We found 470 price guide item(s) matching your search

Jusepe de Ribera, genannt „lo Spagnoletto“, 1588/91 Xàtiva/ Valencia – 1652 Neapel APOSTEL ODER EVANGELIST Öl auf Leinwand. 50 x 49 cm.Dem Gemälde ist eine ausführliche Expertise von Nicola Spinosa, Napoli, 12. Mai 2022 beigegeben. Das Gemälde wird im kommenden Jahr aufgenommen in der Monographie: Nicola Spinosa, Aniello Falcone e i pittori influenzati da Ribera e attivi a Napoli. Spinosa weist in seiner Expertise eine Reihe von Vergleichsbildern auf, die dem hier vorliegenden Bildnis nahestehen. So etwa „Hl. Petrus als Büßer“, „Mathäus und der Engel“ oder der „Hl. Andreas im Gebet“. Was die Datierung des vorliegenden Werkes betrifft, so verweist Spinosa auf die Schwierigkeit der Feststellung, ob es noch zu den letzten Monaten von Riberas Aufenthalt in Rom (1614/15- bis 1615) gehört, oder in den Beginn seines letzten Aufenthaltes in Neapel von 1616-1618 zu setzen ist, als Ribera in der Stiftskirche in Osuna malte. Letztendlich scheint dem Experten eine Datierung zwischen 1615 und 1616 als überzeugend. Damit zählt das vorliegende Werk zu den wenigen erhaltenen dieser von Spinosa genannten Schaffungsperiode. Das bisher unveröffentlichte Gemälde kann hier als eine sensationelle Neuentdeckung für das Werk des bedeutenden Malers Ribera vorgestellt werden. Dementsprechende gut dokumentierte, jüngste Forschungsergebnisse des zuständigen Experten Nicola Spinosa belegen die Autorschaft des Künstlers (s. u). Es liegt uns hier ein Gemälde vor, das den Kopf eines kräftigen bärtigen Mannes in brauner Kutte zeigt. Das Haupt kahl, dem Betrachter nahe, schräg nach rechts ins Bild gesetzt. Nachdenklich blickt er von seinem offenen Buch auf. Von der Hand, die das Buch hält, ist am unteren Bildrand ein Finger zu sehen. Mit den geöffneten Seiten, die eine Abbildung erkennen lassen, fügt sich das Buch mit hochgeschlagener Seite kompositionell überlegt in die rechte untere Ecke ein. Das Bildnis zeigt die meisterliche Handschrift des genannten Malers, mit allen Aspekten, die seine malerische Charakteristik ausweisen, wie die bräunlich-goldene Farbgebung, die Lichtreflexe, bis hin zur überzeugenden psychologischen Erfassung, Die Identifizierung des Dargestellten stößt an Grenzen, da eindeutige Attribute fehlen und man auf Ähnlichkeiten mit weiteren Bildnissen von Heiligen, Aposteln oder Evangelisten im Werk Riberas zurückgreifen muss. Das Buch mag vornehmlich an einen Evangelisten denken, etwa Matthäus oder Markus, die ebenfalls in vorgeschrittenem Alter und kahlköpfig gezeigt wurden. Möglicherweise haben wir es hier mit einem Gemälde der kastilianisch genannten Serie der „Apostolado“ zu tun, die Ribera in seiner langen Karriere zu verschiedenen Zeiten schuf. Erstmals zwischen 1609 und 1610 zu Beginn seines Aufenthaltes in Rom (Spinosa 2008, S. 303 f.). Eine zweite Serie entstand im Auftrag von Pedro Cosida von Saragossa, den Vertreter des spanischen Königs beim Papst. Vier Bilder dieser Serie finden sich in der Fondazione Roberto Longhi in Florenz. Weitere Serien entstanden bis in die späten 1630er Jahre. Wie durchdacht die Komposition insgesamt ist, zeigt die Beobachtung, dass der Lichteinfall von links oben in einer nach rechts unten führenden Diagonale - über Kopf, Nase und Bart hinweg - auf die Buchseite weist. Als Gegen-Diagonale sind die Mantelfalte und die Schrägstellung des Buches zu sehen. Dies und der malerische Duktus liegen Riberas „Hieronymus“-Themen nahe, auch, weil hier wie dort erkennbar wird, wie Ribera in den Armenvierteln Roms seine Charaktermotive suchte. Nahezu identisch zeigt sich ein Petrus-Bildnis, Teil der erhaltenen Serie in den „Girolamini“, die sich in Neapel befinden. A.R.Bevor Ribera nach Neapel ging, studierte er bei Francisco Ribalta (1565-1628) in Valencia. In Rom setzte er sich mit den Werken Raffaelo Santis (1483-1520) und Agostino (1557-1602) und Annibale Carraccis (1560-1609) auseinander, in Parma und Modena mit denen von Antonio Allegri Correggio (um 1489-1534). Später stand er stark unter dem Einfluss von Michelangelo Merisi il Caravaggio (1570/71-1610). Die Qualität seiner Bilder erhoben ihn zum Hofmaler des Herzogs von Osuna sowie des Königs von Neapel. Im Jahr 1644 wurde er durch den Papst zum Ritter des Christusordens geschlagen. 1630 war er bereits Mitglied der Accademia di San Luca in Rom. Neben Caravaggio ist er der bedeutendste Naturalist der Neapolitanischen Malerei mit Betonung des Chiaroscuro. Ein Hauptmerkmal seines Wirkens ist die bewusste Wahl der Darstellung von meist alten, asketisch knochig-schlanken Gestalten wie Einsiedlern oder Philosophen.Literatur: Nicola Spinosa und A.E. Perez Sánchez, Jusepe de Ribera 1591-1652, Ausstellungskatalog; Napoli – Madrid – New York 1992. G. Papi, Ribera a Roma. Soncono/Cremoa, 2007. J. Milicua und J. Portús (a cura) Il giovane Ribera tra Roma, Parma e Napoli, Ausstellungskatalog, Madrid – Napoli 2010-2011. (1321691) (11)Jusepe de Ribera, also known as "lo Spagnoletto",1588/91 Xàtiva/ Valencia – 1652 NaplesAPOSTLE OR EVANGELIST Oil on canvas.50 x 49 cm.Accompanied by a detailed expert’s report by Nicola Spinosa, Napoli, 12 May 2022. Next year, the painting will be included in the forthcoming monograph: Nicola Spinosa, Aniello Falcone e i pittori influenzati da Ribera e attivi a Napoli. In his expert’s report, Spinosa points to a series of comparable paintings very similar to the present portrait such as “The Penitent Saint Peter Matthew and the Angel” or “Saint Andrew in Prayer”. With regards to dating the present work, Spinosa finds it difficult to determining whether the painting was created in the last months of Ribera’s stay in Rome (1614/15- to 1615) or at the beginning of his last stay in Naples in 1616-1618 when Ribera was painting in the collegiate church in Osuna. Ultimately, a dating between 1615 and 1616 seems convincing to the expert. This makes the present work one of the few surviving works from this creative period. The previously unpublished painting can thus be presented as a sensational new discovery for the work of the important painter Ribera. It is accordingly well-documented and recent research results of the responsible expert Nicola Spinosa prove the authorship of the artist (see below).The present painting shows the head of a strong, bearded man in a brown robe. The bald head, close to the viewer, is placed diagonally to the right in the picture. He looks up thoughtfully from his open book. One finger of the hand holding the book can be seen at the bottom of the painting. In a considered composition the open pages reveal an illustration and the book with the page turned up fits into the lower right corner. The portrait shows Ribera’s mastery and typical painterly characteristics such as the brownish-golden colouration, the light reflections, and the convincing psychological assessment.It is difficult to identify the depicted, since there are no clear attributes, so one must revert to similarities with other portraits of saints, apostles, or evangelists in Ribera’s oeuvre. The book suggests an evangelist, such as Matthew or Mark, who are usually also depicted as advanced in age and bald. It is possible that we are dealing here with a painting from the Castilian series called “Apostolado”, which Ribera painted at various times during his long career. For the first time between 1609 and 1610 at the beginning of his stay in Rome (Spinosa 2008, p. 303 f.). A second series was commissioned by Pedro Cosida of Zaragoza, the Spanish king’s representative to the Pope. Four pictures from this series are held at the Fondazione Roberto Longhi in Florence. Other series continued into the late 1630s.The painting’s sophistication is obvious when following the ...

Jusepe de Ribera, genannt „lo Spagnoletto“, 1588/91 Xàtiva/ Valencia – 1652 Neapel DER PHILOSOPH DIOGENES Öl auf Leinwand. 96 x 72 cm.Das Gemälde größerformatig angelegt und, wie bei Ribera und dessen Hell-Dunkel-Malstil üblich, in caravaggesker Malweise mit dunklem Hintergrund, vor dem der hier alt und graubärtig wiedergegebene Philosoph in hellem Licht erscheint. Der aus Sinope stammende griechische Denker (um 412-323 v. Chr.) wird hier, wie üblich, mit einer Laterne dargestellt. Der Sinn dieses attributiven Gegenstandes geht aus der Legende hervor, wonach Diogenes bei der Befragung, warum er bei Tageslicht eine Laterne hält, geantwortet haben soll „Ich suche einen Menschen“. Dieser Skeptizismus ist auch der Inhalt der Lehre der damaligen griechischen Philosophie geworden. Hier in Dreiviertelansicht in Lebensgröße wiedergegeben, hat der Maler ihn leicht nach rechts gebeugt gezeigt, mit nachdenklichem Blick, die Laterne in der Linken, ein großes Buch in der Rechten haltend. Als Kleidung dient ihm lediglich ein bescheidener brauner Kittel mit weißem darunterliegendem Hemd, wobei jedoch die gesamte rechte Brust- und Schulterpartie freigelassen wird. Das weithin bekannte Gemälde von Ribera, das ebenfalls den Philosophen zeigt, befindet sich in der Gemäldegalerie Dresden, stellt aber den Philosophen in noch jüngerem Alter vor, in noch stolzer aufrechter Haltung und mit nahezu vorwurfsvollem Blick, wodurch sein Satz nach der Suche des wahren Menschen noch herausfordernder thematisiert ist. Im vorliegenden Gemälde jedoch erscheint der gealterte Philosoph bereits in einer Resignation dargestellt. Ribera, bekannt für mehrere seiner Philosophendarstellungen, hat speziell diesen Diogenes mehrfach in unterschiedlichen Bildauffassungen geschaffen, wobei das vorliegende Gemälde wohl zu den ausdrucksvollsten aus dieser Serie zu zählen wäre.Bevor Ribera nach Neapel ging, studierte er bei Francisco Ribalta (1565-1628) in Valencia. In Rom setzte er sich mit den Werken Raffaelo Santis (1483-1520) und Agostino (1557-1602) und Annibale Carraccis (1560-1609) auseinander, in Parma und Modena mit denen von Antonio Allegri Correggio (um 1489-1534). Später stand er stark unter dem Einfluss von Michelangelo Merisi il Caravaggio (1570/71-1610). Die Qualität seiner Bilder erhoben ihn zum Hofmaler des Herzogs von Osuna sowie des Königs von Neapel. Im Jahr 1644 wurde er durch den Papst zum Ritter des Christusordens geschlagen. 1630 war er bereits Mitglied der Accademia di San Luca in Rom. Neben Caravaggio ist er der bedeutendste Naturalist der Neapolitanischen Malerei mit Betonung des Chiaroscuro. Ein Hauptmerkmal seines Wirkens ist die bewusste Wahl der Darstellung von meist alten, asketisch knochig-schlanken Gestalten wie Einsiedlern oder Philosophen.Provenienz: Galerie Jacques Leegenhoek, Paris, November 1996. Literatur: Das hier angebotene Gemälde ist abgebildet in: Nicola Spinosa, Ribera. La obra completa, Madrid 2008, Nr. B2, S. 485. Spinosa datiert das Gemälde auf ca. 1612-1613. (1241111) (2) (11)Jusepe de Ribera, also known as “lo Spagnoletto”,1588/91 Xàtiva/ Valencia – 1652 NaplesTHE PHILOSOPHER DIOGENESOil on canvas.96 x 72 cm.Provenance: Galerie Jacques Leegenhoek, Paris, November 1996. Literature: The painting on offer for sale here is illustrated in: Nicola Spinosa, Ribera. La obra completa, Madrid 2008, no. B2, p. 485. Spinosa dates the painting to ca. 1612-1613.

Jacob Adriaensz Backer, 1608 Harlingen – 1651 Amsterdam, zug.DER ZINSGROSCHEN Öl auf Leinwand. 141 x 159 cm.Das Bildthema illustriert die bekannte Bibelstelle nach Matthäus (Mt 22,21). Danach kamen während der Zeit der für das Volk schwer zu ertragenden römischen Steuererhebungen Vertreter der jüdischen Obrigkeit zu Jesus, zeigten ihm eine Münze mit der Frage, ob das Steuergeld an Rom gezahlt werden müsse. Jesus antwortete, auf das Cäsarenbildnis der Münze weisend: „Gebt dem Kaiser, was des Kaisers, und Gott, was Gottes ist“. Damit war für die Jesuspartei der politische Konflikt mit Rom vorläufig beruhigt. Das Thema war in allen Epochen von hoher – vor allem auch politischer – Bedeutung, da der Bibeltext auch den jeweiligen Regierungen Europas das finanzielle Führungsrecht zu geben bedeutete. Vor allem aus diesem Grunde fand das Bildthema weite Verbreitung, von nahezu allen Malern aufgegriffen, von Masaccio, Caravaggio, Tizian oder Rubens, bis hin zu Malern der jüngeren Neuzeit. Backer hat hier großformatig das Thema nahezu theatralisch in Szene gesetzt, die Figuren in Betrachternähe nahezu lebensgroß gemalt. Der Gestalt des Jesus, der gleichzeitig auf die Münze und zum Himmel weist, steht den bärtigen Männern gegenüber, die teils fragend, teils überrascht blicken. Von Backers Gemälde sind einige Wiederholungen bekannt, die im Werkverzeichnis (siehe Literatur) aufgeführt wurden. Davon befindet sich eine Version im Nationalmuseum Stockholm (Inv.Nr. 382), eine weitere in Privatsammlung, ferner wird ein Exemplar in unbekanntem Verbleib genannt (diese?). Backer kam als Kind mit seiner Familie nach Amsterdam, ging dann etwa 20-jährig nach Leeuwarden, um bei Jacobsz. Lampert (1598-1636) zu studieren. Von diesem Lehrer übernahm er auch die Thematik der Historienmalerei und religiöser Inhalte. A.R.Literatur: Zu Biografie und Werk siehe: Peter van den Brink, Jaap van der Veen, Heinrich Becker, Jacob Backer (1608/09-1651), Katalog anläßlich der Ausstellung „Der große Virtuose, Jacob Backer“ (1608/09-1651), 12. März-7. Juni 2009 im Suermondt-Ludwig-Museum in Aachen, 29. November 2008-22. Februar 2009 unter dem Titel „Jacob Backer (1608/09-1651), Rembrandts tegenpool“ im Museum Het Rembrandthuis in Amsterdam, Zwolle 2009. Darin: Peter van den Brink, Oeuvrekatalog der Gemälde Jacob Backers, S. 204, A1ff. (1320132) (11)Jacob Adriaensz Backer,1608 Harlingen – 1651 Amsterdam, attributedTHE TRIBUTE MONEYOil on canvas.141 x 159 cm.The painting's subject illustrates the well-known passage from the Bible according to Matthew (22:21). During the time of the tax collection by the Romans, which was financially hard for the people, representatives of the Jewish authorities came to Jesus and showed him a coin and asked him whether the tax money had to be paid to Rome. Jesus replied, pointing to the image of Caesar on the coin: “So give back to Caesar what is Caesar's, and to God what is God's”.A few versions of Backer's painting are known and are listed in the catalogue raisonné (see literature). One of these versions is held at the National Museum in Stockholm (inv. no. 382), another in a private collection, and a copy with unknown whereabouts (this one?). Backer and his family arrived in Amsterdam when he was a child, aged ca. 20 he went to study and work with Jacobsz Lampert (1598-1636) in Leeuwarden. He adopted the genres of history and religious paintings from his teacher.Literature:Regarding his biography and works: Peter van den Brink, Jaap van der Veen, Heinrich Becker, Jacob Backer (1608/09 - 1651), on occasion of the exhibition “Der Große Virtuose. Jacob Backer (1608/09 - 1651)”, 12th March-7th June 2009 held at the Suermondt-Ludwig-Museum in Aachen, 29th November 2008-22nd February 2009 titled “Jacob Backer (1608/09-1651), Rembrandts tegenpool” at the Museum Het Rembrandthuis in Amsterdam, Zwolle 2009. Therein: Peter van den Brink, Oeuvrekatalog der Gemälde Jacob Backers, p. 204, A1 ff.

