) Kyoto: The Imperial Palace (Kyô, Dairi 京内裏) 1840-42 Chuban yoko-e woodblock print From the series of ‘53 stations of Tokaidō’ (Tôkaidô gojûsan tsugi 東海道五十三次) Printer: Minakuchi Dimensions (the leaf): 21,4 x 15,5 cm Catalogue raisonné: Ukiyo-e shûka 14 (1981), Hiroshige list, p. 236, horizontal chûban #24.56. Provenance: A large collection of 100+ Japanese woodblock prints, properties from a French collector. Notes: Utagawa Hiroshige, was a Japanese ukiyo-e artist, considered the last great master of that tradition. He is best known for his horizontal-format landscape series ‘The Fifty-three Stations of the Tōkaidō’ and for his vertical-format landscape series ‘One Hundred Famous Views of Edo’. The subjects of his work were atypical of the ukiyo-e genre, whose typical focus was on beautiful women, popular actors, and other scenes of the urban pleasure districts of Japan's Edo period (1603–1868). For scholars and collectors, Hiroshige's death marked the beginning of a rapid decline in the ukiyo-e genre, especially in the face of the westernization that followed the Meiji Restoration of 1868. Hiroshige's work came to have a marked influence on western European painting (see, inter alia, Manet and Monet) towards the close of the 19th century as a part of the trend in Japonism. 2. Compare with a related print preserved in the collection of the Museum of Fine Arts (MFA) of Boston, USA, under accession number 11.39923. Click HERE to see the related print. NOTE: CONDITION REPORTS AND MEASUREMENTS It is up to the bidder to satisfy themselves prior to buying as to the condition of a lot. In relation to Condition Reports, whilst we make certain observations on the lot, which are intended to be as helpful as possible, references in the condition report to damage or restoration are for guidance. The absence of such a reference does not imply that an item is free from defects or restoration, nor does a reference to particular defects imply the absence of any others. The condition report is an expression of opinion only and must not be treated as a statement of fact. Measurements and weight are approximate and the potential bidder may re-ask it to be checked when asking for a condition report.

Utagawa Hiroshige 歌川広重 (JAPAN, 1797-1858) Acts #-2, #3, #4, #5, #6 and #8 1847–52 (Koka 4–Kaei 5) A suite of six (6) oban yoko-e woodblock prints From the series of ‘The Storehouse of Loyal Retainers’ (Chûshingura 忠臣蔵) Dimensions (each leaf, average): 34,5 x 22,7 cm Catalogue raisonné: Ukiyo-e shûka 14 (1981), Hiroshige list, p. 245, horizontal ôban #52.02, #52.03, #52.04, #52.05, #52.06 and #52.08 Provenance: A large collection of 100+ Japanese woodblock prints, properties from a French collector. Notes: 1. Utagawa Hiroshige, was a Japanese ukiyo-e artist, considered the last great master of that tradition. He is best known for his horizontal-format landscape series ‘The Fifty-three Stations of the Tōkaidō’ and for his vertical-format landscape series ‘One Hundred Famous Views of Edo’. The subjects of his work were atypical of the ukiyo-e genre, whose typical focus was on beautiful women, popular actors, and other scenes of the urban pleasure districts of Japan's Edo period (1603–1868). For scholars and collectors, Hiroshige's death marked the beginning of a rapid decline in the ukiyo-e genre, especially in the face of the westernization that followed the Meiji Restoration of 1868. Hiroshige's work came to have a marked influence on western European painting (see, inter alia, Manet and Monet) towards the close of the 19th century as a part of the trend in Japonism. 2. Compare with two related prints, #4 and #5, preserved in the collection of the Museum of Fine Arts (MFA) of Boston, USA, under accession numbers 06.897 and 21.9390. Click HERE and HERE to see the related prints. NOTE: CONDITION REPORTS AND MEASUREMENTS It is up to the bidder to satisfy themselves prior to buying as to the condition of a lot. In relation to Condition Reports, whilst we make certain observations on the lot, which are intended to be as helpful as possible, references in the condition report to damage or restoration are for guidance. The absence of such a reference does not imply that an item is free from defects or restoration, nor does a reference to particular defects imply the absence of any others. The condition report is an expression of opinion only and must not be treated as a statement of fact. Measurements and weight are approximate and the potential bidder may re-ask it to be checked when asking for a condition report.

