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Günther Förg, Untitled
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Description
Günther Förg, Untitled
6-part work: each acrylic on lead on wood Each 80 x 60 cm. Framed in studio frame. Each signed, dated and inscribed 'Förg 89 22/89' and consecutively inscribed from 'A' to 'F' verso on wood.
We would like to thank Michael Neff from the Günther Förg Estate for kindly confirming the authenticity of this work.
Provenance
Galerie Bob van Orsouw, Zurich; private collection, North Rhine-Westphalia
The basic characteristics of Günther Förg’s painterly orientation were already formed during his academic period in the 1970s. From the start, he prescribed himself to a minimalist abstraction in terms of a new beginning free of interpretive ballast with the physical presence of painting taking centre stage.“Förg thus began his painting when abstraction actually no longer had anything to do with abstracting, when the materiality of the paint, the materiality of the picture carrier or the pigment on the wall were the decisive factors.” (Siegfried Gohr, quoted from: Günther Förg. Make it new, Recklinghausen 2004, p.58). He explored means of expression with painting surfaces of aluminium, copper and lead that blurred the boundaries between painting and object art; later he continued this path into three-dimensionality with bronze sculptures and painted plaster reliefs. The surrounding space is also of decisive importance for his painting: he conceives his pictures and picture series as spatial installations, and his wall paintings thus also take direct possession of the space.
From the second half of the 1980s, Förg dedicates himself particularly to the lead pictures. They are his most well-known work group, in which the materiality of the chosen material emerges especially powerfully. The easy malleability of the heavy metal, which made it popular and versatile as a material in earlier times, was also exploited by Förg by rolling it into sheets and stretching it over a wooden frame instead of canvas. “Förg transformed these materials and their inherent differences – lead – wood – painting materials – in a diffuse spatiality. Something like a sounding board emerges without perspective, that shakes the strict truth of geometric composition. It was above all the discovery of lead that opened up the new possibilities as a counterpart to paint. Rare for an artist, this material captivates above all two characteristics: on the one hand it is particularly heavy, and on the other, particularly vulnerable.” (Siegfried Gohr, quoted from: ibid, p.63). Subsequently the inevitable irregularities that occur during the process of stretching, in the form of small bulges, dents and scratches, create a unique surface each time which has an unmistakeable patina. These scars and marks that characterise the surface affect the multi-layered charisma and individuality inherent in these pictures. With its raw material character, the lead appears either directly, because parts are unpainted, or indirectly under the painted layer, giving the works an archaic depth. In the reception of these artworks, the symbolic content always adds a layer of significance, in which the lead material is charged due to its historical fields of application and attributed properties. Quite sombre associations of war equipment, heavy industry and alchemical experiments can resonate subliminally. In the extraordinarily beautiful six-part series offered in this auction, the unusual material remains hidden under the visible surface and shines through only subtly. The six individual vertical-format pictures show closed monochrome colour surfaces, each crossed in the right-hand quarter by a broad vertical line in dark red – an element that visually connects the works in reference to the proverbial ‘red (common) thread’. The irregularities of the lead sheets form a painting ground that exhibit similarities to the traces of use of a historical artifact or to something that has grown naturally, depending on how it is read. The irregular application of paint with its interplay of slightly transparent and opaque sections and the choice of colours reinforces this character. Warm and cool tones balance each other out in their spatial effect; the red and brown tones evoke closeness, the cool white and blue tones create a sense of distance. Lead ground and acrylic paint enhance each other through the contrasts of density and heaviness on the one hand, and permeability and lightness on the other.
Günther Förg’s painting is influenced by numerous impulses that he found in Constructivism and Abstract Expressionism, in the American colour field painting of Barnett Newman and in the Minimalism of art colleagues such as Blinky Palermo. It is crucial to note, however, that in the processing of the pictorial ideas he picked up there, Förg is more concerned with the adoption of formal aspects that particularly appeal to him, and less with content-related demands and connections. Therefore the laconic nature of his pictorial interpretations is often thematised, and in the end, these models play only a limited role: Förg’s practice reaches an entirely individual painterly intensity from within itself, which is not reached solely through the independent sovereign mastery of composition and colour, but above all through the lively and sensual presence with which he is able to charge his pictures.
6-part work: each acrylic on lead on wood Each 80 x 60 cm. Framed in studio frame. Each signed, dated and inscribed 'Förg 89 22/89' and consecutively inscribed from 'A' to 'F' verso on wood.
We would like to thank Michael Neff from the Günther Förg Estate for kindly confirming the authenticity of this work.
Provenance
Galerie Bob van Orsouw, Zurich; private collection, North Rhine-Westphalia
The basic characteristics of Günther Förg’s painterly orientation were already formed during his academic period in the 1970s. From the start, he prescribed himself to a minimalist abstraction in terms of a new beginning free of interpretive ballast with the physical presence of painting taking centre stage.“Förg thus began his painting when abstraction actually no longer had anything to do with abstracting, when the materiality of the paint, the materiality of the picture carrier or the pigment on the wall were the decisive factors.” (Siegfried Gohr, quoted from: Günther Förg. Make it new, Recklinghausen 2004, p.58). He explored means of expression with painting surfaces of aluminium, copper and lead that blurred the boundaries between painting and object art; later he continued this path into three-dimensionality with bronze sculptures and painted plaster reliefs. The surrounding space is also of decisive importance for his painting: he conceives his pictures and picture series as spatial installations, and his wall paintings thus also take direct possession of the space.