Jusepe de Ribera, genannt „lo Spagnoletto“, 1588/91 Xàtiva/ Valencia – 1652 Neapel SAN PIETRO IN LACRIME Öl auf Leinwand. 138 x 98 cm.Beigegeben eine Expertise von Prof. Vincenzo Paccelli, Neapel, der in dem Gemälde ein Werk von Jusepe de Ribera sieht; zudem ein technischer Untersuchungsbericht von Ing. Claudio Falcucci „Pentimenti“ unter der Malschicht feststellend (beides in Kopie vorliegend). Das Bildthema geht an die Stelle des Neuen Testaments zurück, wonach der Heilige Petrus in schuldhafter Reue seines Verrats an Jesus gedenkt. Diese Bibelstelle wurde von mehreren bedeutenden Malern aufgegriffen. Der Blick ist, wie auch hier, zumeist nach oben gerichtet. Hier sitzt der Heilige an einem Tisch, den Kopf auf den rechten Arm gestützt. Die Qualität der Oberflächen des Heiligen lässt keinen Zweifel an der vollen Eigenständigkeit des Gemäldes durch Ribera, in dem die charakteristische Rauheit der Hände und die Falten der Stirn, die verwelkte Haut und die Rötung um die Augen, verursacht durch Weinen und Alter, deutlich wahrnehmbar sind. Das Motiv finden wir auch in Darstellungen des Guido Reni oder Diego Velázquez. Für das Gemälde hat Prof. Vincenzo Pacelli, Autor des Werkes „Pittura del'600 nelle collezioni napoletane“, Vergleichsbeispiele genannt, wie etwa ein Werk in einer Londoner Privatsammlung, signiert „Jusepe R“ (Spinosa 2003, S. 272, Nr. A. 67), ebenfalls dargestellt in einem intimen und bußfertigen Gespräch mit der Gottheit, sowie die halbfigurige Interpretation desselben Modells, dargestellt in der identischen physiognomischen Haltung, aufbewahrt in der Eremitage von Sankt Petersburg (Spinosa 2003, S. 276, Nr. A80). Durch die diagnostischen Untersuchungen von Claudio Falcucci wurde bestätigt, dass die Leinwand des untersuchten Werks, das „d‘imperatore“ genannt wird, eine in der Malerei von Caravaggio und seinen ersten römischen Nachfolgern sehr verbreitete Malart aufweist; durch die dokumentarischen Hinweise ist es zudem nicht ausgeschlossen, dass das fragliche Gemälde mit der Leinwand „San Pietro in d'imperatore“ identifiziert werden könnte, die im Giustiniani-Inventar von 1638 von Spagnoletto erwähnt wird (Danesi Squarzina 2003, S. 325). Kopien aus dem Inventar des Conti Gonzaga di Novellara liegen vor. Kehrt man zu den Erkenntnissen zurück, die aus Falcuccis diagnostischen Untersuchungen hervorgehen, so offenbaren sie ein weiteres entscheidendes Datum für die Zuschreibung des Heiligen Petrus an Ribera, nämlich das Vorhandensein von Pentimenti, die den Finger der vorgelegten und anschließend bewegten Hand betreffen. Bekanntlich beweist das Vorhandensein von Pentimenti die Originalität eines Werkes und im vorliegenden Fall ist somit klar, dass es von dem genannten Künstler Jusepe de Ribera stammt. A. R. Bevor Ribera nach Neapel ging, studierte er bei Francisco Ribalta (1565-1628) in Valencia. In Rom setzte er sich mit den Werken Raffaelo Santis (1483-1520) und Agostinos (1557-1602) und Annibale Carraccis (1560-1609) auseinander, in Parma und Modena mit denen von Antonio Allegri Correggio (um 1489-1534). Später stand er stark unter dem Einfluss von Michelangelo Merisi il Caravaggio (1570/71-1610). Die Qualität seiner Bilder erhoben ihn zum Hofmaler des Herzogs von Ossuna sowie des Königs von Neapel. Im Jahr 1644 wurde er zum Ritter des Christusordens durch den Papst. 1630 war er bereits Mitglied der Accademia di San Luca in Rom. Neben Caravaggio ist er der bedeutendste Naturalist der Neapolitanischen Malerei mit Betonung des Chiaroscuro. Ein Hauptmerkmal seines Wirkens ist die bewusste Wahl der Darstellung von meist alten, asketisch knochig schlanken Gestalten wie Einsiedlern oder Philosophen.Provenienz: Privatsammlung, Barcelona. Anmerkung: Pentimenti sind Veränderungen, die während des künstlerischen Schaffensprozesses an Gemälden vorgenommen werden. Literatur: Nicola Spinosa, Ribera. L‘opera completa, Mailand 1979. Silvia Danesi Squarzina, La collezione Giustiniani, 3 Bde., Turin 2003. James Hall, Dizionario dei soggetti e dei simboli nell'arte, Mailand 2003. Nicola Spinosa, Ribera, L‘opera completa, Neapel 2003. (1270713) (2) (11)Jusepe de Ribera,also known as “lo Spagnoletto”, 1591/91 Xàtiva/ Valencia – 1652 NaplesSAINT PETER'S TEARSOil on canvas.138 x 98 cm.Enclosed is an expert’s report by Prof Vincenzo Paccelli, Naples, who considers the painting to be a work by Jusepe de Ribera; also a technical examination report by engineer Claudio Falcucci, who found “pentimenti” beneath the painting surface (both available as copies).Provenance:Private collection, Barcelona.Literatur:Nicola Spinosa, Ribera. L’opera completa, Milan 1979.Silvia Danesi Squarzina, La collezione Giustiniani, 3 vol., Turin 2003.James Hall, Dizionario dei soggetti e dei simboli nell'arte, Milan 2003.Nicola Spinosa, Ribera, L’opera completa, Naples 2003.

Jusepe de Ribera, genannt „lo Spagnoletto“, 1588/91 Xàtiva/ Valencia – 1652 Neapel, und WerkstattBILDNIS DES PHILOSOPHEN THALES MIT PAPIERROTULUS Öl auf Leinwand. 120 x 94,5 cm. Verso Provenienz-und Ausstellungs-Etikett.Beigegeben Expertise von Claudio Strinati o. J. sowie Prof. Riccardo Lattuada, Juli 2021. Das in Variationen vom Künstler wiederholt gemalte Werk ist mehrfach dokumentiert. (Dokumente beigegeben). Dargestellt ist die Gestalt eines Philosophen in Dreiviertelfigur, der aus dem dunklen Hintergrund hervortritt, von links oben beleuchtet. Das Gesicht, mit tiefliegenden Augen und kurzem, dunklem Bart, ist dem Betrachter zugewandt, während er uns demonstrativ einen aufgerollten Papierrotulus zeigt, auf dem geometrische Zeichnungen mit Kreisen zu erkennen sind. Mit dem rechten Arm nach unten gerichtet hält der Dargestellte eine Sanduhr in der Hand. Aufgrund der Zeichnungen auf dem Rotulus mit Kreisdarstellungen, aber auch von Beschriftungen weiterer Versionen, ist die Identifizierung als „Tales von Milet“ gesichert. Der Philosoph hat bekanntlich im 6. Jahrhunderts v. Chr. neben anderem den Satz formuliert: alle Winkel in einem Halbkreis sind rechtwinkelig. Bildnisse bedeutender Philosophen kennen wir auch von anderen Malern, wie etwa „Thales“ von Luca Giordano, mit der nämlichen Zeichnung. Die Annahme, es könne sich um den Skeptiker Sextus Empiricus des 2. Jhdts. handeln, stellt sich daher nicht mehr. Nicola Spinosa erwähnt weitere Versionen der Darstellung, so zum Vergleich etwa in der Sammlung Wemys, London, in der National Gallery of Scotland, Edinburgh, eine weitere „replica autografa“ in einer Pariser Sammlung aus der Collection des Marchese di Remisa. Darüber hinaus ist ein Gemälde bekannt geworden, das nur den Kopf zeigt, in einer Privatsammlung Kopenhagen. Auf Seite 296 f. des Werkverzeichnisses von Spinosa (2003) ist eine dem vorliegenden Gemälde vergleichbare Version abgebildet (A 89), am Oberrand beschriftet „TALES MILESIO“. Letztlich folgert Riccardo Lattuada in seiner hier beigegebenen Expertise aus den ebenfalls beiliegenden Unterlagen, dass es sich hier um ein Werk Riberas unter Mitwirkung seiner Werkstatt handelt. Bevor Ribera nach Neapel ging, studierte er bei Francisco Ribalta (1565-1628) in Valencia. In Rom setzte er sich mit den Werken Raffaelo Santis (1483-1520) und Agostino (1557-1602) und Annibale Carraccis (1560-1609) auseinander, in Parma und Modena mit denen von Antonio Allegri Correggio (um 1489-1534). Später stand er stark unter dem Einfluss von Michelangelo Merisi il Caravaggio (1570/71-1610). Die Qualität seiner Bilder erhoben ihn zum Hofmaler des Herzogs von Osuna sowie des Königs von Neapel. Im Jahr 1644 wurde er durch den Papst zum Ritter des Christusordens geschlagen. 1630 war er bereits Mitglied der Accademia di San Luca in Rom. Neben Caravaggio ist er der bedeutendste Naturalist der Neapolitanischen Malerei mit Betonung des Chiaroscuro. Ein Hauptmerkmal seines Wirkens ist die bewusste Wahl der Darstellung von meist alten, asketisch knochig-schlanken Gestalten wie Einsiedlern oder Philosophen.Provenienz: Sammlung Matarazzo di Licosa, Neapel (bis 1974). Ausstellung Galleria Previtali, 1974. Das Gemälde in der Literatur besprochen und abgebildet: S. Ortolani, in: Ausstellungskat. „La mostra ella pittura napoletana del ’600 – ’700 – ’800, Neapel 1938 scheda 215. Ganzseitige Abbildung S. 71. F. Parlato, La collezione del Conte Giuseppe Matarazzo di Licosa, Neapel 1950, S. 64-75, Teil p. 71 (vermutet als: „L‘Architetto“). Katalog: Galleria Privitali, Bergamo, Dipinti Antichi, 1974, S. 32, Abb. S. 33 Nicola Spinosa, Ribera, L‘Opera Completa, Neapel 2003: La obra completa, Fundaciòn Arte Hispánico Madrid. 2009. Weitere Literatur: August Liebmann Mayer, Jusepe de Ribera, Leipzig 1908. Nicola Spinosa und A.E. Perez Sánchez, Jusepe de Ribera 1591-1652, Ausstellungskatalog; Neapel – Madrid – New York 1992. G. Papi, Ribera a Roma. Soncono/Cremoa, 2007. J. Milicua und J. Portús (a cura) Il giovane Ribera tra Roma, Parma e Napoli, Ausstellungskatalog, Madrid – Neapel 2010-2011. (13207829) (2) (11)Jusepe de Ribera, also known as "lo Spagnoletto",1588/91 Xàtiva/ Valencia – 1652 Naples, and workshopPORTRAIT OF THE PHILOSOPHER THALES WITH PAPER ROTULUS Oil on canvas.120 x 94.5 cm.Provenance and exhibition label on the reverse. Accompanied by an expert’s report by Claudio Strinati, n.d. and by Professor Riccardo Lattuada, July 2021. Provenance: Collection Matarazzo di Licosa, Naples (until 1974).Exhibition Galleria Previtali, 1974.The painting is discussed and illustrated in:S. Ortolani, in: La mostra ella pittura napoletana del ‘600 – ‘700 – ‘800, exhibition catalogue, Naples 1938, file card 215. Full-page illustration p. 71.F. Parlato, La collezione del Conte Giuseppe Matarazzo di Licosa, Naples 1950, pp. 64-75, part p. 71 (assumed as: “L’Architetto”).Dipinti Antichi, exhibition catalogue, Galleria Privitali, Begamo 1974, p. 32, ill. p. 33.Nicola Spinosa, Ribera. L’Opera Completa, Naples 2003: La obra completa, Fundación Arte Hispánico, Madrid 2009.

Jan Harmensz. van Bylert, um 1597 Utrecht – 1671 ebendaDER LAUTENSPIELER Öl auf Leinwand. 105 x 80 cm.Der Maler hatte sich auf Halbbildnisse spezialisiert, insbesondere auch von Musikern oder Philosophen, die in mehreren öffentlichen Sammlungen vertreten sind, wie das bekannte Gemälde mit einem Konzert mit Lauten- und Cellospielern. Auch das hier vorliegende Motiv zeigt einen Jüngling im Dreiviertelbildnis nach rechts, in sitzender Haltung an einer Laute, wobei sein halb geöffneter Mund andeutet, dass er sich selbst singend begleitet. Über dem schwarzen kurzen lockigen Haar ein Barett mit großer weißer Straußenfeder, eine Reminiszenz auch an das Werk Caravaggios, wie ebenso die Darstellung des jungen Musikers mit entblößter Schulter. Farblich dominierend ist das kräftige Rot im Umhang, das als farblicher Gegenpol zum hellen Grau-Blau des Hintergrundes steht. Der Einfluss Caravaggios ist auch in dem vorliegenden Gemälde unverkennbar.Anmerkung: Der Künstler war Sohn eines Glasmalers und nach Mitteilung des frühen Künstlerbiographen Joachim von Sandrart d. Ä. (1606-1688) ein Schüler des Abraham Bloemaert (1564-1651), bevor ihn seine Studienreisen nach Frankreich und dann nach Italien führten. In Rom verblieb er wahrscheinlich bis 1624 und stand dort in Kontakt mit den holländischen Malern Jan Gerritsz van Bronchorst (1603-1661) oder Cornelis van Poelenburgh (1586-1667). Ab Mitte der 1620er-Jahre ließ er sich stark von Michelangelo Merisi il Caravaggio (1570/71-1610) und Guido Reni (1575-1642) beeinflussen, wie ebenso von Gerrit van Honthorst (1590-1656). Er gilt als einer der führenden, wenn nicht sogar als führendster Vertreter der Utrechter Caravaggisten. Literatur: Paul Huys, Jan van Bijlert, 1998, S. 139, Nr. 105, Pl. 46, circa 1625-1635. (12901421) (11)Jan Harmensz. van Bylert,ca. 1597 Utrecht – 1671 ibid.FLUTE PLAYEROil on canvas.105 x 80 cm.Literature:Paul Huys, Jan van Bijlert, 1998, p. 139, no. 105, pl. 46, circa 1625-1635.