AFTER Utagawa Hiroshige 歌川広重 (JAPAN, 1797-1858) ‘Awa Province: Naruto Whirlpools’ (Awa, Naruto no fûha 阿波鳴門の風波) First published in 1855, Second half of 20th century Ōban tate-e woodblock print From the series ‘Famous Places in the Sixty-odd Provinces [of Japan]’ ([Dai Nihon] Rokujûyoshû meisho zue 六十余州名所図絵) Dimensions (the leaf): 39,3 x 27 cm Catalogue raisonné: Jansen, Hiroshige's Journey (2004), #55; Ukiyo-e shûka 14 (1981), Hiroshige list, p. 249, ôban #64.03. Provenance: A large collection of 100+ Japanese woodblock prints, properties from a French collector. Notes: Utagawa Hiroshige, was a Japanese ukiyo-e artist, considered the last great master of that tradition. He is best known for his horizontal-format landscape series ‘The Fifty-three Stations of the Tōkaidō’ and for his vertical-format landscape series ‘One Hundred Famous Views of Edo’. The subjects of his work were atypical of the ukiyo-e genre, whose typical focus was on beautiful women, popular actors, and other scenes of the urban pleasure districts of Japan's Edo period (1603–1868). For scholars and collectors, Hiroshige's death marked the beginning of a rapid decline in the ukiyo-e genre, especially in the face of the westernization that followed the Meiji Restoration of 1868. Hiroshige's work came to have a marked influence on western European painting (see, inter alia, Manet and Monet) towards the close of the 19th century as a part of the trend in Japonism. 2. Compare with a related print, dating to 1855, preserved in the collection of the Museum of Fine Arts (MFA) of Boston, USA, under accession number 11.26257. Click HERE to see the related prints. NOTE: CONDITION REPORTS AND MEASUREMENTS It is up to the bidder to satisfy themselves prior to buying as to the condition of a lot. In relation to Condition Reports, whilst we make certain observations on the lot, which are intended to be as helpful as possible, references in the condition report to damage or restoration are for guidance. The absence of such a reference does not imply that an item is free from defects or restoration, nor does a reference to particular defects imply the absence of any others. The condition report is an expression of opinion only and must not be treated as a statement of fact. Measurements and weight are approximate and the potential bidder may re-ask it to be checked when asking for a condition report.

AFTER Utagawa Hiroshige 歌川広重 (JAPAN, 1797-1858) ‘Kai Province: Monkey Bridge’ (Kai, Saruhashi 甲斐さるはし) First published in 1853, Second half of 20th century Ōban tate-e woodblock print From the series ‘Famous Places in the Sixty-odd Provinces [of Japan]’ ([Dai Nihon] Rokujûyoshû meisho zue 六十余州名所図絵) Dimensions (the leaf): 39,6 x 25,8 cm Catalogue raisonné: Jansen, Hiroshige's Journey (2004), #13; Ukiyo-e shûka 14 (1981), Hiroshige list, p. 249, ôban #64.23. Provenance: A large collection of 100+ Japanese woodblock prints, properties from a French collector. Notes: Utagawa Hiroshige, was a Japanese ukiyo-e artist, considered the last great master of that tradition. He is best known for his horizontal-format landscape series ‘The Fifty-three Stations of the Tōkaidō’ and for his vertical-format landscape series ‘One Hundred Famous Views of Edo’. The subjects of his work were atypical of the ukiyo-e genre, whose typical focus was on beautiful women, popular actors, and other scenes of the urban pleasure districts of Japan's Edo period (1603–1868). For scholars and collectors, Hiroshige's death marked the beginning of a rapid decline in the ukiyo-e genre, especially in the face of the westernization that followed the Meiji Restoration of 1868. Hiroshige's work came to have a marked influence on western European painting (see, inter alia, Manet and Monet) towards the close of the 19th century as a part of the trend in Japonism. 2. Compare with a related print, dating to 1853, preserved in the collection of the Museum of Fine Arts (MFA) of Boston, USA, under accession number 11.26224. Click HERE to see the related print. NOTE: CONDITION REPORTS AND MEASUREMENTS It is up to the bidder to satisfy themselves prior to buying as to the condition of a lot. In relation to Condition Reports, whilst we make certain observations on the lot, which are intended to be as helpful as possible, references in the condition report to damage or restoration are for guidance. The absence of such a reference does not imply that an item is free from defects or restoration, nor does a reference to particular defects imply the absence of any others. The condition report is an expression of opinion only and must not be treated as a statement of fact. Measurements and weight are approximate and the potential bidder may re-ask it to be checked when asking for a condition report.