From the second half of the 1980s, Förg dedicates himself particularly to the lead pictures. They are his most well-known work group, in which the materiality of the chosen material emerges especially powerfully. The easy malleability of the heavy metal, which made it popular and versatile as a material in earlier times, was also exploited by Förg by rolling it into sheets and stretching it over a wooden frame instead of canvas. “Förg transformed these materials and their inherent differences – lead – wood – painting materials – in a diffuse spatiality. Something like a sounding board emerges without perspective, that shakes the strict truth of geometric composition. It was above all the discovery of lead that opened up the new possibilities as a counterpart to paint. Rare for an artist, this material captivates above all two characteristics: on the one hand it is particularly heavy, and on the other, particularly vulnerable.” (Siegfried Gohr, quoted from: ibid, p.63). Subsequently the inevitable irregularities that occur during the process of stretching, in the form of small bulges, dents and scratches, create a unique surface each time which has an unmistakeable patina. These scars and marks that characterise the surface affect the multi-layered charisma and individuality inherent in these pictures. With its raw material character, the lead appears either directly, because parts are unpainted, or indirectly under the painted layer, giving the works an archaic depth. In the reception of these artworks, the symbolic content always adds a layer of significance, in which the lead material is charged due to its historical fields of application and attributed properties. Quite sombre associations of war equipment, heavy industry and alchemical experiments can resonate subliminally. In the extraordinarily beautiful six-part series offered in this auction, the unusual material remains hidden under the visible surface and shines through only subtly. The six individual vertical-format pictures show closed monochrome colour surfaces, each crossed in the right-hand quarter by a broad vertical line in dark red – an element that visually connects the works in reference to the proverbial ‘red (common) thread’. The irregularities of the lead sheets form a painting ground that exhibit similarities to the traces of use of a historical artifact or to something that has grown naturally, depending on how it is read. The irregular application of paint with its interplay of slightly transparent and opaque sections and the choice of colours reinforces this character. Warm and cool tones balance each other out in their spatial effect; the red and brown tones evoke closeness, the cool white and blue tones create a sense of distance. Lead ground and acrylic paint enhance each other through the contrasts of density and heaviness on the one hand, and permeability and lightness on the other.
Günther Förg’s painting is influenced by numerous impulses that he found in Constructivism and Abstract Expressionism, in the American colour field painting of Barnett Newman and in the Minimalism of art colleagues such as Blinky Palermo. It is crucial to note, however, that in the processing of the pictorial ideas he picked up there, Förg is more concerned with the adoption of formal aspects that particularly appeal to him, and less with content-related demands and connections. Therefore the laconic nature of his pictorial interpretations is often thematised, and in the end, these models play only a limited role: Förg’s practice reaches an entirely individual painterly intensity from within itself, which is not reached solely through the independent sovereign mastery of composition and colour, but above all through the lively and sensual presence with which he is able to charge his pictures.
Günther Förg, Ohne Titel
6-teilige Arbeit: jeweils Acryl auf Blei auf Holz Je 80 x 60 cm. Framed in studio frame. Rückseitig auf dem Holz jeweils signiert, datiert und beschriftet 'Förg 89 '22/89' und in Folge 'A' bis F' beschriftet.
Wir danken Michael Neff vom Estate Günther Förg für die freundliche Bestätigung der Authentizität dieser Arbeit.
Provenienz
Galerie Bob van Orsouw, Zürich; Privatsammlung, Nordrhein-Westfalen
Bereits während seiner Akademiezeit in den 1970er Jahren formen sich die grundlegenden Charakteristika der malerischen Ausrichtung Günther Förgs. Von Beginn an verschreibt er sich einer minimalistischen Abstraktion im Sinne eines von Deutungsballast befreiten Neuanfangs, der die physische Präsenz der Malerei in den Mittelpunkt stellt. „Förg begann also seine Malerei, als für ihn Abstraktion eigentlich nichts mehr mit abstrahieren zu tun hatte, denn die Stofflichkeit des Materials Farbe, die Materialität der Bildträger oder das Pigment auf einer Wandfläche waren die entscheidenden Wirkungsfaktoren.“ (Siegfried Gohr, zit. nach: Günther Förg, Make it new, Recklinghausen 2004, S.58). Er erschließt für sich auf Malgründen aus Aluminium, Kupfer und Blei Ausdrucksmittel, die die Grenzen zwischen Malerei und Objektkunst verwischen, später führt er diesen Weg mit Bronzeplastiken und bemalten Gipsreliefs weiter in die Dreidimensionalität fort. Der umgebende Raum ist auch für seine Malerei von entscheidender Bedeutung, er konzipiert seine Bilder und Bildserien als räumliche Installationen; mit seinen Wandmalereien nimmt er dann auch ganz unmittelbar den Raum in Besitz.