Antonio Zanchi, 1631 – 1722, zug.JUDITH MIT DEM HAUPT DES HOLOFERNES Öl auf Leinwand. Doubliert. 115 x 114,5 cm. In vergoldetem Rahmen.Judith ist hier mit ihrer Magd im Halbbildnis nebeneinander wiedergegeben; während Judith das Haupt des Holofernes in ihrer linken Hand an den Haaren hochhält, versucht die Magd den Kopf in ein graues Tuch einzuwickeln, von dem sie eine Ecke im Mund festhält. Vor dunklem Hintergrund, der wohl als das Zelt des Feldherren zu deuten ist, Judith in einem bis zur Hüfte heruntergelassenem blauem Gewand mit Goldstickerei, einer langen Perlenkette über ihrer lichtbeschienenen nackten Brust und sie hat mit einem Perlenband hochgebundenes, zu Zöpfen geflochtenes Haar. In ihrer rechten Hand hält sie das lange Schwert. Sie hat gerötete Wangen und blickt hochaufmerksam seitlich nach hinten. Das Haupt des Holofernes bewusst etwas übergroß dargestellt, um die einstige Macht des Feldherren deutlich zu machen. Im Vordergrund zudem ein Teil des Oberkörpers mit Schnittstelle des Holofernes erkennbar. Malerei eines beliebten Themas mit starken Hell-Dunkel-Kontrasten, an Caravaggio erinnernd. Teils rest. (1321164) (3) (18)Antonio Zanchi, 1631 – 1722, attributedJUDITH WITH THE HEAD OF HOLOFERNESOil on canvas. Relined.115 x 114.5 cm. In gilded frame.

Spanischer Maler des 17. Jahrhunderts aus dem Kreis des Jusepe de Ribera, 1588/91 – 1652BILDNIS DES HEILIGEN JOSEFÖl auf Leinwand. 77 x 60 cm.In dekorativem vergoldeten Rahmen.Der Heilige Josef von Nazareth im Halbbildnis nach links in dunklem Umhang, mit weißgrauem Vollbart wiedergegeben. Er hat seinen Blick mit den glänzenden blauen Augen nach oben gerichtet, der Lichtquelle entgegen, die das Bildnis aus unbekannter Quelle beleuchtet. In der rechten Hand hält er den Stab, aus dem, der Legende gemäß, einige Blüten gewachsen sind. Malerei mit besonders herausgearbeitete Physiognomie des Dargestellten, mit starken Hell-Dunkel-Kontrasten, die auch an Arbeiten von Caravaggio erinnert. (1320131) (11)Spanish painter of the 17th century from the circle of Jusepe de Ribera, 1588/91 – 1652Portrait of Saint JosephOil on canvas.77 x 60 cm.In decorative gilt frame.

Maler des 17. Jahrhunderts in der Art des Michelangelo Merisi il Caravaggio (1570/71 – 1610)KREUZABNAHME MIT ENGELN Öl auf Leinwand. Doubliert.118 x 92 cm.Vor dunklem Landschaftshintergrund der vom Kreuz abgenommene helle fahle Corpus Christi, nur mit einem weißen Tuch um die Hüfte bekleidet. Er hat braunes langes Haar, einen Bart, geschlossene Augen und sein Kopf ist von einem Strahlennimbus hinterfangen. Sein Körper wird von mehreren nackten, teils geflügelten Putti gehalten, von denen einer in rötlich-brauner Farbgebung direkt unter dem Corpus Christi nur schwer zu erkennen ist. Im Vordergrund zwei kniende Putti, die aufmerksam die Wunde am Fuß Jesu betrachten. Malerei mit starker Hell-Dunkel-Akzentuierung: Der Körper Jesu und der Engel besonders durch ihre helle Farbgebung gegenüber dem dunklen Hintergrund ganz im Stil des Caravaggismus besonders hervorgehoben. Teils rest., teils Retuschen und Farbabrieb. (1301535) (18)Painter of the 17th century in the style of Michelangelo Merisi da Caravaggio (1570/71 – 1610)THE DEPOSITION FROM THE CROSS Oil on canvas. Relined.118 x 92 cm.

SLASKY (Artena, Rome, 1972)."San Michele", 2020.Digital art on canvas.Signed.Limited edition 1/1.Unframed.Certificate of authenticity enclosed.The artwork will be sent in a tube.This work will be available approximately 15 days after the payment has been made.Measurements: 150 x 100 cm.Fascinated by the baroque painting of Caravaggio, the digital artist Slasky creates classic works of art using digital art techniques. With his classic neo-urban style, he unites tradition and modernism, bringing the protagonists of the original artworks into modern-day social and artistic environments. By inserting the characters from the original works into contemporary spaces, he has created new images that send completely different messages to the original concept and idea with which they were created by their authentic creators, strikingly capturing the viewer's attention and, at the same time, requiring a level of collaboration from the viewer in order to be understood.The works have an immediate sense of familiarity, but presented with an injection, sometimes explosion, of colour and life that absorbs them with richness and modernity. Details take centre stage in his works, using contrasting colour techniques, textured backgrounds and screen printing to create the same subject matter in a variety of ways, separating it from its traditional backgrounds.

SLASKY (Artena, Rome, 1972)."Lady and Gentleman".Digital art on canvas. Pair. Unframed.Limited edition 1/8.Signed.Certificate of authenticity enclosed.The artwork will be sent in a tube.This work will be available approximately 15 days after the payment has been made.Sizes: 40 x 30 cm and 40 x 30 cm.Fascinated by the baroque paintings of Caravaggio, the digital artist Slasky creates classical works of art using digital art techniques. With his classical neo-urban style, he unites tradition and modernism, bringing the protagonists of the original artworks into modern-day social and artistic environments. By inserting the characters from the original works into contemporary spaces, he has created new images that send completely different messages to the original concept and idea with which they were created by their authentic creators, shockingly capturing the viewer's attention and, at the same time, requiring a level of collaboration from the viewer in order to be understood.The works have an immediate sense of familiarity, but presented with an injection, sometimes explosion, of colour and life that absorbs them with richness and modernity. Details take centre stage in his works, using contrasting colour techniques, textured backgrounds and screen printing to create the same subject matter in a variety of ways, separating it from its traditional backgrounds.

SILBERMEDAILLE - 925er Silber (66,1 g), Silbermedaille aus dem Set der 100 größten Meisterwerke; Silbermedaille mit Darstellung des "Bacchus" aus dem Jahr 1589, geschaffen von Caravaggio Durchmesser: 5,0 cm.

YUSKAVAGE, LISA1962 PhiladelphiaTitel: A Girl in the Flowers. Datierung: 2001. Technik: Aquarell auf Karton. Maße: 92 x 124cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Im Rahmen beschrieben. Dem Werk liegt eine Bestätigung von Studio Guenzani, Mailand, bei.Die Arbeit ist auf der offiziellen Internetseite der Künstlerin unter der Nummer 3960 aufgeführt und abgebildet (www.yuskavage.com) Provenienz:- Studio Guenzani, Mailand (Aufkleber)- Privatsammlung ItalienAusstellungen:- Studio Guenzani, Mailand 2001- Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Mexico City 2006Literatur:- Ostrander, Tobias / Viveros-Fauné, Christian: Lisa Yuskavage, Ausst.-Kat. Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Mexico City 2006, S. 12, Abb.- Garcia, Josefina: Feasts for the Senses - This Month's Selection of Art and Culture, in: Avenue Magazine, April 2015Die amerikanische Künstlerin Lisa Yuskavage hat sich in ihrem Werk dem Figurativen verschrieben. Meist zeigt sie Frauen, die ihre Weiblichkeit zur Schau stellen mit großen Brüsten oder einem überdimensionierten schwangeren Bauch - oft eingebettet in bezaubernde Darstellungen von Landschaften oder Stillleben. Mit außergewöhnlichen, pastellig-psychedelischen oder strahlend-künstlichen Farben verbindet sie das Reale mit dem Übernatürlichen. Die in New York lebende Künstlerin schöpft aus der Kunstgeschichte aber auch aus der Populärkultur und verbindet so "high" and "low". Als Vorbilder nennt sie Giovanni Bellini, dessen Kolorit sie ins Zeitgenössische weiterträgt, oder Edgar Degas, dessen männlichen Blick auf den weiblichen Körper sie hintersinnig in einen weiblichen Blick auf das Feminine verwandelt. Die wunderschönen Szenen bergen oft unterschwellige, kritische Botschaften, vor allem zum feministischen Diskurs. Dabei greift sie gerne aktuelle Themen auf, die sie in den Werken verarbeitet. Die Verbindung zur Populärkultur zeigt sich auch in der Umkehrung: So wurde z.B. ein Werk von Yuskavage in der Serie "The L Word" gezeigt und ihr Oeuvre fand Erwähnung in Kevin Kwans Roman "China Rich Girlfriend" sowie in dem Film "Private Life".In dem hier vorgestellten Werk zeigt uns die Künstlerin ein zartes, feenhaftes Wesen mit Bändern in den Händen. Einem Werk von Caravaggio gleich schält sich ihr beleuchteter, weiß bekleideter Körper aus dem dunkleren Hintergrund. Dieses "Chiaroscuro" wird veredelt durch die pastell-zarten Farben der Blumen im Vordergrund. Eine Haarsträhne weht nach rechts und wiederholt die fließende Form der Bänder. Der verträumte Blick des Mädchens scheint der Strähne hinterherzuschauen. Die junge Frau wirkt zunächst verletzlich und verweist darauf, dass sie dem Blick der (männlichen) Betrachtenden ausgesetzt ist, doch die aufrechte Haltung zeigt auch Selbstbewusstsein. Die dramatische Lichtführung und das theatralische Setting ziehen uns in den Bann dieser zeitlos scheinenden Darstellung. Lisa Yuskavage wird von der Galerie Greengrassi in London sowie der Galerie David Zwirner in New York vertreten. Ihre Arbeiten wurden in Ausstellungen weltweit präsentiert und befinden sich in hochkarätigen Sammlungen z.B. folgender Institutionen und Sammler: Art Institute of Chicago; Hammer Museum, Los Angeles; Hirshhorn Museum, Washington, DC; Long Museum, Shanghai; Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Modern Art, New York; Rubell Museum, Miami; Walker Art Center, Minneapolis und viele mehr. Lisa Yuskavage USA Figurative Kunst Zeitgenössische Kunst Unikate 2000er Figur / Figuren Papierarbeit AquarellErläuterungen zum Katalog

Ronald MARTINEZ (1978)Divine Nude N°7, 2012Silver photo C-Print on Kodak paper170 x 210 cmCopy 1/3French photographer, his tenebrous work is marked by the chiaroscuro of Caravaggio . His photographs made in the dark with a single light source blurs the border between painting and photography. This is a photograph from the series Divine Nudes - Homage to Italian Painting.

Giuseppe Recco, Blumenvase mit Anemonen und Tulpen, Blumenvase mit Rosen und TulpenÖl auf Leinwand. Jeweils 61 x 47,5 cm.Monogrammiert unten Mitte: G. R. bzw. Go. Recco.ProvenienzFamilie Lazzari D´Aloisio, Messina (Etikett a. d. Rückseite). - Galerie Canesso, Paris - Europäische Privatsammlung.LiteraturAlberto Middione in: Mina Gregori (Hrsg.): La natura morta italiana tra Cinquecento e Settecento, Ausstellungskatalog, München, Kunsthalle der HypoKulturstiftung, und Florenz, Palazzo Strozzi 2003, S. 210-211. - C. Salvi in: V. Damian: L´Oeil gourmand, Ausstellungskatalog Galerie Canesso Paris, 2007, S. 98/99, Nr. 27. - Denise Maria Pagano in: Ritorno al barocco da Caravaggio a Vanvitelli, Nicola Spinosa (a cura di), catalogo della mostra, Napoli, Villa Pignatelli, 12 dicembre 2009 - 11 aprile 2010, Napoli, 2009, p. 398. - Maria Silvia Proni in: De Chirico, De Pisis, Carrà. La vita nascosta delle cose, Antonio D’Amico (a cura di), Pavia, Castello Visconteo, Musei Civici, 2019, p. 50-51, no. 14, 15.Die Stillleben-Malerei des 17. Jahrhunderts in Neapel hat sehr eigene stilistische Eigenschaften und ist sichtbarer Ausdruck der Kultur Süditaliens, die auf Grund der politischen Gegebenheiten italienische und spanische Traditionen vereint. Neben der traditionellen und rangmäßig höher eingestuften Historienmalerei entwickelte sich unter den kurz nach 1600 geborenen Künstlern eine Vorliebe für diese Bildgattung. Zu den treibenden Kräften gehörten Luca Forte, Paolo Porpora, der aus Flandern stammende Abraham Brueghel und die Brüder Giovanni Battista und Giuseppe Recco. Ihre bevorzugten Motive waren die Früchte des Meeres, Obst und Gemüse, in einem geringeren Maße auch das Blumenbild. Diese Bilder gelangten in den Besitz der Adelsfamilien und dienten als begehrte Sammlungs- und Ausstattungsstücke für deren städtischen Paläste und ländliche Villen. Neapels Stillleben-Malerei kennzeichnet sich in erster Linie durch auffällige Helldunkel-Effekte und hat dadurch oft einen geradezu nächtlichen Charakter. Die beiden hier vorgestellten Gemälde - von Giuseppe Recco markant in der unteren Mitte signiert bzw. monogrammiert - stammen aus dem Besitz der Familie Lazzari D´Aloisio (Etikett und Lacksiegel auf der Rückseite). Sie haben die gleichen Maße und die gleiche geschnitzte und vergoldete originale Rahmung. Ungewiss ist dennoch, ob sie tatsächlich als Pendants geschaffen wurden. Dagegen könnte die unterschiedliche Platzierung der Vase auf der Bildfläche sprechen. Auffallend wiederum für beide Bilder ist der einfache, geradezu spanische Archaismus der Kompositionen, der möglicherweise auf einen ausgeprägten Geschmack der Auftraggeber zurückgehen könnte.