Artist: Edouard Manet (French, 1832 - 1883). Title: "Chat et les Fleurs". Medium: Etching with aquatint. Date: Composed 1869. Printed later. Dimensions: Overall size: 13 x 8 1/8 in. (330 x 206 mm). Image size: 8 x 6 in. (203 x 152 mm).Lot Note(s): Signed in the plate, lower left. Cream wove paper. Very wide margins. Fine impression. Excellent condition. Literature/catalogue raisonne: Guerin 53; Harris 65. Comment(s): This print has sold as high as $863 at auction (Swann Galleries, NYC, Discovery Sale: Prints & Drawings, Sale #1993, 01/22/2004, lot #76). [2919-3-400]

Honoré Daumier1808 Marseille - 1879 Valmondois - "Ils m`ont refusé ca ... les ignares !!....." - Lithografie/Zeitungspapier. 22,7 x 27,5 cm, 25,5 x 30 cm (Zeitungsausschnitt). Im Druck monogram. l. u.: h. D. Zeitungsauschnitt auf Karton geklebt, dieser verso oben mit Papierklebestreifen an Passepartout fixiert. Lichtrand, leicht gebräunt. - "Un peintre fantaisiste" - Lithografie/Zeitungspapier. 23,6 x 21,8 cm, 29,5 x 24,5 cm (Zeitungsausschnitt). Im Druck monogram. l. u.: h. D. Verso oben mit Papierklebestreifen an Passepartout fixiert. Lichtrand, vertikale u. horizontale Knickspur, Bleistiftnotiz l. u. am Blattrand. - Le peintre qui a eu un tableau refuse (...) - Lithografie/Zeitungspapier. 21,9 x 26 cm, 27,7 x 28 cm (Zeitungsausschnitt). Im Druck monogram. l. u.: h. D. Verso oben mit Papierklebestreifen an Passepartout fixiert. Etwas nachgebräunt, horizontale Knickspur. - "Devant le Tableau de M. Manet" - Lithografie/Zeitungspapier. 23 x 19 cm, 30,5 x 28 cm (Zeitungsausschnitt). Im Druck monogram. l. u.: h. D. Verso oben mit Papierklebestreifen an Passepartout fixiert. Altersspuren, horizontale u. vertikale Knickspur. - Cette année encore des Vénus (...) - Lithografie/Zeitungspapier. 24 x 20,7 cm, 30,6 x 29,7 cm (Zeitungsausschnitt). Im Druck monogram. l. u.: h. D. Verso oben mit Papierklebestreifen an Passepartout fixiert. Altersspuren, vertikale u. horizontale Knickspur.

Édouard Manét - Edgar Allan Poe. Les poèmes. Traduction en prose de Stéphane Mallarmé. Avec portrait et illustrations par Édouard Manet. Paris, Léon Vanier 1889. Mit acht Lithographien nach Manet, davon ein Porträt und eine Umschlagvignette, sowie einer Holzstichillustration. Pergamentband mit Deckelvignette und vergoldetem Rückentitel, Originalumschlag eingebunden.Erste Ausgabe dieser bedeutenden Übertragungen und erste illustrierte Ausgabe. - Sehr schönes unbeschnittenes Exemplar auf festem Velin (Monod: »Tirage limité sur vélin«). - Bereits 1875 war das Gedicht »Le Corbeau« in der Übertragung von Mallarmé mit sechs Originallithographien erschienen. Fünf von ihnen wurden hier im Buch und eine in verkleinerter Fassung auf dem Umschlag reproduziert.24 : 16 cm. XII, 167, [3] Seiten, 8 Tafeln. - Der eingebundene Umschlag mit Alterungsspuren.Monod 9178. - Skira 222

SILBERMEDAILLE - 925er Silber (66,3 g), Silbermedaille aus dem Set der 100 größten Meisterwerke; Silbermedaille mit Ausschnitt aus dem "Frühstück im Feien" aus dem Jahr 1863 vom Künstler Edouard Manet; Durchmesser: 5,0 cm.