Den Bleibildern widmet sich Förg ab der zweiten Hälfte der 1980er Jahre mit besonderer Aufmerksamkeit. Sie gehören zu seinen bekanntesten Werkgruppen, in ihnen tritt die Stofflichkeit des gewählten Materials besonders kraftvoll zutage. Die leichte Verformbarkeit des Schwermetalls, die es in früheren Zeiten zu einem beliebten und vielfältig eingesetzten Werkstoff werden ließ, macht sich auch Förg zunutze, indem er es, zu Blech ausgewalzt, anstelle von Leinwand über einen Holzrahmen spannt. „Förg transformierte diese Materialien und die ihnen innewohnenden Differenzen – Blei – Holz – Malmaterie – in eine diffuse Räumlichkeit. Ohne Perspektive entsteht etwas wie ein Resonanzboden, der die strenge Wahrheit der geometrischen Komposition erschüttert. Es war vor allem die Entdeckung des Bleis, das als Widerpart der Farbe neue Möglichkeiten eröffnete. Dieses seltene Material für einen Künstler besticht vor allem durch zwei Eigenschaften, einerseits ist es besonders schwer, andererseits besonders verletzlich.“ (Siegfried Gohr, zit. nach: a.a.O., S.63). Denn die bei dem Prozess des Aufspannens unvermeidlich auftretenden Unregelmäßigkeiten in Form von kleinen Aufwölbungen, Dellen und Kratzern schaffen eine jeweils einzigartige Fläche, die eine unverwechselbare Patina besitzt. Von diesen Narben und Schrunden, die die Oberfläche prägen, rührt das vielschichtige Charisma und die Individualität, die diesen Bildern eigen ist. Das Blei tritt mit seinem rohen Materialcharakter entweder direkt, weil in Teilen unbemalt, oder indirekt unter der Malschicht in Erscheinung und verleiht den Werken eine archaisch anmutende Tiefe. In der Rezeption dieser Kunstwerke spielt immer auch der symbolische Gehalt eine Rolle, mit dem das Material Blei aufgrund seiner historischen Anwendungsbereiche und ihm zugeschriebenen Eigenschaften aufgeladen ist. Durchaus düstere Assoziationen an Kriegsgerät, an Schwerindustrie, an alchemistische Experimente können unterschwellig mitschwingen.
In der außerordentlich schönen sechsteiligen Serie, die in dieser Auktion offeriert werden kann, bleibt das ungewöhnliche Material unter der sichtbaren Oberfläche verborgen und scheint nur subtil durch. Die sechs hochrechteckigen Einzelbilder zeigen geschlossene monochrome Farbflächen, die jeweils im rechten Bildviertel von einer breiten vertikalen Linie in dunklem Rot durchlaufen werden – ein Element, das in Anlehnung an den sprichwörtlichen „roten Faden“ die Werke optisch aneinanderbindet. Die Unregelmäßigkeiten des Bleiblechs bilden hier einen Maluntergrund, der je nach Lesart Ähnlichkeiten zu den Gebrauchsspuren eines historischen Artefakts oder zu etwas natürlich Gewachsenem aufweist. Der unregelmäßige Farbauftrag mit seinem Wechselspiel aus leicht transparenten und opaken Partien und die Wahl der Farben verstärken diesen Charakter. Warme und kühle Töne halten sich die Waage und balancieren sich in ihrer räumlichen Wirkung aus; die Rot- und Brauntöne evozieren Nähe, die kalten Weiß- und Blautöne rufen den Eindruck von Ferne hervor. Bleiuntergrund und Acrylfarbe steigern sich gegenseitig durch den Kontrast aus Dichte und Schwere einerseits, Durchlässigkeit und Leichtigkeit andererseits.
Die Malerei Günther Förgs fußt auf zahlreichen Anregungen, die er im Konstruktivismus und abstrakten Expressionismus, in der amerikanischen Farbfeldmalerei eines Barnett Newman und im Minimalismus von Künstlerkollegen wie Blinky Palermo fand. Jedoch geht es ihm bei der Verarbeitung der dort aufgegriffenen Bildideen nur um die Übernahme formaler Aspekte, die ihn besonders ansprechen, nicht um inhaltliche Ansprüche und Zusammenhänge. Oft wird daher die Lakonie seiner bildnerischen Interpretation thematisiert. Doch letztendlich spielen diese Vorbilder nur bedingt eine Rolle: Förgs Malerei erreicht aus sich selbst heraus eine gänzlich individuelle malerische Intensität, die nicht nur durch die eigenständig-souveräne Beherrschung von Komposition und Farbe erreicht wird, sondern vor allem durch die lebendige und sinnliche Präsenz, mit der er seine Bilder aufzuladen vermag.
6-teilige Arbeit: jeweils Acryl auf Blei auf Holz Je 80 x 60 cm. Framed in studio frame. Rückseitig auf dem Holz jeweils signiert, datiert und beschriftet 'Förg 89 '22/89' und in Folge 'A' bis F' beschriftet.
Wir danken Michael Neff vom Estate Günther Förg für die freundliche Bestätigung der Authentizität dieser Arbeit.