A porcelain and gilt brass five branch ceiling chandelier and a group of table lamps, a mixed lot of vinyl LPs to include The Jam and Doris Day (Note: some records loose, some sleeves without record), together with a collection of books on art and artists to include Picasso, Caravaggio and Sudan Ancient Treasure and two signed celebrity photographsLocation : G

Galestruzzi, Giovanni Battista: (1615 Florenz - Rom 1669). Niobidenfries des Palazzo Milesi. 2 Radierungen (2 u.3 /9). 1656. G.B. Galestruzzi nach Polidoro da Caravaggio. 10,5 x 26,9 u. 31,2 cm. R

Italian School. Early 17th century "The Crowning with Thorns" Oil on canvas. 142 x 110 cm. After the flagellation ordered by Pontius Pilate, Jesus was tortured and mocked by the executioners and soldiers, who put a crown of thorns on his head to accredit Him, sarcastically, as the King of the Jews: “Then the governor’s soldiers took Jesus into the Praetorium and gathered the whole company of soldiers around him. They stripped him and put a scarlet robe on him, and then twisted together a crown of thorns and set it on his head. They put a staff in his right hand. Then they knelt in front of him and mocked him. “Hail, king of the Jews!” they said. They spit on him, and took the staff and struck him on the head again and again. After they had mocked him, they took off the robe and put his own clothes on him. Then they led him away to crucify him” (Matthew 27: 27-31). All the elements and actions narrated in the cited extract are those which appear in this superb painting, probably created in Italy, and which faithfully copies an engraving made in 1597 by Hendrick Goltzius (1558-1617), although in a more reduced version, considering that in the aforementioned print we see Christ situated before the steps of the praetorium, mocked by numerous people who are both standing and kneeling, besides others – one of whom could be Pilate himself – who observe the scene impassively from the praetorium. The anonymous painter of this picture, which is of exquisite style and quality, has focussed his creation on just three characters who have acquired greater monumentality that those in Goltzius’ engraving. The scene takes place in a sombre atmosphere lit only by an exterior beam of light which emanates from the left side. This is tenebrist illumination and is a distant reminder of the results obtained by Caravaggio (1571-1610) and his followers. This containment of the light contrasts vividly with the gesture and dynamism of one of the executioners, who appears to be engaged in beating Christ impetuously with the stick he holds in his left hand. At the same time, in his right hand he holds an element with which he braids the crown of thorns on the Lord’s head, along with his colleague. At the feet of this executioner, who is dressed in trousers hacked off to the mid-thigh, is a recipient which contains part of the set of tools with which this new torture of Christ is being carried out. The other executioner, dressed in clothes in different gradations of green which contrast with the reds of the other two characters, has a calmer and more passive attitude in the scene. Christ is seated on a stone step. He has his hands tied and is holding the staff with an expression on his face which is between relaxed and resigned. His calm attitude contrasts with that of the mocking soldiers who are making the crown of thorns. He wears a crimson tunic with some very rich gradations of colour that form a potent focal point of light, which also occurs with the footwear and smock of the executioner who is attacking him. The clothes that both executioners are wearing are those worn by men in the period that this canvas was painted, meaning the early 17th century. The painting is outstanding, not just because of its extremely rich colouring, in which the vivid reds contrast with the greens and blues, but also because of the careful drawing with which it has been conceived and the brushwork with which it has been carried out. It is difficult to establish an identity for the painter, but it could be from an Italian workshop, although without being able to specify a School, the most illustrious at the time were the Roman, Bolognese and Tuscan-Florentine Schools. We would like to thank Javier Baladrón, doctor in History of Art, for cataloguing this piece.

AFTER MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO, 19th Century, oil on canvas - 'The Cardsharps', 95 x 128cmsProvenance: deceased estate, LondonAuctioneer's Note: copy of the original presently in the Kimbell Art MuseumComments: substantial restoration and overpainted tears upper centre margin to lower right, also tears left margin, cleaned, relined. Fragments of old paper label and black stencil numeral to stretcher.

Flemish school of the 17th century. Follower of PETER PAUL RUBENS (Siegen, Germany, 1577 - Antwerp, Belgium, 1640)."Road to Calvary".Oil on copper.It presents jumps in the painting.Spanish frame of the 19th century with damages.Measurements: 65 x 51 cm; 77,5 x 61,5 cm (frame).Both for the dynamic composition of the scene, in which all the figures are in active movement, and for the anatomical conception of the figures, the piece reminds us to a great extent of works by the artist Peter Paul Rubens, especially the homonymous work conserved in the Royal Museums of Fine Arts of Belgium. The scene narrates the moment when Jesus walks towards Mount Calvary where he will be crucified. Peter Paul Rubens was a painter of the Flemish school who nevertheless competed on equal terms with contemporary Italian artists and was of major international importance, given that his influence was also key to other schools, as in the case of the transition to the full Baroque in Spain. Although born in Westphalia, Rubens grew up in Antwerp, where his family originated. After completing his training Rubens joined the Antwerp painters' guild in 1598. Only two years later he travelled to Italy, where he stayed from 1600 to 1608. During this decisive period, the young Flemish master had first-hand experience of naturalism and classicism, the works of Caravaggio and the Carracci.

Set of ten original vintage art exhibition advertising posters. 1. Original vintage advertising poster for Hans Coper 1920-1981 exhibition at Serpentine Gallery Kensington Gardens 7 June - 15 July 1984, featuring a photograph of a ceramic vase. Hans Coper (1920-1981) was German-born British studio potter, an abstract but functional vessel artist, known for making vases, fruit bowls, candle holders. Printed by Skelton's Press, Wellingborough, Northamptonshire. Good condition, creasing, folds. Country of issue: UK, designer: Unknown, size (cm): 60x42, year of printing: 1984.; 2. Lucas Samaras: Polaroid photographs 1969-1983 at the Serpentine Gallery 6 September - 12 October 1986, featuring a photograph of a nude man sat on a chair with floral and black fabric, and a face of a bearded man, possibly Samaras, looking at the camera. Lucas Samaras (b.1936) is a Greek-American artist, known for photography, sculpture, printmaking. Fair condition, folds, creasing, tears on edges. Country of issue: UK, size (cm): 84x60, year of printing: 1986.; 3. Caravaggio to Giordano Painting in Naples 1606-1705 exhibition at the Royal Academy of Arts 2nd October - 12th December 1982, featuring Portrait of a Woman by an Italian Baroque painter Massimo Stanzione (1585-1656), depicting a lady in an ornate dress with various patterns holding a chicken, Martini logo in the right bottom corner. Good condition, folds, pinholes, staining, creasing. Country of issue: UK, size (cm): 76x51, year of printing: 1982.; 4. The Treasury of San Marco presented by Olivetty - The greatest Classical, Byzantine, Islamic and Western Medieval treasures from the Basilica of San Marco, Venice at the British Museum 12 July - 2 September 1984, featuring a photograph of golden 12th century reliquary of the Holy Blood in the shape of a church, with silver and golden patterns on the walls and the domes with crosses of the church. Good condition, folds, creasing, tears, pinholes, small paper loss in top left corner. Country of issue: UK, size (cm): 76x51, year of printing: 1984.; 5. English Romanesque Art 1066-1200 at the Hayward Gallery 5 April - 8 July 1984, featuring an illustration detail of - Leaf related to the Winchester Bible c.1160-80, depicting a soldier with a sword and a shield with a crowned man holding a shield and ornate patterns. Poster designed by Philip Miles. Printed in England by UDO Litho Ltd. Good condition, folds, creasing, pinholes, country of issue: UK, size (cm): 76x51, year of printing: 1984.; 6. for Islamic Bookbindings 14 December 1983 - 4 March 1984 at the Victoria & Albert Museum as part of World of Islam Festival Trust, featuring a stunning floral pattern book binding with peacocks, deer, hares, panthers and wild goats. Good condition, folds, creasing, pinholes, country of issue: UK, size (cm): 76x51, year of printing: 1984.; 7. Murillo, presented in association with The Prado, Madrid, 15th January-27th March 1983 at the Royal Academy of Arts, Sponsored by BAT Industries, featuring an oil canvas painting Children Eating a Tart by a Spanish Baroque painter Bartolome Esteban Murillo (1617-1682), depicting two children smiling as they eat a tart, with a dog looking at them and a basket of fruit with apples and oranges before them. Good condition, creasing, pinholes, folds. Country of issue: UK, designer: Bartolome Murillo, size (cm): 76x51, year of printing: 1983.; 8. Japonisme - Japanese Reflections in Western Art that took place at the Northern Centre for Contemporary Art 18 September - 1 November 1986 Supported by Northern Arts The Great Britain, Sasakawa Foundation, Sunderland Borough Council; the poster features an artwork titled The Fisherman by a French impressionist Jean-Louis Forain (1852-1931) depicting a fisherman and a dog fishing with the sky reflection on the still water. Good condition, folds, creasing. Country of issue: UK, designer: Jean-Louis Forain, size (cm): 60x42, year of printing: 1986.; 9. Henry Peach Robinson Master of the Art of Pictorial Photography 25 February to 24 April 1988 at the Barbican Art Gallery, featuring a photograph by an English pictorialist photographer H.P. Robinson (1830-1901) titled Sleep from 1867, depicting two children asleep in bed with a window overseeing the sea. Good condition, folds, creasing. Country of issue: UK, size (cm): 76x51, year of printing: 1988.; 10. W.H. Smith illustration Awards exhibition at the Victoria & Albert Museum 15 July - 1 November 1987, featuring artwork by a Welsh illustrator Ralph Steadman (b.1936) for 'I, Leonardo', Cape, 1983, depicting a man in red and blue robes sat at the table with 'Ralph Steadman' written in black ink and illustration of gears behind him. Good condition, folds, creasing. Country of issue: UK, designer: Ralph Steadman, size (cm): 76x51, year of printing: 1987.

* STUART LUKE GATHERER (SCOTTISH b. 1971),THE RED FLOWER RINGoil on canvas, signedimage size 80cm x 101cm, overall size 97cm x 119cm Framed.Note: Stuart Luke Gatherer was born in England in 1971 to Scottish and Dutch parents. He was brought up in the Eastern Highlands of Scotland, and attended Edinburgh College of Art from where he graduated in 1995 with an MA Honours degree in Fine Art. He has had hugely successful shows in London, New York and Scotland with an ever-widening following of collectors, and with an escalating commercial value he is firmly established as one of Scotland’s most exciting young painters, building on the classical tradition of figurative painting to develop his own unique style. Gatherer produces dramatic compositions of figurative art that reflect his debt to the old masters. Rembrandt, Caravaggio, Vermeer, Rubens and Degas are listed as strong influences, but although his work is informed by these and other past masters, Gatherer is firmly dedicated to exploring and expressing themes and subjects that are relevant in today’s world. His paintings entice the viewer to interact with contemporary scenes from the vantage point of an unseen onlooker. This creates a psychological ambiguity that is emphasised by strong forms and colours modelled in dramatic light and shade. "The Red Flower Ring" is, so far as we can ascertain, the largest and most impressive example of Stuart Luke Gatherer's work to appear at auction, anywhere.

Campanile, 19th c after Michelangelo Merisi da Caravaggio - The Cardsharps, oil on canvas, 63.5 x 76.5cm Provenance: Recorded in Julia Philips' notebook, c1845: "The Gamblers, a copy by Campinelli & bought at Rome in 1843. The original is in the [Colonna-] Scirra Palace at Rome & is by Michel Angelo Caravaggio". The artist, Campanile of 46 Via Sistina is one of those listed in Murray's Handbook of Rome and it's Environs, 1869 Condition ReportMedium unstable and numerous tiny spots of white flaking, mainly in the lower half of the composition. In the original 19th c gilt cavetto frame

A-Jacques Callot (French 1592-1635)The Bohemians Marching: The Rear Guard, 1621Etching and engraving on laid paperSize: 9 1/8 x 4.75 in. B-Jan Saenradem (Dutch, 1565-1607)after Hendrick Goltzius (Dutch, 1558-1617)after-Polidoro da Caravaggio (Italian, ca. 1499-ca. 1543)The Story of Niobe, plate 3, 1594From the set of eight etchings, The Story of Niobe (The Punishment of NiobeSlight damage-upper right corner C-Old Master EtchingTravelers Through the CountrysideDated 1776Etching on laid paper D-Rembrandt Van RijnSheet of studies with a woman lying ill in bedOnly stateImage size: 5.25 x 5 7/8 in. Etching on laid paper with Van Gelder watermark

ABRAHAM BLOEMAERT (Gorcum, Netherlands, 1564- Utrecht, 1651)."Saint Paul", 1631.Oil on canvas.Signed and dated in the upper right corner.Size: 74.5 x 63 cm; 104 x 93 cm (frame).In this painting, masterfully worked with firm and material brushstrokes, Abraham Bloemaert presents us St. Paul in the foreground on a neutral background, with his gaze directed towards the front. He is dressed in a dark red tunic, accompanied by the book that identifies him from the beginning and the sword, the instrument of his martyrdom with which he is later recognised, of which only the hilt is visible. Bloemaert presents the saint with great naturalism. The face is the absolute protagonist of the work, magnificently modelled through a skilful use of light and shade, with appropriate contrasts that enhance the plasticity of the features and define the artist as a faithful follower of Caravaggio's aesthetic postulates. The gaze is the focus of our attention, and it is reflected with a veracity typical of a careful study of life, with great drama and a deep mysticism.A renowned painter and engraver, Bloemaert initially worked in the style of the "Haarlem Mannerists", but in the 16th century he modified his style in accordance with the new Baroque of Caravaggio, becoming an important master of the Utrecht Caravaggists. He was a pupil of Gerrit Splinter, himself a pupil of Frans Floris, and of Joos de Beer. In 1581 he spent three years in Paris, furthering his studies with Jean Cousin the Younger and the Master of Herry. He completed his training at the Ecole de Fontainebleau in an environment dominated by the elegant and sensual models of the French court. On his return to Utrecht in 1611, together with the two other leading painters (Joachim Wtewael and Paulus Moreelse), he was one of the founders of the Guild of Saint Luke in Utrecht, a new painters' guild of which he became dean in 1618. An eclectic and versatile painter, he cultivated all genres of painting, from historical and allegorical subjects to still lifes, portraits and animal paintings. Bloemaert is represented at the Detroit Institute of Arts in Michigan, the Rijksmuseum in Amsterdam, the Louvre Museum in Paris, the Metropolitan Museum in New York, the Museum of Fine Arts in San Francisco, the Hermitage Museum in St. Petersburg, the Indianapolis Museum of Art, the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, the American Museum of Fine Arts in New York, the American Museum of Fine Arts in New York, the American Museum of Fine Arts in New York, the American Museum of Fine Arts in New York, and the American Museum of Fine Arts in New York. Paul Getty Museum in Los Angeles, the Mauritshuis Royal Picture Gallery in The Hague, the Minneapolis Institute of Arts in Minnesota, the Musée des Beaux-Arts in Rouen, the Museum of Fine Arts in Boston, the Museum of Fine Arts in Nancy, the Musée de Grenoble, the National Gallery of Canada and the Royal Academy of Arts in London, among many other art galleries.This work was requested by the Central Museum in Utrecht to be part of the largest retrospective on the artist to date, scheduled for 2001. The owner of the work has the museum's letter of request, sent in 1996 and signed by the curator of painting at the time, Liesbeth M. Helmus.