20TH CENTURY PAINTINGS ETC, comprising Garman Morris watercolour 'Off Yarmouth' fishing boats on the water, initaled bottom right, approximate size 13cm x 38cm, two Harris Brett Egyptian watercolours, signed and dated 1906, approximate sizes 22cm x 59cm, W.S. Ball squared rigged sailing ship, oil on board, approximate size 61cm x 45cm, Ken Brown watercolour of the Household Cavalry and pastel of Monnow bridge, a continental street scene signed Autiero, oil on canvas and a Manet Print 'Le Bar Aux Folies Bergere'

Manet Portraying Life by Royal Academy Softback Book 2013 First Edition published by The Royal Academy of Arts some ageing good condition.

Manet by Richard Shone Softback Book 1978 First Edition published by Thames and Hudson Ltd some ageing good condition.

John-Antoine Nau Exotische Poesien Poésies Antillaises. Paris, F. Mourlot 1972. • Seltenes Malerbuch von Henri Matisse • Eine der letzten graphischen Arbeiten des Künstlers 'No artist revered the female form more than Henri Matisse' (Greg Hubert) 1 von 200 numerierten Exemplaren. - Schöner breitrandiger Druck im Atelier Fequet & Baudier auf kräftigem, chamoisfarbenem Arches-Bütten mit Wasserzeichen des Künstlers; Druck der Lithographien bei Mourlot. - Die Frauenporträts aus der vorliegenden Serie entstanden bereits ab 1945, Matisse arbeitete daran bis 1953, bis kurz vor seinem Tod. Die Blätter bilden eine Hommage an den Freund und Poeten John-Antoine Nau (eigentl. Eugène Tourquet), mit dem ihn eine Liebe zu Martinique verband. EINBAND: Lose Doppelbogen in illustriertem, orangefarbenen Orig.-Umschlag und Orig.-Leinenkassette mit Rückentitel. 38 : 29 cm. - ILLUSTRATION: Mit 28 ganzseitigen Orig.-Lithographien in Braundruck sowie Buchschmuck in Blau von Henri Matisse. - PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg. LITERATUR: Monod 8614. - Duthuit/Garnaud 37. - From Manet to Hockney 129. - Arnold 2105. Rare Matisse artist book. The series is one of the artist's last graphic works, from an edition of 200 copies, printed at Atelier Mourlot. Loose double sheets in illustr. orange orig. wrappers and orig. cloth case with lettered spine. 38 : 29 cm. With 28 full-page orig. lithographs in brown print and book decor in blue by Henri Matisse. - Case with a small blemish, all in all fine, clean and well-preserved copy. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).

Aristide Maillol Les éclogues de Virgile. Texte original et traduction nouvelle par Marc Lafargue. Weimar, Cranach-Presse für H. Kessler 1926. Wohl eines der schönsten deutschen bibliophilen Bücher des 20. Jahrhunderts, verziert mit Maillols ersten Buchholzschnitten. 1 von 250 numerierten Exemplaren auf Maillol Kesslerschem Handbütten. - Das Werk erschien auch in einer englischen und deutschen Ausgabe, die Widmung Harry Graf Kesslers geht an den Drucker Emery Walker. - 'Der Vergil ist ein in jeder Hinsicht vollkommenes Buch geworden und gilt für viele Kenner als das schönste in Deutschland gedruckte Buch des 20. Jahrhunderts überhaupt' (Eyssen S. 94). EINBAND: Lose Lagen in Orig.-Umschlag mit Deckeltitel und Vignette, in moderner Halbleinen-Decke unter Verwendung der alten Deckel und Rückenschilder, in Leinen-Schuber. 33 : 25,5 cm. - ILLUSTRATION: Mit 43 Orig.-Holzschnitten von Aristide Maillol und Initialen von Eric Gill. - PROVENIENZ: Privatsammlung Nordrhein-Westfalen. LITERATUR: Guérin 16-59. - Müller-Krumbach 41. - Monod 11336. - From Manet to Hockney 30. - Garvey/Wick 14. - Artist and the Book 172. - Slg. Classen 49. Beiliegend 2 Bll. Verlagsanzeige zu dem Werk mit lose inliegendem monogrammiertem Orig.-Holzschnitt in Rot auf Chinapapier (mit 2 Montierungsresten verso). 1 of 250 numb. copies on laid paper. With 43 orig. woodcuts by A. Maillol and initials by E. Gill. Loose sheets in orig. wrappers and modern half cloth chemise, using orig. labels, in cloth slipcase. - Here and there foxed (few leaves stronger in the margins), some leaves browned. Altogether good wide margined copy. - Additionally 2 leaves publisher's advertisement for the work with loose monogrammed orig. woodcut in red on Chinese paper (with 2 remains of mounting on verso). Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