Provenienz
Galerie Bob van Orsouw, Zürich; Privatsammlung, Nordrhein-Westfalen
Bereits während seiner Akademiezeit in den 1970er Jahren formen sich die grundlegenden Charakteristika der malerischen Ausrichtung Günther Förgs. Von Beginn an verschreibt er sich einer minimalistischen Abstraktion im Sinne eines von Deutungsballast befreiten Neuanfangs, der die physische Präsenz der Malerei in den Mittelpunkt stellt. „Förg begann also seine Malerei, als für ihn Abstraktion eigentlich nichts mehr mit abstrahieren zu tun hatte, denn die Stofflichkeit des Materials Farbe, die Materialität der Bildträger oder das Pigment auf einer Wandfläche waren die entscheidenden Wirkungsfaktoren.“ (Siegfried Gohr, zit. nach: Günther Förg, Make it new, Recklinghausen 2004, S.58). Er erschließt für sich auf Malgründen aus Aluminium, Kupfer und Blei Ausdrucksmittel, die die Grenzen zwischen Malerei und Objektkunst verwischen, später führt er diesen Weg mit Bronzeplastiken und bemalten Gipsreliefs weiter in die Dreidimensionalität fort. Der umgebende Raum ist auch für seine Malerei von entscheidender Bedeutung, er konzipiert seine Bilder und Bildserien als räumliche Installationen; mit seinen Wandmalereien nimmt er dann auch ganz unmittelbar den Raum in Besitz.
Den Bleibildern widmet sich Förg ab der zweiten Hälfte der 1980er Jahre mit besonderer Aufmerksamkeit. Sie gehören zu seinen bekanntesten Werkgruppen, in ihnen tritt die Stofflichkeit des gewählten Materials besonders kraftvoll zutage. Die leichte Verformbarkeit des Schwermetalls, die es in früheren Zeiten zu einem beliebten und vielfältig eingesetzten Werkstoff werden ließ, macht sich auch Förg zunutze, indem er es, zu Blech ausgewalzt, anstelle von Leinwand über einen Holzrahmen spannt. „Förg transformierte diese Materialien und die ihnen innewohnenden Differenzen – Blei – Holz – Malmaterie – in eine diffuse Räumlichkeit. Ohne Perspektive entsteht etwas wie ein Resonanzboden, der die strenge Wahrheit der geometrischen Komposition erschüttert. Es war vor allem die Entdeckung des Bleis, das als Widerpart der Farbe neue Möglichkeiten eröffnete. Dieses seltene Material für einen Künstler besticht vor allem durch zwei Eigenschaften, einerseits ist es besonders schwer, andererseits besonders verletzlich.“ (Siegfried Gohr, zit. nach: a.a.O., S.63). Denn die bei dem Prozess des Aufspannens unvermeidlich auftretenden Unregelmäßigkeiten in Form von kleinen Aufwölbungen, Dellen und Kratzern schaffen eine jeweils einzigartige Fläche, die eine unverwechselbare Patina besitzt. Von diesen Narben und Schrunden, die die Oberfläche prägen, rührt das vielschichtige Charisma und die Individualität, die diesen Bildern eigen ist. Das Blei tritt mit seinem rohen Materialcharakter entweder direkt, weil in Teilen unbemalt, oder indirekt unter der Malschicht in Erscheinung und verleiht den Werken eine archaisch anmutende Tiefe. In der Rezeption dieser Kunstwerke spielt immer auch der symbolische Gehalt eine Rolle, mit dem das Material Blei aufgrund seiner historischen Anwendungsbereiche und ihm zugeschriebenen Eigenschaften aufgeladen ist. Durchaus düstere Assoziationen an Kriegsgerät, an Schwerindustrie, an alchemistische Experimente können unterschwellig mitschwingen.
In der außerordentlich schönen sechsteiligen Serie, die in dieser Auktion offeriert werden kann, bleibt das ungewöhnliche Material unter der sichtbaren Oberfläche verborgen und scheint nur subtil durch. Die sechs hochrechteckigen Einzelbilder zeigen geschlossene monochrome Farbflächen, die jeweils im rechten Bildviertel von einer breiten vertikalen Linie in dunklem Rot durchlaufen werden – ein Element, das in Anlehnung an den sprichwörtlichen „roten Faden“ die Werke optisch aneinanderbindet. Die Unregelmäßigkeiten des Bleiblechs bilden hier einen Maluntergrund, der je nach Lesart Ähnlichkeiten zu den Gebrauchsspuren eines historischen Artefakts oder zu etwas natürlich Gewachsenem aufweist. Der unregelmäßige Farbauftrag mit seinem Wechselspiel aus leicht transparenten und opaken Partien und die Wahl der Farben verstärken diesen Charakter. Warme und kühle Töne halten sich die Waage und balancieren sich in ihrer räumlichen Wirkung aus; die Rot- und Brauntöne evozieren Nähe, die kalten Weiß- und Blautöne rufen den Eindruck von Ferne hervor. Bleiuntergrund und Acrylfarbe steigern sich gegenseitig durch den Kontrast aus Dichte und Schwere einerseits, Durchlässigkeit und Leichtigkeit andererseits.