Jusepe de Ribera, genannt „lo Spagnoletto“, 1588/91 Xàtiva/ Valencia – 1652 NeapelDIE BÜSSENDE MARIA MAGDALENA IN DER WÜSTE Öl auf Leinwand. Doubliert. 200 x 150 cm. In vergoldetem Profilrahmen.Beigegeben eine Expertise von Nicola Spinosa, Neapel, 24. Januar 2020. Die nach links an einem Felsen kniende Maria Magdalena mit kupferfarbenem Haar, welches sich zusammen mit der silbernen, eng anliegenden Gewandung und dem hellen Inkarnat von dem Dunkel der hinten abschließenden Landschaft kontrastiert. Vor ihr ein menschlicher Schädel, an welchem ein geöffnetes Buch lehnt. Zu ihren Knien ein gläsernes Salbgefäß. Bei dem vorliegenden großformatigen Werk handelt es sich um ein Gemälde, welches der hispanostämmige Ribera in seiner Reifephase anfertigte, nämlich ca. um 1640. Bereits als junger Mann war er 1608-1609 in Rom tätig, wo er vor allem unter dem Einfluss Caravaggios stand, bevor er sich 1616 endgültig in Neapel niederließ. Die vorliegende Magdalena ist besonders gut vergleichbar mit Riberas „Heiliger Agnes“ in Dresden und der „Maria im Gebet und Meditation“, welche sich bei Caylus in Madrid befand. Bei beiden Gemälden und auch bei dem hier angebotenen, scheint Ribera das gleiche weibliche Modell genutzt zu haben; jung, mit kupferfarbenem Haar. Manche habe diese als Tochter Riberas identifiziert. Für alle drei Gemälde gilt auch, dass sie unter dem Einfluss der großen Unbefleckten Empfängnis für den Hauptaltar der unbeschuhten Karmelitinnen in Salamanca entstanden sind. Bevor Ribera nach Neapel ging, studierte er bei Francisco Ribalta (1565-1628) in Valencia. In Rom setzte er sich mit den Werken Raffaelo Santis (1483-1520) und Agostinos (1557-1602) und Annibale Carraccis (1560-1609) auseinander, in Parma und Modena mit denen von Antonio Allegri Correggio (um 1489-1534). Später stand er stark unter dem Einfluss von Michelangelo Merisi il Caravaggio (1570/71-1610). Die Qualität seiner Bilder erhob ihn zum Hofmaler des Herzogs von Osuna wie des Königs von Neapel. Im Jahr 1644 wurde er zum Ritter des Christusordens durch den Papst. 1630 war er bereits Mitglied der Accademia di San Luca in Rom. Neben Caravaggio ist er der bedeutendste Naturalist der Neapolitanischen Malerei mit Betonung des Chiaroscuro. Ein Hauptmerkmal seines Wirkens ist die bewusste Wahl der Darstellung von meist alten, asketisch knochig schlanken Gestalten wie Einsiedlern oder Philosophen.Literatur: Vgl. Nicola Spinosa, Ribera. La obra completa, Fundación Arte Hispanico, Madrid 2008, S. 450, A301 und 302. (1240593) (13)Jusepe de Ribera, also known as “lo Spagnoletto”,1588/91 Jàtiva/ Valencia – 1652 NaplesTHE PENITENT MARY MAGDALENE IN THE DESERTOil on canvas. Relined.200 x 150 cm.In profiled gilt frame.An expert’s report by Nicola Spinosa, Naples, 24 January 2020, is enclosed.Literature:cf. Nicola Spinosa, Ribera. La obra completa, Fundación Arte Hispanico, Madrid 2008, p. 450, A301 and 302.

Neapolitanischer Maler des 17. JahrhundertsHEILIGER SEBASTIAN Öl auf Leinwand. 94,5 x 76,5 cm. In Profilrahmen.Geradezu mystisch gleitet der schmerzverzerrte Körper des Sebastian aus dem dunklen Grund des Bildes heraus an das Licht, dessen Helligkeit Heiligkeit gleichgestellt wird und ihn somit in eine andere Bedeutungsebene transferiert. Caravaggio, dessen Stil das 17. Jahrhundert maßgeblich prägte, war auch in Neapel tätig und so wirkte sich seine Malweise auch auf dort tätige Künstler aus, wie hier gut zu sehen ist. Rest. (1301781) (13)Neapolitan master, 17th centurySAINT SEBASTIAN Oil on canvas. 94.5 x 76.5 cm.Caravaggio, whose style had significant influence on the 17th century, was also active in Naples and his painting style influenced the artists who worked there, as is the case in the painting on offer for sale here. Restored.

Bartolomeo Cavarozzi,1590 – 1625, zug., Schüler CaravaggiosDIE OPFERUNG DES ISAAKÖl auf Leinwand. 111 x 168 cm.Die Darstellung folgt einer Erzählung des Alten Testamentes, in der Gott Abraham befiehlt, seinen Sohn Isaak zu opfern. Auf dem Gemälde vor dunklem Hintergrund in rotem Gewand und braunem Überwurf mit langem Bart steht Abraham mit Dolch in seiner rechten Hand und seine Linke hält den Kopf des Isaak an den schwarzen Haaren. Er will gerade seinen vor ihm auf der Opferstätte liegenden Sohn, der nur mit weißem Tuch um die Hüfte bekleidet ist, opfern, als ihm ein Engel in einem grünen glänzenden Gewand mit weißen Flügeln erscheint. Abraham wendet sich mit seinem Gesicht dem Engel zu, der ihn wiederum ansieht, und kann von seinem Vorhaben abgebracht werden. Am unteren linken Bildrand ist der Kopf eines Widders zu sehen, auf den der Engel mit seinem rechten Arm hinweist. Dieser Widder wird dann anstelle des Sohnes von Abraham geopfert. Lichteinfall erhellt besonders das Gesicht und die rechte Hand des Engels und den Widder. Für den Künstler hervorragende, typische Malerei mit starken Hell-Dunkel-Effekten. Verso im unteren Bereich horizontale Unterlegung, rest.Provenienz: Sotheby‘s, London, 09. Juli 2014. Warschau, The Royale Castle, 1990, Nr. 28 Gregori 13. Anmerkung: Das Ölgemälde von Caravaggio von ca. 1598 (116 x 173 cm) befindet sich in der Piasecka-Johnson Collection, Princeton, New Jersey. (1300777) (18)Bartolomeo Cavarozzi,1590 – 1625, attributed,student of CaravaggioTHE SACRIFICE OF ISAACOil on canvas.111 x 168 cm.The depiction illustrates the Old Testament story according to which God commands Abraham to sacrifice his son Isaac. Horizontal relining on the reverse of the lower part of the painting. Restored.Provenance:Sotheby's, London, 09 July 2014.Warsaw, The Royale Castle, 1990, no. 28 Gregori 13.Notes:The oil painting by Caravaggio dated ca. 1598 (116 x 173 cm) is held at the Piasecka Johnson Collection, Princeton, New Jersey.

Alessandro Turchi, 1578 Verona – 1649 Rom, zug.LOTH UND SEINE TÖCHTER Öl auf Leinwand. Doubliert.31 x 40 cm. In vergoldetem Prunkrahmen.Dargestellt eine Szene aus dem alten Testament: Nach der Rettung aus der brennenden Stadt Sodom war Loth mit seinen Töchtern ins Gebirge in eine Höhle geflüchtet. Aus Sorge um fehlende Nachkommen und in Ermangelung fehlender Ehemänner wussten sich die jungen Frauen nicht anders zu helfen, als ihrem Vater Wein einzuflößen und sich des Nachts zu ihm zu legen. Auf dem Gemälde sind die drei Figuren an einem mit weißem Tuch und diversen Speisen gedeckten steinernen Tisch zu sehen. Der sitzende Loth mit freiem Oberkörper hält in seinem muskulösen ausgestreckten Arm ein Glas, in das seine links von ihm stehende Tochter mit nacktem Oberkörper und braunem Gewand, das ihr rechtes Bein freilässt, aus einer Prunkkanne Wein eingießt. Die ihm gegenübersitzende Tochter in Rückenansicht, erneut mit nacktem Oberkörper und einem leuchtend roten Tuch, das den Hüftbereich und die Beine bedeckt, fordert ihre Schwester durch Fingerzeig auf den Vater zu dem Geschehen weiter auf. Im Hintergrund links fällt der Blick auf die brennende Stadt in leuchtenden gelb-roten Farbtönen. Malerei eines in der Kunstgeschichte beliebten Themas mit starken Hell-Dunkel-Kontrasten, bei der insbesondere die Nacktheit der beiden Töchter, gegenüber dem dunklen Höhlenhintergrund hervorgehoben wird. Retuschen.Anmerkung: Zunächst beeinflusst vom Manierismus in Verona, arbeitete Turchi einige Zeit in Venedig. 1616 ging er nach Rom um sich dort bei der Ausmalung im Palazzo del Quirinale zu betätigen, stand hier jedoch unter dem Einfluss der Carraccis sowie Guido Reni (1575-1642) und Michelangelo Merisi il Caravaggio (1570/71-1610). (13020513) (18)Alessandro Turchi,1578 Verona - 1649 Rome, attributedLOTH AND HIS DAUGTHERSOil on canvas. Relined.31 x 40 cm.

Nicolas Tournier, 1590 Montbéliard – um 1657 Toulouse, zug.ESAU VERKAUFT SEIN ERSTGEBURTSRECHT AN JAKOB Öl auf Leinwand. 76 x 126 cm. Verso alter gedruckter Aufkleber „.ESPOSIZIONE NATIONALE DI BELLE ARTI – 1880“, handschriftlich eingetragen die Ausstellungsnummer, als „Autore“ genannt „Scuola Italiana“ mit Unterschriften.Die hohe Qualität des Gemäldes, sowohl was die Komposition betrifft, als auch die feinmalerische Ausführung, macht es nicht schwer, das Werk ins Oeuvre des Künstlers einzureihen. Ganz offensichtlich zeigt sich hier der Caravaggismus, jene Hell-Dunkel-Auffassung, der ein Hauptmerkmal des Malers ist. Diesen Malstil fand er während seines siebenjährigen Aufenthaltes in Rom - 1619 bis 1626 - als Schüler des Valentin, beeinflusst zudem von Bartolomeo Manfredi. Im Unterschied zu den italienischen Caravaggisten zeigt Tournier jedoch eine betonte Eleganz in Körperhaltungen, aber auch in der Wiedergabe von Farbabstufungen. Tournier wirkte 1627 in Carcassonne und ab 1632 in Toulouse. Neben Vouet, Régnier und de Boulogne gilt er als einer der führenden französischen Carravaggisten. Das altbiblische Thema, geschildert im 1. Buch Moses, hat Tournier in ganz eigener psychologischer Interpretation Bild werden lassen. Die Zwillingsbrüder Jakob und Esau, Söhne von Jakob und Rebekka, waren sichtlich unterschiedlich. Der erstgeborene Esau, mit rauer Haut, wild und ungestüm, war Jäger geworden, uninteressiert an gesellschaftlichem Ansehen. Er bot seinem jüngeren Zwillingsbruder Jakob das Recht der Erstgeburt an, um im Gegenzug einen Teller Linsengericht zu erhalten. Den Augenblick des Angebotes von Esau an Jakob hat der Maler spannend ins Bild gesetzt. Wie bittend hält Esau seine Hand vorgestreckt, während Jakob beinahe überrascht die Finger seiner Hand an die Brust weist, gewissermaßen, ob Esau wirklich ihm das Erstgeburts- und Stammesrecht überlassen will. Am Tisch steht die Schale mit dem Linsengericht. Der hier gezeigte Auftritt Esaus, mit nacktem Oberkörper, Jagdhorn und Jagdtasche, auf einen Stab gestützt, steht in auffälligem Gegensatz zur nahezu herrschaftlichen Kleidung Jakobs, der hier bereits als fähig dargestellt wird, künftig die Rolle der Stammesregierung zu übernehmen. Diese Rollenverteilung wird zudem auch durch die Lichtregie betont. Das Gesicht Jakobs ist hell erleuchtet, während das des Esau verschattet ist. Der Stab und die Beleuchtung des Rückens, wohl durch eine offene Türe, lassen keinen Zweifel aufkommen, dass Esau sich wieder in seine wilde Welt der Jagd zurückbegeben wird. A.R. (†)Provenienz:Sotheby‘s, London, 6. Dezember 2018, Lot 180.Anmerkung:Bedeutender französischer Maler der Caravaggio-Nachfolge. Der italienische Stil des Malers erklärt sich aus seinem Aufenthalt zwischen 1619 und 1626 in Rom, woraufhin er dann nach Südfrankreich übersiedelte. 1627 war er in Carcassonne und ab 1632 in Toulouse. Neben Simon Vouet (1590-1649), Valentin de Boulogne (1594-1632) und Nicolas Régnier (1590-1667), gilt er als einer der führenden französischen Caravaggisten. Nach einigen Quellen soll er bei Valentin gelernt haben, beeinflusst jedoch durch den Caravaggisten Bartolomeo Manfredi (um 1580-um 1620). Werke seiner Hand im Louvre, in Toulouse, im Prado sowie in der Eremitage aber auch in Museen der USA. Eine Ausstellung, dem Maler gewidmet, wurde 2001 in Toulouse veranstaltet.Literatur: Vgl. Nicolas Tournier. 1590-1639. Un peintre caravagesque, Ausstellungskatalog, Musée des Augustins, Toulouse, 29. März - 1. Juli 2001, Paris/ Toulouse 2001. Vgl. Pascal-François Bertrand et. al., Nicolas Tournier. Et la peinture caravagesque en Italie, en France et en Espagne, Tagungsband, Toulouse 2020. (1290149) (11)Nicolas Tournier,1590 Montbéliard – ca. 1657 Toulouse, attributedESAU SELLS HIS BIRTHRIGHT TO JACOB Oil on canvas.76 x 126 cm.Old printed label on the reverse “ESPOSIZIONE NATIONALE DI BELLE ARTI – 1880” with handwritten exhibition number, “Scuola Italiana” named as “Autore” with signatures. The high quality of the painting, both in terms of the composition and the execution in fine painting, makes it easy to attribute it to the artist‘s oeuvre. (†)Provenance:Sotheby‘s, London, 6. December 2018, Lot 180.Literature: cf. Nicolas Tournier. 1590-1639. Un peintre caravagesque, Ausstellungskatalog, Musée des Augustins, Toulouse, 29 March - 1 July 2001, Paris/ Toulouse 2001.cf. Pascal-François Bertrand et. al., Nicolas Tournier. Et la peinture caravagesque en Italie, en France et en Espagne, Conference transcript, Toulouse 2020.