David Hockney und C. P. Cavafy Fourteen poems. London, Alecto 1966. Ausgabe A von Hockneys vollständigem Radierzyklus mit der zusätzlich lose beiliegenden, signierten Orig.-Radierung. 1 von 250 numerierten Exemplaren der Ausgabe A, im Druckvermerk vom Künstler signiert und mit der zusätzlichen, signierten Orig.-Radierung Portrait of Cavafy II . - Bereits während seines Studiums entdeckte Hockney den griechischen Poeten Konstantinos Kavafis (1863-1933), Cavafy genannt. Ihn beeindruckte die klare und unprätentiöse Art, in der Cavafy über Homosexualität schreibt. Wegen seiner Begeisterung für den griechischen Dichter und wegen seines Verlangens literarische Radierungen zu erstellen, begann Hochney mit dem Radierzyklus. Da es keine rechtlich anerkannte Übersetzung der Gedichte gab, zögerte sich das Projekt bis 1966 hinaus, bis Hockney seinen Freund, den englischen Dichter Stephen Spender und dessen Kollegen mit der Neuübersetzung beauftragte. Generell sind die Arbeiten des Zyklus nicht als genaue Illustrationen der Gedichte angelegt, sondern als visuelle Interpretationen der Poesie Cafays. - Die Radierungen auf Velin von Barcham Green (ohne Wasserzeichen). Entgegen den Angaben im Druckvermerk sind diese - mit Ausnahme der lose beiliegenden Radierung - rückseitig nicht gestempelt. EINBAND: Violettfarbener Orig.-Leinenband in schwarzem Orig.-Leinenschuber. 47,5 : 33,5 cm. - ILLUSTRATION: Mit 13 Orig.-Radierungen von D. Hockney, davon eine lose beiliegend und signiert. LITERATUR: From Manet to Hockney 137. - Arnold 457. - Das Buch des Künstlers 15. - Scottish Arts Council 47-59. 1 of 250 numb. copies of edition A on Barcham Green Vélin. With 13 (1 signed) orig. etchings by D. Hockney. Orig. cloth in orig. cloth slipcase. - Clean copy, only the slipcase minim. rubbed. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

EDOUARD MANET (French, 1832-1883)  Jeanna Le Printemps Springtime  Etching, 15cm x 10cm.  Label verso 'William Weston Gallery London'.

Großer niederländischer Mörser von Everardus SplinterGoldbrauner dickwandiger Bronzeguss mit polierter schimmernder Patina. Um die Wandungsmitte zwei breite übereinanderliegende Dekorbänder, getrennt durch eine Profilleiste, mit filigranem Arabeskendekor und einem Fries gotischer Kreuzblumen über einem umlaufenden Perlband. Unterhalb des Rands das breite Spruchband in lateinischen Versalien: "VERBVM DOMINI MANET IN AETERNVM AO 1632". Dekor und die Handhaben in Stellen berieben, innen etwas Grünspan. H 18,6, D 20,1 cm, Gewicht ca. 10,7 kg.Enkhuizen, Everardus Splinter, zugeschrieben, 1632.LiteraturVgl. ein gleicher Mörser abgebildet bei Koning, Nederlandse vijzels, Weert 1989, D. 63, Abb. 71.