Die Malerei Günther Förgs fußt auf zahlreichen Anregungen, die er im Konstruktivismus und abstrakten Expressionismus, in der amerikanischen Farbfeldmalerei eines Barnett Newman und im Minimalismus von Künstlerkollegen wie Blinky Palermo fand. Jedoch geht es ihm bei der Verarbeitung der dort aufgegriffenen Bildideen nur um die Übernahme formaler Aspekte, die ihn besonders ansprechen, nicht um inhaltliche Ansprüche und Zusammenhänge. Oft wird daher die Lakonie seiner bildnerischen Interpretation thematisiert. Doch letztendlich spielen diese Vorbilder nur bedingt eine Rolle: Förgs Malerei erreicht aus sich selbst heraus eine gänzlich individuelle malerische Intensität, die nicht nur durch die eigenständig-souveräne Beherrschung von Komposition und Farbe erreicht wird, sondern vor allem durch die lebendige und sinnliche Präsenz, mit der er seine Bilder aufzuladen vermag.
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Günther Förg, Untitled
6-part work: each acrylic on lead on wood Each 80 x 60 cm. Framed in studio frame. Each signed, dated and inscribed 'Förg 89 22/89' and consecutively inscribed from 'A' to 'F' verso on wood.
We would like to thank Michael Neff from the Günther Förg Estate for kindly confirming the authenticity of this work.
Provenance
Galerie Bob van Orsouw, Zurich; private collection, North Rhine-Westphalia
The basic characteristics of Günther Förg’s painterly orientation were already formed during his academic period in the 1970s. From the start, he prescribed himself to a minimalist abstraction in terms of a new beginning free of interpretive ballast with the physical presence of painting taking centre stage.“Förg thus began his painting when abstraction actually no longer had anything to do with abstracting, when the materiality of the paint, the materiality of the picture carrier or the pigment on the wall were the decisive factors.” (Siegfried Gohr, quoted from: Günther Förg. Make it new, Recklinghausen 2004, p.58). He explored means of expression with painting surfaces of aluminium, copper and lead that blurred the boundaries between painting and object art; later he continued this path into three-dimensionality with bronze sculptures and painted plaster reliefs. The surrounding space is also of decisive importance for his painting: he conceives his pictures and picture series as spatial installations, and his wall paintings thus also take direct possession of the space.
From the second half of the 1980s, Förg dedicates himself particularly to the lead pictures. They are his most well-known work group, in which the materiality of the chosen material emerges especially powerfully. The easy malleability of the heavy metal, which made it popular and versatile as a material in earlier times, was also exploited by Förg by rolling it into sheets and stretching it over a wooden frame instead of canvas. “Förg transformed these materials and their inherent differences – lead – wood – painting materials – in a diffuse spatiality. Something like a sounding board emerges without perspective, that shakes the strict truth of geometric composition. It was above all the discovery of lead that opened up the new possibilities as a counterpart to paint. Rare for an artist, this material captivates above all two characteristics: on the one hand it is particularly heavy, and on the other, particularly vulnerable.” (Siegfried Gohr, quoted from: ibid, p.63). Subsequently the inevitable irregularities that occur during the process of stretching, in the form of small bulges, dents and scratches, create a unique surface each time which has an unmistakeable patina. These scars and marks that characterise the surface affect the multi-layered charisma and individuality inherent in these pictures. With its raw material character, the lead appears either directly, because parts are unpainted, or indirectly under the painted layer, giving the works an archaic depth. In the reception of these artworks, the symbolic content always adds a layer of significance, in which the lead material is charged due to its historical fields of application and attributed properties. Quite sombre associations of war equipment, heavy industry and alchemical experiments can resonate subliminally. In the extraordinarily beautiful six-part series offered in this auction, the unusual material remains hidden under the visible surface and shines through only subtly. The six individual vertical-format pictures show closed monochrome colour surfaces, each crossed in the right-hand quarter by a broad vertical line in dark red – an element that visually connects the works in reference to the proverbial ‘red (common) thread’. The irregularities of the lead sheets form a painting ground that exhibit similarities to the traces of use of a historical artifact or to something that has grown naturally, depending on how it is read. The irregular application of paint with its interplay of slightly transparent and opaque sections and the choice of colours reinforces this character. Warm and cool tones balance each other out in their spatial effect; the red and brown tones evoke closeness, the cool white and blue tones create a sense of distance. Lead ground and acrylic paint enhance each other through the contrasts of density and heaviness on the one hand, and permeability and lightness on the other.
Günther Förg’s painting is influenced by numerous impulses that he found in Constructivism and Abstract Expressionism, in the American colour field painting of Barnett Newman and in the Minimalism of art colleagues such as Blinky Palermo. It is crucial to note, however, that in the processing of the pictorial ideas he picked up there, Förg is more concerned with the adoption of formal aspects that particularly appeal to him, and less with content-related demands and connections. Therefore the laconic nature of his pictorial interpretations is often thematised, and in the end, these models play only a limited role: Förg’s practice reaches an entirely individual painterly intensity from within itself, which is not reached solely through the independent sovereign mastery of composition and colour, but above all through the lively and sensual presence with which he is able to charge his pictures.