Theodor Rombouts, 1597 – 1637, zug.KARTENSPIELER AM TISCH MIT EINEM KIEBITZ Öl auf Leinwand. 145 x 200 cm.Wie nicht wenige Werke des Malers zeigt sich auch dieses in betontem Großformat. In abgedunkeltem Raum sitzen sich zwei Kartenspieler an einem Tisch gegenüber, zwei weitere Figuren, eine alte Wirtin und ein Jüngling vor seinem Glas und Teller sind rechts am Tischende zu sehen. Links dagegen beugt sich ein grauhaariger Alter weit vor, um in die Karten seines Tischnachbarn zu blicken. Die Figuren sind schlaglichtartig von links beleuchtet, aus einer Lichtquelle, die im Bild nicht zu sehen ist. Die Hell-Dunkel-Malerei des Caravaggismus lässt die Figuren umso plastischer erscheinen. Die Hauptfigur, ein Mann im noblen Landsknechtskostüm mit breitrandigem Hut und roter Feder und umgegürteter Stichwaffe im Halfter, sitzt einzig an der Frontseite des Tisches. Er hält seine Karten in der Linken und ist dabei eine rote Karte zu ziehen, während er gleichzeitig seine rechte Hand auffordernd an seinen Gegner richtet. Dieser wiederum zeigt sich noch unentschlossen. Die Darstellung lässt mehrere Deutungsmöglichkeiten des Spielgeschehens offen. Klar jedoch scheint, dass der Alte als Kibietz fungiert. Möglicherweise ist die Szene rechts dahingegen zu deuten, dass hier der Knappe des Landsknechts von der alten Wirtin ermahnt wird, von der Zusammenarbeit mit dem Betrüger abzulassen, was dieser nur mit einem Lächeln kommentiert. Bildaufbau und die Inszenierung der Darstellung stehen den Werken Caravaggios sehr nahe. So gilt Rombouts als der primäre Caravaggist dieser flämischen Stilrichtung. Zunächst studierte er unter anderem bei Abraham Janssens, vielleicht auch bei Nicolas Régnier in Antwerpen, bevor er sich 1616 nach Rom begab, um dort fast 10 Jahre zu bleiben. Es wird auch allgemein angenommen, dass er anlässlich eines Aufenthaltes in Florenz für Cosimo II de Medici arbeitete und damit auch mit Bartolomeo Manfredi in nahen Kontakt kam. 1625 wurde er Meister der Lukasgilde in Antwerpen. Auch in seinem bekannten Werk „Verleugnung Petri“ (Liechtenstein Museum) ist das Kartenspiel ein Begleitthema. Es erübrigt sich die Feststellung, dass Werke des Künstlers in weiteren bedeutenden Sammlungen zu finden sind. A.R.Literatur: Benedict Nicolson, Caravaggism in Europe, Bd. Bd. III, Turin 1990, S. 164. Andrea Perego, Vittorio Sgarbi et. al., Caravaggio e l'Europa. Il movimento caravaggesco internazionale da Caravaggio a Mattia Preti, Ausst.-Kat., Palazzo Reale, Mailand 15.10.2005-6.2.2006, Mailand 2005. (13007710) (11)Theodor Rombouts, 1597 - 1637, attributedCARD PLAYERS AT A TABLE WITH LAPWINGOil on canvas.145 x 200 cm.Literature:Benedict Nicolson, Caravaggism in Europe, vol. III, Turin 1990, p. 164.Andrea Perego, Vittorio Sgarbi et. al., Caravaggio e l‘Europa. Il movimento caravaggesco internazionale da Caravaggio a Mattia Preti, exhibiton cat., Palazzo Reale, Mailand 15 October 2005-6 February 2006, Milan 2005.

Donald Watson, portrait of St. Catherine, manner of Caravaggio (1570-1609), oil on board, framed

Busïnck (Ludolph, circa 1590-1669). Saint Simon, from the series Christ and the Apostles, 1623-29, chiaroscuro woodcut after Georges Lallemand (circa 1575–1636), printed from four blocks, black, olive-green, and yellow ochre, a very good, rich impression on laid paper, together with Da Trento (Antonio, circa 1508-circa 1560). The Holy Family with two saints (after Parmigianino), chiaroscuro woodcut printed in black and olive-green, a very good, rich impression on laid paper, plus Zanetti (Antonio Maria, 1680-1757). The Shepherd (after Parmigianino), 1722, chiaroscuro woodcut printed from three blocks, in pink, dark blue and light blue, a very good impression on laid paper, on a paper support with painted decorative border, and five etchings with woodblock printing from the Recueil Crozat, 1729-1764: four by the Comte de Caylus and Nicolas Le Sueur, after Polidoro da Caravaggio (La Messe), Baldassare Peruzzi (A Shepherd leading a Lion), Pietro de Pietri (La Sainte Vierge accompagnée de plusieurs saints), Federico Zuccari (L’Empereur Henry IV aux pieds du Pape Gregoire VII), all very good, rich impressions on laid paper, and one by Charles Nicolas Cochin after Raphael (Hercule Gaulois, ou L'Eloquence), all etchings with tone block on laid paper, largest sheet size 45 x 22.8 cm (17 3/4 x 8 7/8 ins), smallest sheet size 17.2 x 11.5 cm (6 3/4 x 4 1/2 ins)Qty: (8)Footnote: Provenance: Busïnck: Friedrich August II, King of Saxony (1797-1854), Dresden, his stamp recto (Lugt 971); probably his posthumous sale, C.G. Boerner, Leipzig, 7-9 May 1928, presumably lot 1551 (with other prints); Caylus and Le Sueur after Polidoro da Caravaggio: Royal Arms of England stamp, verso.Literature: Hollstein 16 (Busïnck after Lallemand); Le Blanc 144, Bartsch 22 (Zanetti after Parmigianino); Le Blanc 305, Bartsch 24 (Anonymous after Parmigianino).

MARC'ANTONIO BASSETTI 17 January 1586 Verona - 1630 Ibid LOTS FLIGHT FROM BURNING SODOM WITH HIS DAUGHTERS Oil on canvas (relined). 73,5 x 99 cm (F. 96,5 x 126 cm). Part. slightly old restored, partly min. surface colour losses. Frame. Marc'Antonio Bassetti was a pupil of Felice Ricci in Verona. In Venice he was especially influenced by the works of Tintoretto, Veronese and Jacopo Bassano. From 1616 the artist stayed in Rome, where the works of Caravaggio had a formative influence on his work. In the work offered here, the nude back figure of Lot's daughter, placed in the centre of the picture and on the diagonal, appears to be an almost exact copy of Bassetti's painting of the figure of 'Danae', which is now in a private collection. The nudity and elongation of the figures as well as the transposition of the serious biblical theme into a frivolous scene is typical of the Mannerist appeal to eroticism of Mannerism in Italy and the late Italian Renaissance. For Bassettis painting of Danae' see.: Mainelli, Sergio: La pittura nel Veneto. Il Seicento. p. 359, Ill. 444. Abb. 444. Provenance: International collection. Provenienz: Intenationaler Sammlungsbesitz. MARC'ANTONIO BASSETTI 17. Januar 1586 Verona - 1630 ebenda LOT FLIEHT MIT SEINEN TÖCHTERN AUS DEM BRENNENDEN SODOM Öl auf Leinwand (doubl.). 73,5 x 99 cm (R. 96,5 x 126 cm). Part. leicht altrest., teilweise min. Oberflächenfarbverluste. Rahmen. Marc'Antonio Bassetti war in Verona Schüler von Felice Ricci. In Venedig wurde er besonders von den Werken Tintorettos, Veroneses und Jacopo Bassanos beeinflusst. Ab 1616 hielt sich der Künstler in Rom auf, wo die Werke Caravaggios einen prägenden Einfluss auf sein Werk hatten. In dem hier angebotenen Werk zeigt sich die ins Bildzentrum und in die Diagonale gesetzte nackte Rückenfigur von Lots Tochter als eine nahezu exakte Übenahme aus Bassettis Gemälde der Figur der 'Danae', das sich heute in einer Privatsammlung befindet. Die Nacktheit und Überlängung der Figuen sowie die Übertagung des ernsten biblichen Themas in eine frivole Szenerie ist typisch für den manieristischen Anklang an Erotik des Manierismus in Italien und der auslaufenden italienischen Renaissance. Zu Bassettis Gemälde der 'Danae' vgl.: Mainelli, Sergio: La pittura nel Veneto. Il Seicento. S. 359, Abb. 444. Provenienz: Intenationaler Sammlungsbesitz.

VIER RADIERUNGEN MIT AQUATINTA 18. Jh. Radierungen mit Aquatinta auf unterschiedlichen Papieren. BM min. 21,5 x 33,5 cm / max. 24,5 x 42 cm. Jew. in der Platte bez. Part. ber., fleckig. U.a. Darstellung nach Ludovico Carracci und 'Moses' von Stefano Mulinari nach Polidoro da Caravaggio. Jew. in Passepartouts montiert.

Follower of Caravaggio Card players in an interior Oil on canvas 74 x 90.4cm; 29¼ x 35½in

A scarce Florentine copper engraving (1660) by Gian Battista Galestruzzi (1619-1678) of two Roman statues from the series of six 'Trophies and Vases', after Polidoro da Caravaggio (1500-1536), 5'' x 6''.

FERNANDO COBO (Madrid, 1975)."Madrid from the Círculo".Oil on canvas.Signed in the lower right corner.Measurements: 81 x 60 cm.His work shows influences of both the master from Tomelloso and the American hyperrealism of Richard Estes and his contemporaries. Although his brushstrokes are far removed from the photographic obsession that confuses painting with snapshots, in the artist's words: "when you get close to the painting the brushstroke can be appreciated, that is the greatness of painting; it would be unthinkable not to see brushstrokes in a Velázquez, a Caravaggio or a Renoir", which is why his works, normally in large format, can be contemplated in the dramatic aspect close to photography, in the distance and in the artisan aspect showing strokes and paint, in the proximity.Hyperrealist painter, specialising in urban landscapes, as a result of his belonging to the group that opted for urban realism thanks to the influence of Antonio López in the 1990s. Fernando Cobo began his training at the age of fifteen, studying drawing and painting with the master landscape painter Machado de Camas. This apprenticeship came to an end nine years later, and it was then that he began to hold his first solo exhibitions. At the same time, Cobo studied Library Science and Documentation, and later Journalism, at the Carlos III University in Madrid. He thus combined his pictorial activity with his literary activity, another of his passions, the result of which is a novel published in 1999 and various contributions to literary magazines. Since his first exhibition, held in 1995, Cobo has held more than thirty personal exhibitions, mainly in Madrid and Barcelona, in galleries such as Victoria Hidalgo, Galileo Galilei, Iris, Dionís Bennassar, etc. He has also participated in the Lineart International Fair in Belgium (2008) and in the V Exhibition of Modern and Contemporary Art Arte Genova in Italy (2009). Fernando Cobo is one of the artists who form part of the Worldgallery label, which focuses on the dissemination of works of art in hotel environments, together with artists of the stature of Subirachs and Lorenzo Quinn, among others. His work is currently represented in various private collections in Spain, as well as in prestigious offices, hotels, private clinics, law firms, legal and judicial institutions, foundations, etc.

FERNANDO COBO (Madrid, 1975)."Manhattan brigde from Washington St".Oil on canvas.Size: 73 x 100 cm; 79 x 105 cm (frame).A hyperrealist painter, specialising in urban landscapes (as a result of his belonging to the group that turned to urban realism thanks to the influence of Antonio López in the 1990s), Fernando Cobo began his training at the age of fifteen, studying drawing and painting with the master landscape painter Machado de Camas. This apprenticeship came to an end nine years later, and it was then that he began to hold his first solo exhibitions. Now in his twentieth year, his work shows influences of both the master from Tomelloso and American hyperrealism (Richard Estes and his contemporaries), although his brushstrokes are far removed from the photographic obsession that makes one confuse painting with snapshots (in the artist's words: "It would be unthinkable not to see brushstrokes in a Velázquez, a Caravaggio or a Renoir"), which is why his works, usually large format, can be seen in the gimmicky side (close to the photographic, in the distance) and in the artisanal side (showing strokes and paint, in the proximity). His abundant production has allowed him to work on a wide variety of urban landscapes, both national (Madrid, Barcelona, etc.) and international. At the same time, Cobo studied Library Science and Documentation, and later Journalism, at the Carlos III University of Madrid. He thus combined his pictorial activity with his literary activity, another of his passions, the result of which is a novel published in 1999 and various collaborations in literary magazines. Since his first exhibition, held in 1995, Cobo has held more than thirty personal exhibitions, mainly in Madrid and Barcelona, in galleries such as Victoria Hidalgo, Galileo Galilei, Iris, Dionís Bennassar, etc. He has also participated in the Lineart International Fair in Belgium (2008) and in the V Exhibition of Modern and Contemporary Art Arte Genova in Italy (2009). Fernando Cobo is one of the artists who form part of the Worldgallery label, which focuses on the dissemination of works of art in hotel environments, together with artists of the stature of Subirachs and Lorenzo Quinn, among others. His work is currently represented in various private collections in Spain, as well as in prestigious offices, hotels, private clinics, law firms, legal and judicial institutions, foundations, etc.

Italian school of the XVII century."Ecce Homo".Oil on canvas.Painted on both sides.Measurements: 86 x 67,5 cm.The theme of Ecce Homo belongs to the cycle of the Passion, and precedes the episode of the Crucifixion. Following this iconography, Jesus is presented at the moment when the soldiers mock him, after crowning him with thorns, dressing him in a purple tunic (here red, symbolic color of the Passion) and placing a reed in his hand, kneeling and exclaiming "Hail, king of the Jews!". The words "Ecce Homo" are those pronounced by Pilate when presenting Christ before the crowd; their translation is "behold the man", a phrase by which he mocks Jesus and implies that Christ's power was not such in front of that of the leaders who were judging him there. Formally, this work faithfully follows the guidelines of baroque naturalism, defined by the work of Caravaggio and his followers. Thus, visually dominates the light treatment, very contrasted and effective, based on a spotlight that falls directly on the figure of Christ, creating expressive effects of chiaroscuro and leaving the rest in semi-darkness, on a dark and neutral background that further enhances the physical presence of the character. The chromatism also derives directly from Caravaggist models, and is therefore based on a restricted and warm palette, enormously nuanced, of ochre, earthy and carmine tones.

BARTOLOMEO MANFREDI (Ostiano, 1582-Rome, 1622) "Judith with the head of Holofernes". Oil on canvas. Attached study of Don Gianni Papi. It has a frame of the nineteenth century. Size: 98 x 89 cm; 116 x 108 cm (frame). This work includes a study by Gianni Papi, Doctor in art history from the University of Florence. His research work focuses especially on the figure of Carvaggio, Ribera and the early Seicento in Rome. The image of this canvas is based on the biblical book of Judith, from the Old Testament. The book tells the story of a Hebrew widow, Judith daughter of Merari, in the midst of Israel's war against the Babylonian army, erroneously called Assyrian. With beautiful features, high education and enormous piety, religious zeal and patriotic passion, Judith discovers that the invading general, Holofernes, has fallen in love with her. Accompanied by her maid, the widow descends from her walled city besieged by the foreign army and, deceiving the soldier into believing that she is in love with him, manages to enter his tent. Once there, instead of yielding to his gallant claims, she intoxicates him. When Holofernes falls asleep, Judith cuts off his head, sowing confusion in the Babylonian army and thus obtaining victory for Israel. This is a frequent theme in the history of art, mainly from the Baroque period onwards. However, if during the 17th century the scene in which Judith kills Holofernes was preferred, the taste of the 19th century determines a less dramatic expression, which is why the author of this canvas has chosen the moment before the assassination. Judith is presented concentrated, sword in hand, already initiating the movement to decapitate the general. The latter appears sleeping peacefully, his weapons abandoned on the ground in a clearly symbolic detail. The painter has focused especially on the depiction of the face of the biblical heroine, who looks directly at the man with hatred and decision. Bartolomeo Manfredi was born in Ostiano, however, it is believed that his initial training took place in Mantua, under the guidance of the artist Cristoforo Roncalli, known as Pomarancio. Bibliographic sources do not reveal exactly when he arrived in Rome, but it is known that he was in the city during the first years of the 17th century. Manfredi was one of the first emulators of Caravaggio's innovative style, with his sustained chiaroscuro and his insistence on naturalism, with a gift for telling a story through the expression and body language of his characters. The Punishment of Cupid (Art Institute of Chicago), clearly shows this ancestry. Despite this influence, Manfredi brought a very personal touch to Caravaggio's themes. He also became the continuator and disseminator of Caravaggio's legacy to foreign painters, who came in particular from France and Utrecht, to study in Italy. Manfredi was, according to his biographer Giulio Mancini, "a man of distinguished appearance and refined behavior". Although he rarely appeared in public, he built his career around easel painting for private clients. He did not seek public commissions that would earn him greater notoriety, but his works entered large collections in the 17th century, a time when he was considered equal, if not superior, to Caravaggio.