PAUL MEISSNER* (Wien 1907 - 1983 Wien) Auf der Terrasse, um 1948 Öl/Leinwand, 80,5 x 60,3 cm monogrammiert PMProvenienz: Privatbesitz WienSCHÄTZPREIS: °€ 3.000 - 4.000 Österreichischer Maler des 20. Jahrhunderts. Studierte an der Akademie der bildenden Künste bei Ferdinand Andri, 1934 und 1935 Studium in Italien bei Giorgio de Chirico und Upaldo Oppi. Mitglied und langjähriger Präsident der Wiener Secession. Mitglied der Darmstädter Secession und der Grazer Secession. 1948 entstand im Auftrag von Kulturstadtrat Viktor Matejka sein berühmtestes Gemälde das Wunderteam, mit der Darstellung der österreichischen Fußballnationalmannschaft. Anfangs neoklassizistischer Stil, Entwicklung zwischen Kubismus, Symbolismus und Realismus. Themen wie Sinnfragen des Lebens, Golgotha-Bilder und Hiroshima-Zyklus, Aktdarstellungen. Ab 1960er Jahre Auflösung der Formen und Hinwendung zur abstrakten Malerei. Rätselhaft und faszinierend zugleich präsentiert sich Paul Meissners Gemälde „Auf der Terrasse“. Meissner jongliert hier nicht nur mit verschiedenen tradierten ikonografischen Motiven, sondern verarbeitet auch die unterschiedlichsten stilistischen Einflüsse. Auf den ersten Blick erinnert uns dieses Nebeneinander von weiblicher Aktdarstellung und bürgerlichem Auftritt eines pfeiferauchenden Mannes mit Glatze an gemalte Balkonszenen im Œuvre des französischen Impressionisten Edouard Manet. Dieser Eindruck wird noch durch den eingeblendeten Fassadenausschnitt mit den großen Balkonfenstern unterstrichen. Das Nebeneinander des sich nackt präsentierenden Modells und des reiferen Mannes ist uns zwar aus dem klassischen Beziehungsfeld zwischen Maler und Modell bekannt, doch fehlt hier jeder Hinweis auf eine bildkünstlerische Tätigkeit seitens des Mannes. Vor ihm liegt lediglich ein offenes Buch. Meissners Malduktus lässt eine stilistische Unschlüssigkeit erkennen: Während er sich in der Modellierung der schlanken nackten Frauengestalt der neusachlichen Beobachtungsschärfe nähert, könnte der als Motivachse zwischen ihr und dem am Rundtisch sitzenden Mann hineingemalte Hund, der die Aufmerksamkeit auf den Akt lenkt, auch von Max Beckmann oder Lovis Corinth stammen. Dieser stilistischen Flexibilität bleibt Meissner auch im Spätwerk treu, in dem er sich an den Möglichkeiten der Abstraktion abarbeitet. Er bleibt damit dem Prinzip des permanenten Stilwechsels – vom Impressionismus über den Realismus, den Symbolismus, den Expressionismus und die Neue Sachlichkeit bis hin zur Abstraktion – treu. Als ehemaliger Präsident der Wiener Secession, der er zwischen 1954 und 1975 in fünf Perioden war, hat Meissner zweifellos die unterschiedlichsten und jeweils tonangebenden Stilmoden kennengelernt und wohl auch ihre Adaptierbarkeit für das eigene malerische Schaffen geprüft, das zu Beginn seiner künstlerischen Laufbahn noch ausschließlich in gegenständlichen bzw. figurativen Bildern zum Ausdruck kommt. Das maltechnische Rüstzeug dafür erwarb Meissner ab 1925 an der Akademie der bildenden Künste in Wien, wo er die Allgemeine Schule und die Meisterschule unter Ferdinand Andri absolvierte. Ab 1934 setzte er seine Ausbildung in Italien bei Ubaldo Oppi und Giorgio de Chirico fort. Für die Hinwendung zur Abstraktion hat er 1969 auch ein sehr persönliches Argument parat: „Ich gehöre zu der Generation, die abstrakt zu malen begann, weil sie die menschliche Fratze unverschleiert gesehen hat und ihr kein Abbild mehr setzen wollte.“