6-part work: each acrylic on lead on wood Each 80 x 60 cm. Framed in studio frame. Each signed, dated and inscribed 'Förg 89 22/89' and consecutively inscribed from 'A' to 'F' verso on wood.
We would like to thank Michael Neff from the Günther Förg Estate for kindly confirming the authenticity of this work.
Provenance
Galerie Bob van Orsouw, Zurich; private collection, North Rhine-Westphalia
The basic characteristics of Günther Förg’s painterly orientation were already formed during his academic period in the 1970s. From the start, he prescribed himself to a minimalist abstraction in terms of a new beginning free of interpretive ballast with the physical presence of painting taking centre stage.“Förg thus began his painting when abstraction actually no longer had anything to do with abstracting, when the materiality of the paint, the materiality of the picture carrier or the pigment on the wall were the decisive factors.” (Siegfried Gohr, quoted from: Günther Förg. Make it new, Recklinghausen 2004, p.58). He explored means of expression with painting surfaces of aluminium, copper and lead that blurred the boundaries between painting and object art; later he continued this path into three-dimensionality with bronze sculptures and painted plaster reliefs. The surrounding space is also of decisive importance for his painting: he conceives his pictures and picture series as spatial installations, and his wall paintings thus also take direct possession of the space.
From the second half of the 1980s, Förg dedicates himself particularly to the lead pictures. They are his most well-known work group, in which the materiality of the chosen material emerges especially powerfully. The easy malleability of the heavy metal, which made it popular and versatile as a material in earlier times, was also exploited by Förg by rolling it into sheets and stretching it over a wooden frame instead of canvas. “Förg transformed these materials and their inherent differences – lead – wood – painting materials – in a diffuse spatiality. Something like a sounding board emerges without perspective, that shakes the strict truth of geometric composition. It was above all the discovery of lead that opened up the new possibilities as a counterpart to paint. Rare for an artist, this material captivates above all two characteristics: on the one hand it is particularly heavy, and on the other, particularly vulnerable.” (Siegfried Gohr, quoted from: ibid, p.63). Subsequently the inevitable irregularities that occur during the process of stretching, in the form of small bulges, dents and scratches, create a unique surface each time which has an unmistakeable patina. These scars and marks that characterise the surface affect the multi-layered charisma and individuality inherent in these pictures. With its raw material character, the lead appears either directly, because parts are unpainted, or indirectly under the painted layer, giving the works an archaic depth. In the reception of these artworks, the symbolic content always adds a layer of significance, in which the lead material is charged due to its historical fields of application and attributed properties. Quite sombre associations of war equipment, heavy industry and alchemical experiments can resonate subliminally. In the extraordinarily beautiful six-part series offered in this auction, the unusual material remains hidden under the visible surface and shines through only subtly. The six individual vertical-format pictures show closed monochrome colour surfaces, each crossed in the right-hand quarter by a broad vertical line in dark red – an element that visually connects the works in reference to the proverbial ‘red (common) thread’. The irregularities of the lead sheets form a painting ground that exhibit similarities to the traces of use of a historical artifact or to something that has grown naturally, depending on how it is read. The irregular application of paint with its interplay of slightly transparent and opaque sections and the choice of colours reinforces this character. Warm and cool tones balance each other out in their spatial effect; the red and brown tones evoke closeness, the cool white and blue tones create a sense of distance. Lead ground and acrylic paint enhance each other through the contrasts of density and heaviness on the one hand, and permeability and lightness on the other.
Günther Förg’s painting is influenced by numerous impulses that he found in Constructivism and Abstract Expressionism, in the American colour field painting of Barnett Newman and in the Minimalism of art colleagues such as Blinky Palermo. It is crucial to note, however, that in the processing of the pictorial ideas he picked up there, Förg is more concerned with the adoption of formal aspects that particularly appeal to him, and less with content-related demands and connections. Therefore the laconic nature of his pictorial interpretations is often thematised, and in the end, these models play only a limited role: Förg’s practice reaches an entirely individual painterly intensity from within itself, which is not reached solely through the independent sovereign mastery of composition and colour, but above all through the lively and sensual presence with which he is able to charge his pictures.
Günther Förg, Ohne Titel
6-teilige Arbeit: jeweils Acryl auf Blei auf Holz Je 80 x 60 cm. Framed in studio frame. Rückseitig auf dem Holz jeweils signiert, datiert und beschriftet 'Förg 89 '22/89' und in Folge 'A' bis F' beschriftet.
Wir danken Michael Neff vom Estate Günther Förg für die freundliche Bestätigung der Authentizität dieser Arbeit.