"SLASKY", GIANLUCA PALONE (Artena, Rome, 1972)."Lucrezia de Medici".Digital art.Giclèe on canvas.Edition 1/3 COA.Measurements: 85 x 55 cm.Slasky is an established Italian artist whose works have been presented in solo and group exhibitions internationally. Fascinated by the baroque painting of Caravaggio, Slasky creates classical artworks elaborated using digital art techniques. With his classical neo-urban style, he unites tradition and modernism, bringing the protagonists of the original artworks into modern-day social and artistic environments. By inserting the protagonists of the original works into contemporary social and artistic environments, he has created a series of pieces that send new messages and require a level of collaboration from the viewer to be understood.The works have an immediate sense of familiarity, but presented with an injection, sometimes explosion, of color and life that absorbs them with richness and modernity. In his canvases, details take center stage, using contrasting color techniques, textured backgrounds and silkscreens to create the same subject matter in a variety of ways, separating it from its traditional backgrounds.

Otto MuehlDer Knabe mit dem Weinglas (nach Caravaggio)1986Farbserigraphie, übermalt; gerahmt100 x 70 cmSigniert und datiert rechts unten: Otto Muehl 86Unikatösterreichische Privatsammlung

Jan Harmensz. van Bylert, um 1597 Utrecht – 1671 ebenda DER LAUTENSPIELER Öl auf Leinwand. 105 x 80 cm.Der Maler hatte sich auf Halbbildnisse spezialisiert, insbesondere auch von Musikern oder Philosophen, die in mehreren öffentlichen Sammlungen vertreten sind, wie das bekannte Gemälde mit einem Konzert mit Lauten- und Cellospielern. Auch das hier vorliegende Motiv zeigt einen Jüngling im Dreiviertelbildnis nach rechts, in sitzender Haltung an einer Laute, wobei sein halb geöffneter Mund andeutet, dass er sich selbst singend begleitet. Über dem schwarzen kurzen lockigen Haar ein Barett mit großer weißer Straußenfeder, eine Reminiszenz auch an das Werk Caravaggios, wie ebenso die Darstellung des jungen Musikers mit entblößter Schulter. Farblich dominierend ist das kräftige Rot im Umhang, das als farblicher Gegenpol zum hellen Grau-Blau des Hintergrundes steht. Der Einfluss Caravaggios ist auch in dem vorliegenden Gemälde unverkennbar. Anmerkung:Der Künstler war Sohn eines Glasmalers und nach Mitteilung des frühen Künstlerbiographen Joachim von Sandrart d. Ä. (1606-1688) ein Schüler des Abraham Bloemaert (1564-1651), bevor ihn seine Studienreisen nach Frankreich und dann nach Italien führten. In Rom verblieb er wahrscheinlich bis 1624 und stand dort in Kontakt mit den holländischen Malern Jan Gerritsz van Bronchorst (1603-1661) oder Cornelis van Poelenburgh (1586-1667). Ab Mitte der 1620er-Jahre ließ er sich stark von Michelangelo Merisi il Caravaggio (1570/71-1610) und Guido Reni (1575-1642) beeinflussen, wie ebenso von Gerrit van Honthorst (1590-1656). Er gilt als einer der führenden, wenn nicht sogar als führendster Vertreter der Utrechter Caravaggisten.Literatur: Paul Huys, Jan van Bijlert, 1998, S. 139 Nr. 105, Pl. 46, circa 1625-1635. (12901421) (11)Jan Harmensz. van Bylert,ca. 1597 Utrecht – 1671 ibid.LUTE PLAYEROil on canvas.105 x 80 cm.Literature:Paul Huys, Jan van Bijlert, 1998, p. 139 Nr. 105, Pl. 46, circa 1625-1635.

Pietro Paolini,1603 Lucca – 1681 ebendaJUNGER GITARRESPIELER Öl auf Leinwand. 73 x 60 cm. In ebonisiertem Holzrahmen.Beigegeben in Kopie ein Gutachten von Prof. Patrizia Giusti Maccari. Das vorliegende Werk ist zudem bei der Fondazione Zeri unter Nummer 55820 mit Abbildung dokumentiert als Pietro Paolini 1928 wurde das angebotene Gemälde von Adolfo Venturi noch Caravaggio zugeschrieben. Vor unbestimmtem Hintergrund das Hüftportrait eines leicht nach links gewandten jungen Mannes eine Gitarre spielend, die er in geschickter optischer Verkürzung in den Betrachterraum hält. Wenngleich das Gemälde noch 1928 als Werk Caravaggios galt, erkannte Federico Zeri es jedoch als eigenhändiges Werk des lucchesischen Malers Pietro Paolini an. Giusti Maccari datiert das Gemälde in ihrem mehrseitigen Gutachten auf ca. 1625 - 1630. Ein Hauptaugenmerk seines Schaffens lag auf allegorischen Gemälden und auf Portraits- und vermutlich haben wir es hier mit einer Kombination beider Typoi zu tun, so weißt die Nase auf portraithafte Züge hin, während die Gitarre auch als Allegorie des Gehörs verstanden werden kann. Im Walters Art Museum wird etwa die Allegorie der Fünf Sinne verwahrt, in der freilich der allgegenwärtige Caravaggismus der Zeit mit seinen Chiaro-Scuro Effekten mitschwingt. Überhaupt scheint Musik eines seiner Lieblingsthemen zu sein, so wird das 1620-1630 entstandene Gemälde „Konzert“ im Dallas Museum of Art aufbewahrt, welches ebenso wie das hier angebotene Gemälde in die Anfangsjahre seiner Römischen Tätigkeit fällt.Provenienz: Laut Fondazione Zeri Römische Privatsammlung.Anmerkung:Paolini wurde bereits sechzehnjährig nach Rom geschickt um unter der Anleitung von Angelo Caroselli zu arbeiten und sich die verschiedensten Malerschulen der Bologneser und Florentiner zu eigen machen zu können. Dabei ist sein Stil stark vom Caravaggismus beeinflusst worden. 1628 in Venedig, kehrt er bereits 1631 in seine Heimatstadt Lucca zurück, wo er 1640 seine eigene Akademie zur Ausbildung lokaler Künstler gegründet hat. Von Giacomo Sardini (1751-1811) wurde er erstmals in großem Stile als einer der strahlensten Maler der Luccesischen Schule gewürdigt. Der Einfluss aus dem Kreis von Bartolomeo Manfredi ist unverkennbar. (1291771) (13)Pietro Paolini,1603 Lucca – 1681 ibid.YOUNG GUITAR PLAYEROil on canvas.73 x 60 cm. A copy of the expert‘s report by Professor Patrizia Giusti Maccari is enclosed. The present painting is also listed with an illustration at Fondazione Zeri under n. 55820 and described as by Pietro Paolini; when the painting was offered for sale by Adolfo Venturi in 1928 it was attributed to Caravaggio. Although the painting was still considered a work by Caravaggio in 1928, Federico Zeri recognized it as an original work by the Lucca painter Pietro Paolini. Giusti Maccari dates the painting in her multi-page report to around 1625-1630. In his multi-page report Giusti Maccari dates the painting to ca. 1625 - 1630. The Walters Art Museum, for example, holds The Allegory of the Five Senses, which resonates with the omnipresent Caravaggism and its chiaroscuro typical for the time. Music seems to have been one of his favourite subjects generally, like the painting Concert (1620-1630) held at the Dallas Museum of Art for example, which dates to his early years in Rome like the painting offered for sale here.Provenance: According to Fondazione Zeri held in private collection, Rome.

Cesare Fracanzano, um 1605 Bisceglie (Bari) – 1651 Barletta, zug.DER UNGLÄUBIGE THOMAS Öl auf Leinwand. 120 x 165 cm. Ungerahmt.Jesus steht rechtsseitig im hellem Gewand und hat dieses bereitwillig zur Seite gezogen, um so seine helle Brust mit dem Wundmal frei zu legen. Der vor ihm stehende ungläubige Thomas, in rotem Umhang, steht leicht vorgebeugt und sticht mit seinem Zeigefinger weit hinein in die Wunde; Jesus hält Thomas Handgelenk umfasst und führt dessen Hand sanft, aber bestimmt an seine Wunde. Links von Jesus, vor dunklem Hintergrund, vier weitere Jünger, die das Geschehen aufmerksam betrachten sowie rechtsseitig ein Jünger in ockergelbem Gewand, der als einziger aus dem Bild auf den Betrachter hinausschaut, um ihn so in das Geschehen mit einzubeziehen. Darstellung, die sich auf Caravaggio bezieht und ganz in dessen typischer Manier mit starken Hell-Dunkel-Kontrasten wiedergegeben ist, wobei insbesonders das Gewand und der Körper Christi wie auch das Gesicht des rechtsseitig Stehenden durch die helle Beleuchtung aus nicht sichtbarer Quelle hervorgehoben werden. Verso eine Unterlegung, vereinzelt Retuschen, teils Farbabrieb.Anmerkung 1: Der ungläubige Thomas ist eines der berühmtesten Gemälde von Michelangelo Merisi da Caravaggio. Das 107 x 146 cm große Gemälde hängt heute in der Bildergalerie im Park des Schlosses Sanssouci in Potsdam und dürfte zwischen 1601 und 1603 entstanden sein. Anmerkung 2: Cesare Fraganzano war ein Maler des Frühbarock, der zur Schule von Neapel gerechnet wird. Er studierte in Neapel in der Werkstatt von Jusepe de Ribera. (1280902) (18)Cesare Francanzano, ca. 1605 Bisceglie (Bari) – 1651 Barletta, attributedDOUBTING THOMASOil on canvas.120 x 165 cm.

Spanish mannerist school; mid-sixteenth century."Virgin and Child".Oil on panel. Cradled.It presents faults in the painting and has a longitudinal crack in the board.Measurements: 41 x 31 cm; 49 x 36,5 cm (frame).Image of devotional character, in which the artist presents the Virgin Mary holding Jesus Child on her arms. The attention is concentrated exclusively on the two personages, who are located in the center of the composition. The mother and son are in front of the viewer, and the Virgin is also leaning on a set of nines, a characteristic that may be linked to the representation of the advocation of the Virgin as Immaculate. However, in this case she holds the child in her arms, establishing a maternal and protective relationship between them. Since the end of the Middle Ages, artists insisted on representing, in an increasingly intense way, the bond of affection that united Christ with his Mother and the close relationship between them, this was encouraged in the Renaissance and, naturally, in the Baroque period, when the exacerbation of emotions characterizes much of the artistic production.Due to the technical characteristics, such as the modeling of the forms, the tonalities used, the type of composition, and even the aesthetic details used in the treatment of the canvases that make up the scene, this work can be inscribed within the mannerist school. Due to the aesthetics of this work, it is worth noting that it has certain similarities with the works of Pedro de Campaña (Brussels, 1503 - ca. 1580), a Flemish painter who trained in Italy. He settled in Seville in 1537, where he developed part of his career and achieved great fame. However, in 1562 he returned to Brussels. His work was characterized by a Flemish aesthetic base, although due to his trips to Bologna, Venice and Rome, he received the aesthetic influence of the Italian country, especially Perin del Vaga, and Polidoro de Caravaggio.

Flemish school, Follower of PIETER PAUL RUBENS (Siegen, Germany, 1577 - Antwerp, Belgium, 1640); 17th century."Cupid."Oil on canvas. Relined.Presents repainting.Measurements: 51 x 44 cm.The image represented here can be identified with the portrait of the God Cupid due to its wings. Cupid, equivalent to the Greek Eros, was the primordial god of amorous desire, also related to fertility. The most widespread myth describes him as the son of Venus and Mars, since he unites love and violence in his nature. In Roman art he could be represented as an ephebus or as a child, winged and armed with bow and arrows. Sometimes he is also represented blindfolded, symbol of the blindness of amorous passion. Other of his iconographic attributes are the flaming torch and the rose, emblem of the delicious but fleeting pleasures he procures. Her wings are also a symbol of transience.Due to its formal characteristics, this painting can be related to the circle of Peter Paul Rubens, a painter of the Flemish school who, however, competed on equal terms with contemporary Italian artists, and enjoyed a very important international transcendence, since his influence was also key in other schools, as is the case of the passage to the full baroque in Spain. Although born in Westphalia, Rubens grew up in Antwerp, where his family originated. After his training, Rubens joined the Antwerp painters' guild in 1598. Only two years later he made a trip to Italy, where he stayed between 1600 and 1608. During these decisive dates, the young Flemish master was able to learn first-hand about naturalism and classicism, the works of Caravaggio and the Carracci.

Schutze (Sebastian) Caravaggio, The Complete Works, Taschen 2009 and Rowell (Christopher) Ham House, 400 Years of Collecting and Patronage, Yale University press, 2008 CONDITION REPORT: Condition information is not usually provided in the description of the lot, but is available upon request. Further images and some condition reports can be viewed on our online catalogue at www.chorleys.com

Nicolson, B. Caravaggism in Europe. Second Edition, revised and enlarged by Luisa Vertova. 1 Text- und 2 Tafelbde. in 3 Bdn. Turin, Allemandi, 1990. Mit 1648. Abb. 4°. OPp.-Bde. mit OU. im farb. illustr. OHlwd.-Schuber (Schuber leicht fleckig). Die Tafelbände unter teilt in 'Caravaggio and Italian Caravaggism 1-593, French Caravagissm 594-927' und 'North European Caravaggism'.

After Michelangelo Merisi da Caravaggio, known as Caravaggio (1571-1610) - The Incredulity of Saint Thomas-Caravaggio - A 19th Century Italian Baroque religious oil painting depicting Christ with disciples & St Thomas after the Resurrection of Christ. Set to an ornate gilt gesso carved frame. Measures approx; 24m x 28cm.

Pietro Melandri, Piastra in maiolica, Faenza - Anni '60. Decorata con cesto di frutta in rilievo, derivazione da Caravaggio, finiture in policromia a lustro, firmato in basso a destra 'P. Melandri', H cm 52.5x43 (usure - difetti di cottura).