Manet, Edouard - - Duret, Theodore. Edouard Manet. Sein Leben und seine Kunst. Aus dem Französischen ins Deutsche übertragen von E. Waldmann-Bremen. Mit 2 Original-Radierungen, 1 farbigen Original-Holzschnitt von Manet und zahlreichen Abbildungen. Berlin, P. Cassirer, 1910. 319 S., 1 Bl. 27 x 22,5 cm. Halblederband der Zeit mit Rückenschild (Kanten und Rücken leicht berieben).Erste deutsche Ausgabe. - Mit dem Werkkatalog und den Original-Radierungen "Baudelaire de profil en chapeau" (Guerin 30 II) und "Berthe Morisot" (Guerin 59 II) sowie dem Original-Farbholzschnitt "Olympia" nach Manet (Guerin 87). - Die Radierungen wie immer papierbedingt gebräunt, sonst schönes Exemplar.

Pablo Picasso, "Les Dejeuners" Band 1, in Leinenmappe mit Prägung "Douglas Cooper Les Déjeuners Pablo Picasso" eingelegt elf Blatt mit 18 Reproduktionen von Paraphrasen Picassos zu Eduards Manet "Le Déjeuner sur l´herbé" (Das Frühstück im Freien), Farboffset, 1962, Blätter gebräunt, Leinenmappe braunfleckig, Blattmaße ca. 54 x 37 cm. Künstlerinfo: spanischer Maler, Graphiker und Bildhauer (1881 Malaga bis 1973 Mougins), studierte 1895 an der Kunsthochschule Barcelona, 1897 kurzzeitig an der Akademie San Fernando in Madrid, 1900 erster Parisaufenthalt, 1903 Übersiedlung nach Paris, tätig auch in Vallauris, Antibes, Aix-en-Provence und Mougins, Quelle: unter anderem Thieme-Becker, Vollmer und Wikipedia.

Pierre-Auguste Renoir, "Baigneuse"nackte junge Frau beim Baden im See, siehe Delteil 23, Radierung, Entstehung der Platte um 1910, posthumer Abzug, Darstellungsmaße ca. 16,5 x 11 cm, unter Passepartout montiert, Blattmaße ca. 33,5 x 25,5 cm. Künstlerinfo: eigentlich Pierre-Auguste Renoir, frz. Maler und Radierer (1841 Limoges/Limousin bis 1919 Cagnes-sur-Mer/Côte d' Azur), ab 1845 Kindheit in Paris, ab 1854 Lehre und Tätigkeit als Porzellanmaler, studierte 1861-64 Malerei bei Charles Gleyre, beeinflusst von Gustave Courbet und Diaz de la Peña, später fand sein Interesse an Raffael und Jean-Auguste-Domenique Ingres Niederschlag in seiner Kunst, unterhielt Freundschaft zu Claude Monet, Alfred Sisley, Frédéric Bazille und Édouard Manet, beschickte ab 1864 den Pariser Salon, unternahm Studienreisen nach Algerien, Italien (Palermo) und auf die Insel Guernsey, zunächst in Paris freischaffend, 1907 Umzug nach Cagnes-sur-Mer an der Côte d' Azur, Quelle: Thieme-Becker, Bénézit und Wikipedia.

Francis Campbell Boileau Cadell RSA RSW (British, 1883-1937)Still Life with Ranunculus signed 'F.C.B.Cadell' (lower left), inscribed 'Still life/Ranunculus' (verso)oil on panel44 x 37.5 cm. (17 5/16 x 14 3/4 in.)Footnotes:ProvenanceSale; Sotheby's, Glasgow, 9 February 1988, lot 291With David Messum, LondonPrivate Collection, AustraliaMédecins Sans Frontières, AustraliaThe proceeds of sale of this work will support the work of Médecins Sans Frontières, a global organisation who offers assistance to populations in distress, victims of natural or man-made disasters and armed conflict, without discrimination and irrespective of race, religion, creed or political affiliation.Cadell is often said to be the most elegant of the Colourists and Still Life with Ranunculus is a stylish image which epitomises this. During the immediate pre-war period, Cadell established himself as an artist of note and a figure of standing within Edinburgh society. He developed a palette based on white, creams and black, which may have been influenced by the work of Éduoard Manet. The appreciation of this colour scheme was also reflected in the carefully constructed environment of his studio at 130 George Street in Edinburgh. A black polished floor enhanced the rich effect of pure colour emerging from the pale white and mauve colour scheme. Although loosely painted, the overall composition is carefully considered. Here he dramatically crops his painting, boldly chopping the top section of the mirror out of the frame, to create a highly modernist aesthetic, which echoes the techniques of artists such as Van Gough and Matisse. The overall effect of this daringly simplified still life is one of sophistication and elegance.This lot is subject to the following lot symbols: ** VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