Provenienz
Galerie Bob van Orsouw, Zürich; Privatsammlung, Nordrhein-Westfalen
Bereits während seiner Akademiezeit in den 1970er Jahren formen sich die grundlegenden Charakteristika der malerischen Ausrichtung Günther Förgs. Von Beginn an verschreibt er sich einer minimalistischen Abstraktion im Sinne eines von Deutungsballast befreiten Neuanfangs, der die physische Präsenz der Malerei in den Mittelpunkt stellt. „Förg begann also seine Malerei, als für ihn Abstraktion eigentlich nichts mehr mit abstrahieren zu tun hatte, denn die Stofflichkeit des Materials Farbe, die Materialität der Bildträger oder das Pigment auf einer Wandfläche waren die entscheidenden Wirkungsfaktoren.“ (Siegfried Gohr, zit. nach: Günther Förg, Make it new, Recklinghausen 2004, S.58). Er erschließt für sich auf Malgründen aus Aluminium, Kupfer und Blei Ausdrucksmittel, die die Grenzen zwischen Malerei und Objektkunst verwischen, später führt er diesen Weg mit Bronzeplastiken und bemalten Gipsreliefs weiter in die Dreidimensionalität fort. Der umgebende Raum ist auch für seine Malerei von entscheidender Bedeutung, er konzipiert seine Bilder und Bildserien als räumliche Installationen; mit seinen Wandmalereien nimmt er dann auch ganz unmittelbar den Raum in Besitz.
Den Bleibildern widmet sich Förg ab der zweiten Hälfte der 1980er Jahre mit besonderer Aufmerksamkeit. Sie gehören zu seinen bekanntesten Werkgruppen, in ihnen tritt die Stofflichkeit des gewählten Materials besonders kraftvoll zutage. Die leichte Verformbarkeit des Schwermetalls, die es in früheren Zeiten zu einem beliebten und vielfältig eingesetzten Werkstoff werden ließ, macht sich auch Förg zunutze, indem er es, zu Blech ausgewalzt, anstelle von Leinwand über einen Holzrahmen spannt. „Förg transformierte diese Materialien und die ihnen innewohnenden Differenzen – Blei – Holz – Malmaterie – in eine diffuse Räumlichkeit. Ohne Perspektive entsteht etwas wie ein Resonanzboden, der die strenge Wahrheit der geometrischen Komposition erschüttert. Es war vor allem die Entdeckung des Bleis, das als Widerpart der Farbe neue Möglichkeiten eröffnete. Dieses seltene Material für einen Künstler besticht vor allem durch zwei Eigenschaften, einerseits ist es besonders schwer, andererseits besonders verletzlich.“ (Siegfried Gohr, zit. nach: a.a.O., S.63). Denn die bei dem Prozess des Aufspannens unvermeidlich auftretenden Unregelmäßigkeiten in Form von kleinen Aufwölbungen, Dellen und Kratzern schaffen eine jeweils einzigartige Fläche, die eine unverwechselbare Patina besitzt. Von diesen Narben und Schrunden, die die Oberfläche prägen, rührt das vielschichtige Charisma und die Individualität, die diesen Bildern eigen ist. Das Blei tritt mit seinem rohen Materialcharakter entweder direkt, weil in Teilen unbemalt, oder indirekt unter der Malschicht in Erscheinung und verleiht den Werken eine archaisch anmutende Tiefe. In der Rezeption dieser Kunstwerke spielt immer auch der symbolische Gehalt eine Rolle, mit dem das Material Blei aufgrund seiner historischen Anwendungsbereiche und ihm zugeschriebenen Eigenschaften aufgeladen ist. Durchaus düstere Assoziationen an Kriegsgerät, an Schwerindustrie, an alchemistische Experimente können unterschwellig mitschwingen.
In der außerordentlich schönen sechsteiligen Serie, die in dieser Auktion offeriert werden kann, bleibt das ungewöhnliche Material unter der sichtbaren Oberfläche verborgen und scheint nur subtil durch. Die sechs hochrechteckigen Einzelbilder zeigen geschlossene monochrome Farbflächen, die jeweils im rechten Bildviertel von einer breiten vertikalen Linie in dunklem Rot durchlaufen werden – ein Element, das in Anlehnung an den sprichwörtlichen „roten Faden“ die Werke optisch aneinanderbindet. Die Unregelmäßigkeiten des Bleiblechs bilden hier einen Maluntergrund, der je nach Lesart Ähnlichkeiten zu den Gebrauchsspuren eines historischen Artefakts oder zu etwas natürlich Gewachsenem aufweist. Der unregelmäßige Farbauftrag mit seinem Wechselspiel aus leicht transparenten und opaken Partien und die Wahl der Farben verstärken diesen Charakter. Warme und kühle Töne halten sich die Waage und balancieren sich in ihrer räumlichen Wirkung aus; die Rot- und Brauntöne evozieren Nähe, die kalten Weiß- und Blautöne rufen den Eindruck von Ferne hervor. Bleiuntergrund und Acrylfarbe steigern sich gegenseitig durch den Kontrast aus Dichte und Schwere einerseits, Durchlässigkeit und Leichtigkeit andererseits.
Die Malerei Günther Förgs fußt auf zahlreichen Anregungen, die er im Konstruktivismus und abstrakten Expressionismus, in der amerikanischen Farbfeldmalerei eines Barnett Newman und im Minimalismus von Künstlerkollegen wie Blinky Palermo fand. Jedoch geht es ihm bei der Verarbeitung der dort aufgegriffenen Bildideen nur um die Übernahme formaler Aspekte, die ihn besonders ansprechen, nicht um inhaltliche Ansprüche und Zusammenhänge. Oft wird daher die Lakonie seiner bildnerischen Interpretation thematisiert. Doch letztendlich spielen diese Vorbilder nur bedingt eine Rolle: Förgs Malerei erreicht aus sich selbst heraus eine gänzlich individuelle malerische Intensität, die nicht nur durch die eigenständig-souveräne Beherrschung von Komposition und Farbe erreicht wird, sondern vor allem durch die lebendige und sinnliche Präsenz, mit der er seine Bilder aufzuladen vermag.