Frank Stella (B. 1936)La prima spada e l'ultima scopa 1983 synthetic polymer paint on aluminium honeycomb panels and acrylic panel 379.7 by 346.1 by 86.4 cm. 149 1/2 by 136 1/4 by 34 in. This work was executed in 1983. Footnotes:ProvenancePrivate Collection, USSale: Phillips, New York, Contemporary Art Evening Sale, 14 May 2015, Lot 41Private Collection, TurkeyAcquired directly from the above by the present ownerThere is but a handful of artists whose careers capture, define, and redefine the art of an era – thought leaders and virtuosos whose work rewrites the terms of engagement. It could be said of Picasso's cubist leap, Le Corbusier's architecture, Pollock's drips on floor-strewn canvas, The Beatles Please Please Me. For Frank Stella, since his arrival in New York in 1958, his work has steered the course of contemporary art practice through sequential breakthroughs, with his greatest evolution emerging in 1983 after his residency at the American Academy in Rome. Presented here is one of Stella's first and most magnificent works of this period, La prima spada e l'ultima scopa from 1983. A monumental feat of sculpture and painting, the present work draws upon a plethora of references, sources, and historical allusions that culminate in a complex work of sheer brilliance. As part of Stella's Cones and Pillars series (1984-1987) – examples of which reside in the Tate Collection, London (Salta nel mio Sacco, 1984), the National Gallery of Art, Washington (La scienza della fiacca, 1984), and the Centre Pompidou, Paris (La vecchia dell'orto, 1986) – La prima spada e l'ultima scopa is one of the finest, museum-quality examples to come to market. It embodies Stella at his most confident and unhindered, weaving passages of expressive brushstrokes into a lattice of polygonal supports that conjures Romanesque architecture, Russian Constructivism, the swirling strokes of De Kooning, as well as Stella's own shaped canvases of the 1960s. Born in 1936, Stella's ascendancy to the New York avant-garde was swift and prodigious. After majoring in history at Princeton – where he befriended art critic Michael Fried – his practice emerged seemingly fully-formed, producing his pioneering Black Paintings throughout 1959. Such was the impact of his arrival and this debut sequence of works, made freehand in household paint, curator Dorothy Miller included the 23-year-old Stella's works in 16 Americans at MoMA, opening in December of 1959. It was a ground-breaking exhibition that flexed American art and its youthful talent as the pinnacle of global creative freedom and endeavour. Stella's inclusion alongside the likes of Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Ellsworth Kelly, and Louise Nevelson, sealed the artist's place amongst this burgeoning generation who inherited the mantle from a diminishing group of Abstract Expressionists. Whilst Stella's earliest works were significant and impactful for their searing simplicity, devoid of colour and composition, his paintings remained tacitly in-step with the critical recourse of the time. Visual art had emerged from the Greenbergian school prizing the painting qua painting, believing that the nature of a work of art is bound in its constituent parts: paint and support. Stella took this to its limit with his very first step, which, in many people's eyes, signalled the end of Abstract Expressionism and the birth of American Minimalism. As Donald Judd remarked of Stella's influence on his own practice: 'the order is not rationalistic and underlying but is simply order, like that of continuity, one thing after another. A painting isn't an image. The shapes, the unity, the projection, order, and colour are specific, aggressive, and powerful' (Donald Judd, Donald Judd: Writings, New York: 2016, p.141).Marking a hugely critical step away from academic painting and out of the shadow of Minimalism, what Stella's work achieved in the 1980s is a grand synthesis of his experience, ambition, and ceaseless curiosity that culminates in the true maturation of Stella's ultimate style and method. In residence at the American Academy in Rome between 1982-1983, the artist used this opportunity to delve deep into the legacy of the Baroque period and the lives and careers of Caravaggio, Rubens, and Velázquez. Studying their use of light, colour and hue, picture planes and sequential, overlapping passages of a painting's composition, Stella suffused a maximalism and grandeur that can only be described as monumental in La prima spada e l'ultima scopa. Considering the influence of Caravaggio on his practice and what he considered to be a crisis in abstract painting, Stella would go on to deliver a series of lectures at Harvard on the 16th century Milanese painter in 1983-1984, before publishing both an eponymous book, Caravaggio, and Working Space, in 1986, taking aim at contemporary painting's need to develop a pictorial space as potent as Caravaggio's – allowing a painting more 'real' space to suggest extension and unrestricted motion. La prima spada e l'ultima scopa captures this newfound verve with consummate mastery. Through arching projections and intersecting facets, the present work is an operatic display of how a painting can stitch, not only illusionistic space together, but the real space of multiple, sculptural planes. Few painters have attempted such a break from the canon – fewer still have succeeded. Stella remains painting's greatest originator of the postmodern period. As his friend and prominent critic, Michael Fried, commented: 'the visual illusionism in Stella's new pictures goes beyond advanced sculpture in the direction of [...] opticality and illusiveness. [...] Because sculpture is literal it can, in the end, be known; whereas the shapes that constitute Stella's new paintings, and the new paintings as experienced wholes, cannot' (Michael Fried, Art and Objecthood: Essays and Reviews, Chicago: 1998, p.96). This unbounded creativity marks one of the most significant passages of Stella's career, and indeed of twentieth century art. One of the earliest works from his Cones and Pillars series (1984-1987) – often cited as a reference to Paul Cézanne's assertion that a painter should organise nature into cylinders, spheres, and cones – in La prima spada e l'ultima scopa, Stella investigated the potentialities of abstract painting still further through their descriptive function. In 1983, the artist was working on a series of prints entitled Illustrations after El Lissitzky's 'Had Gadya'. In Lissitzky's artistic implementation of the traditions of Jewish Passover, Stella recognised that he had 'attempted something few abstract painters have ever tried to do: address a narrative' (the artist in: Michael Auping, Frank Stella: A Retrospective, New York: 2015, p.32). Upon meeting Italo Calvino at one of his Harvard addresses in 1984, Stella found the Italian fables of Calvino the perfect narrative vehicle for his Cones and Pillars works, titling all of them post-production after the short stories in the Italian's 1956 collection. La prima spada e l'ultima scopa (here meaning 'the first sword and the last broom') tells the story of a wager between two merchants, who send their eldest son (the first sw... This lot is subject to the following lot symbols: * TP* VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.TP Lot will be moved to an offsite storage location (Cadogan Tate, Auction House Services, 241 Acton Lane, London NW10 7NP, UK) and will only be available for collection from this location at the date stated in the catalogue. Please note transfer and storage charges will apply to any lots not collected after 14 calendar days from the auction date.For further information on this lot please visit Bonhams.com

ITALIAN SCHOOL, 18th CENTURY DESIGN FOR A EWER Pen and brown ink with brown wash, heightened with white, over a black chalk sketch, unframed 35 x 19cm. * A drawing showing a related design is in the Uffizi, Florence. The traditional attribution is to Polidoro da Caravaggio (1492-1543), but the style suggests an artist of the 1550-1575 period. A drawing attributed to Marco Marchetti (c.1528-1588) (Christchurch, Oxford) is similar but in reverse. Provenance: Kate de Rothschild, 1980 Exhibited: London, Kate de Rothschild, 1980, no.2 Literature: Peter Fuhring, Design into Art - Drawings for Architecture and Ornament, The Lodewijk Houthakker Collection, volume 1, (London 1989), p.353, no.543 ++ Laid onto support sheet at edges; a few spots of foxing; generally good

After Guercino (Giovanni Francesco Barbieri, detto Il Guercino, 1591-1666). Racolta di alcuni disegni del Barberi da Cento, detto Il Guercino, Rome: Giovanni Generoso Salomoni, 1764, letterpress title with vignette by Ottaviani after Guercino, additional full-page etched title by G.B. Piranesi incorporating Saint Joseph resting, after Guercino (from the collection of the famous sculptor and restorer of antiquities Bartolomeo Cavaceppi), and with dedication to Thomas Jenkins of the Academy of Saint Luke, and 30 fine etchings printed in black and sanguine on 29 sheets, including 13 by Bartolozzi, 6 by Nevay, 5 by Ottaviani, 3 by Piranesi, 2 by Piroli, one by Giovanni Battista Buratto, and one very large etching by Aureliano Milani on three sheets, all printed on fine heavy laid paper (several watermarks, including a fleur-de-lys within double-rule circle, another fleur-de-lys within single-rule circle and letters M V below), wide blank margins, untrimmed, contemporary plain buff paper wrappers, some soiling and minor marks to wrappers, large oblong folio (external dimensions 580 x 790 mm, with the single leaves measuring 580 x 445 mm, and the largest, partly folded, sheet 625 x 745 mm)Qty: (1)NOTESHind, Piranesi (1922) page 86; Focillon 983-986; Wilton-Ely 1015-1018. A magnificent series of plates in excellent original condition, principally after the works of Guercino, but including a number of additional works by or after other artists including Caravaggio, Sebastiano Ricci, Antonio Balestra and Aureliano Milani. The publication appears to have been originally planned by Piranesi when he purchased twelve etchings after Guercino from (and by) the eminent printmaker Francesco Bartolozzi in 1764, who left Italy that year for a career in London. Piranesi added further plates, including several of his own. At least one of the original drawings by Guercino after which these plates were designed came from Piranesi's own collection. The inclusion of Piranesi's etched title in addition to the printed titlepage suggests that the Raccolta was sold at Piranesi's address in the Strada Felice. The letterpress title page with the imprint of Salomoni and vignette by Ottaviani seems to have been used to present various groups of plates, but usually always including the Piranesi title and the very large folding plate by Aureliano Milani, here un-conjoined on three large sheets. Aside from the printed title, and the additional etched title by Piranesi, this album contains 20 mostly full-page etchings after Guercino (12 by Bartolozzi, 2 by Giacomo Nevay on one leaf, 4 by Giovanni Ottaviani including two on one leaf, and 2 by Piranesi), one single-page etching by Piranesi after Pier Leoni Ghezzi, 4 etched studies of heads on one page by Nevay, a single-page etching by Piroli after Caravaggio (The Entombment of Christ), three double-size etchings by Bartolozzi after Sebastiano Ricci (Camillus rescuing Rome from Brennus), Piroli after Guercino (Vénus desolée pour la mort d'Adonis), and Giovanni Battista Buratto after Antonio Balestra (Apotheosis of Saint Ignatius of Loyola), and one very large etching of Christ Carrying the Cross by Aureliano Milani on three sheets.

* Attributed to Biagio Pupini (circa 1496-circa 1575). Nymph pouring water from an urn aided by putti, after Giulio Romano (1499-1546), pen and brown ink, brown wash with lead white and white chalk on pale blue paper, or 'carta azzurra', with a further composition to verso of the Madonna and Child with infant Saint John, brush and brown wash, and lead white and chalk, inscribed in an early hand to recto lower right in brown ink: R. Urbino, and with collector's mark (Lugt 2092) to lower right corner of Sir Peter Lely (1618-1680), some minor marks to sheet edges, sheet size 270 x 397 mm (10 5/8 x 15 5/8 ins), together with the lower edge only (23 x 287 mm) of an old (17th century) laid paper mount for the present work, with double rule border and inscription 'Raffaello d'Urbino' to centre and 'iv 3' towards right corner in brown ink, and 'Biaggio' in a later hand in dark brown ink to the leftQty: (1)NOTESProvenance: Sir Peter Lely (1618-1680), court painter to Charles II of England (Lugt 2092); Private collection, Wiltshire, England. Lely was one of the first great collectors of art in Britain, amassing an important collection that included 10,000 prints and drawings and nearly 600 paintings. The present work is a copy after the painted ceiling caisson, or sunken panel, in the Sala di Amore e Psiche at the Palazzo del Te in Mantua, Italy, by Giulio Romano (1499-1546), depicting a nymph pouring water from an urn aided by putti, completed in 1528. Biagio Pupini is mentioned only incidentally by Vasari in his life of Bartolomeo Ramenghi (called Bagnacavallo, 1484-1542), with whom he worked in Bologna. Pupini also worked alongside Girolamo da Carpi in 1537 on the frescoes of the Sala delle Vigne at the d’Este villa of Belriguardo, outside Ferrara. Malvasia's biography of the artist in his Pitture di Bologna (1686) lists several paintings by Pupini, almost all of which are lost or destroyed. As a consequence it is Pupini's distinctive drawings, often on prepared or coloured paper and employing extensive white heightening, which reflect the influence of both Raphael and Polidoro da Caravaggio, Parmigianino and Girolamo da Carpi. Pupini is known to have drawn numerous copies after the antique masters, as well as Raphael and his followers. The only major Renaissance artist who was a native of Rome, Giulio Romano was Raphael's chief pupil and assistant and later one of the outstanding figures of Mannerist art and architecture. Giulio began working for Raphael around 1515, when he was still very young; after the master's death in 1520 he became his main artistic executor, completing a number of his unfinished works.

POLIDORO DA CARAVAGGIO (NACHFOLGER)(Bergamo 1492 - 1543 Messina)Antike weibliche Büste gerahmt von zwei reich dekorierten Gefässen.Feder in Braun, Aquarell, schwarze Kreide, weiss gehöht auf graugrünem Bütten.19 x 27,4 cm.Provenienz:- Sammlung S.N. Mossoloff (1812-1880), Moskau/Dresden, Lugt 2362.

Fine Arts.- Baglione (Giovanni) Le Vite de' Pittori Scultori et Architetti, dal Pontificato di Gregorio XIII del 1572. In sino a'tempi di Papa Urbano Ottavo nel 1642, first edition, engraved additional pictorial title and a portrait of the author (often missing, including Macclesfield copy sold in 2004), woodcut head-pieces and decorative initials, stained (including additional title and portrait), occasional spotting, new endpapers, contemporary limp vellum, later gilt and morocco label to spine, lightly stained, [Cicognara 2190], small 4to, Rome, Andrea Fei, 1642.⁂ Scarce first edition of this important work on the lives of Baroque artists, mostly Roman, including the Caraccis, Caravaggio, Bernini and also Rubens and Goltzius.

Münzen San Marino von 1972 bis 2012, Silberalle in Kapsel, vz: 500 L 1972, San Marino, 3 Türme, Mutter mit Kind; 500 L 1973, Mädchen mit Taube; 500 L 1975, Heil.Mauritius; 1000 L 1979, Europa m. 2 Möwen; 500 Lire 1980, Olympiade; 1000 L 1980, Heil.Benedikt; 500 L und 1000 L 1984, XXIII Olympiade; 500 L und 1000 Lire 1986, XIII Fußball WM; 500 L und 1000 L 1990, XIV Fußball WM; 1000 L 1994, Winter- Olympiade; 1000 L 1994, XV Fußball WM; 500 L 1995, Olympiade 1996; 10.000 L 1997, Giovanni Caboto; 10.000 L 1998, Kind mit Fahnen; 5 € 2003, Unabhängigkeit; 5 € 2004, Borghesi; 5 € 2005, Onfori; 5 € 2006, Delfico; 5 € 2007 Chancengleichheit; 5 € 2008 Planet der Erde; 2* 5 € 2009, Astronomie; 5 € 2010, 400.Geburtstag Caravaggio; 5 € 2011, 50.Jahrestag 1.Mensch im All; 5 € 2012, Girovanni Pascoli

A collection of books about the artist Caravaggio including three in their original shrink wrappers (5)