Bronze-Mörser, Mechlen, Willem Wegewart der Ältere, 1597 Leicht ausgestellter, gestufter Standfuß. Mittig umlaufendes Reliefband mit zwei Putti umgeben von Rankenwerk. Der obere Teil der Wandung mit Inschrift und Datierung im Relief "VERBUM DOMINI MANET IN ETERNUM 97" (Das Wort des Herrn bleibt ewig). Seitlich zwei stilisierte Delfin-Handhaben. Altersspuren, kleine Fehlstellen. Höhe 13 cm.Zustand: IIA dutch bronze mortar, Mechelen, Willem Wegewart de Oude, 1597 Leicht ausgestellter, gestufter Standfuß. Mittig umlaufendes Reliefband mit zwei Putti umgeben von Rankenwerk. Der obere Teil der Wandung mit Inschrift und Datierung im Relief "VERBUM DOMINI MANET IN ETERNUM 97" (Das Wort des Herrn bleibt ewig). Seitlich zwei stilisierte Delfin-Handhaben. Altersspuren, kleine Fehlstellen. Höhe 13 cm.Condition: II

Manet, Édouard (Paris 1832 - 1883 Paris)Konvolut von drei Radierungen, a) Aquatintaradierung "Lola de Valence", in der Platte signiert "éd. Manet", unterhalb der Darstellung ausführlich bezeichnet mit Drucker- und Verlegervermerk, unten mittig Trockenstempel des Verlegers, Platte 26,4 x 18,4 cm, Blatt 44,5 (49) x 33 cm, Cadart & Luquet Paris 1863, oben und unten jeweils ~2 cm umgefaltet, sonst sehr guter Zustand, b) Radierung "Portrait de Charles Boudelaire" auf Bütten, in der Platte signiert "Manet", ausführlich bezeichnet und datiert "1865" mit Druckerangabe, Platte 9,6 x 8,1 cm, Blatt 31,5 x 22 cm und c) Radierung Profil de Charles Baudelaire" auf dünnem Bütten, in der Platte monogrammiert "M.", ausführlich bezeichnet und datiert "1862" mit Druckerangabe, Platte 10,7 x 8,7 cm, Blatt 31,5 x 22 cm, jeweils rückseitig Montierungsreste, sonst jeweils sehr guter Zustand, rückseitig jeweils von fremder Hand bezeichnet/betitelt, b) und c) spätere Abzüge, alle ungerahmt 6216 Lit.: Jean C. Harris 1970, Edourd Manet, Graphic Work Nr. 33 VIII, 59 und 61 IV Prov.: Sammlung Dr. Heinrich Becker, Besitz der Erben, Privatsammlung Bielefeld, Dr. Heinrich Becker (Braunschweig 1881 - 1964 Bielefeld) war Leiter des Städtischen Kunsthauses Bielefeld (Vorläufer der Kunsthalle Bielefeld von 1927 bis 1933 und von 1946 bis 1954, in dieser Zeit richtete er über 80 Ausstellungen u.a. mit Werken von Käthe Kollwitz, August Macke, Edvard Munch oder Emil Nolde aus, seine privaten Sammlungen umfassten neben Werken des deutschen Im- und Expressionismus auch umfangreiche Bestände an Graphiken des 18. und 19. Jahrhunderts, sein besonderes Interesse galt den regionalen Künstlern mit umfangreichen Kollektion u.a. von Peter August Böckstiegel, Hermann Stenner, Heinz Lewerenz und Künstlern mit reginalem Bezug wie Conrad Felixmüller oder Robert Sterl