6-teilige Arbeit: jeweils Acryl auf Blei auf Holz Je 80 x 60 cm. Framed in studio frame. Rückseitig auf dem Holz jeweils signiert, datiert und beschriftet 'Förg 89 '22/89' und in Folge 'A' bis F' beschriftet.
Wir danken Michael Neff vom Estate Günther Förg für die freundliche Bestätigung der Authentizität dieser Arbeit.
Provenienz
Galerie Bob van Orsouw, Zürich; Privatsammlung, Nordrhein-Westfalen
Bereits während seiner Akademiezeit in den 1970er Jahren formen sich die grundlegenden Charakteristika der malerischen Ausrichtung Günther Förgs. Von Beginn an verschreibt er sich einer minimalistischen Abstraktion im Sinne eines von Deutungsballast befreiten Neuanfangs, der die physische Präsenz der Malerei in den Mittelpunkt stellt. „Förg begann also seine Malerei, als für ihn Abstraktion eigentlich nichts mehr mit abstrahieren zu tun hatte, denn die Stofflichkeit des Materials Farbe, die Materialität der Bildträger oder das Pigment auf einer Wandfläche waren die entscheidenden Wirkungsfaktoren.“ (Siegfried Gohr, zit. nach: Günther Förg, Make it new, Recklinghausen 2004, S.58). Er erschließt für sich auf Malgründen aus Aluminium, Kupfer und Blei Ausdrucksmittel, die die Grenzen zwischen Malerei und Objektkunst verwischen, später führt er diesen Weg mit Bronzeplastiken und bemalten Gipsreliefs weiter in die Dreidimensionalität fort. Der umgebende Raum ist auch für seine Malerei von entscheidender Bedeutung, er konzipiert seine Bilder und Bildserien als räumliche Installationen; mit seinen Wandmalereien nimmt er dann auch ganz unmittelbar den Raum in Besitz.
Den Bleibildern widmet sich Förg ab der zweiten Hälfte der 1980er Jahre mit besonderer Aufmerksamkeit. Sie gehören zu seinen bekanntesten Werkgruppen, in ihnen tritt die Stofflichkeit des gewählten Materials besonders kraftvoll zutage. Die leichte Verformbarkeit des Schwermetalls, die es in früheren Zeiten zu einem beliebten und vielfältig eingesetzten Werkstoff werden ließ, macht sich auch Förg zunutze, indem er es, zu Blech ausgewalzt, anstelle von Leinwand über einen Holzrahmen spannt. „Förg transformierte diese Materialien und die ihnen innewohnenden Differenzen – Blei – Holz – Malmaterie – in eine diffuse Räumlichkeit. Ohne Perspektive entsteht etwas wie ein Resonanzboden, der die strenge Wahrheit der geometrischen Komposition erschüttert. Es war vor allem die Entdeckung des Bleis, das als Widerpart der Farbe neue Möglichkeiten eröffnete. Dieses seltene Material für einen Künstler besticht vor allem durch zwei Eigenschaften, einerseits ist es besonders schwer, andererseits besonders verletzlich.“ (Siegfried Gohr, zit. nach: a.a.O., S.63). Denn die bei dem Prozess des Aufspannens unvermeidlich auftretenden Unregelmäßigkeiten in Form von kleinen Aufwölbungen, Dellen und Kratzern schaffen eine jeweils einzigartige Fläche, die eine unverwechselbare Patina besitzt. Von diesen Narben und Schrunden, die die Oberfläche prägen, rührt das vielschichtige Charisma und die Individualität, die diesen Bildern eigen ist. Das Blei tritt mit seinem rohen Materialcharakter entweder direkt, weil in Teilen unbemalt, oder indirekt unter der Malschicht in Erscheinung und verleiht den Werken eine archaisch anmutende Tiefe. In der Rezeption dieser Kunstwerke spielt immer auch der symbolische Gehalt eine Rolle, mit dem das Material Blei aufgrund seiner historischen Anwendungsbereiche und ihm zugeschriebenen Eigenschaften aufgeladen ist. Durchaus düstere Assoziationen an Kriegsgerät, an Schwerindustrie, an alchemistische Experimente können unterschwellig mitschwingen.
In der außerordentlich schönen sechsteiligen Serie, die in dieser Auktion offeriert werden kann, bleibt das ungewöhnliche Material unter der sichtbaren Oberfläche verborgen und scheint nur subtil durch. Die sechs hochrechteckigen Einzelbilder zeigen geschlossene monochrome Farbflächen, die jeweils im rechten Bildviertel von einer breiten vertikalen Linie in dunklem Rot durchlaufen werden – ein Element, das in Anlehnung an den sprichwörtlichen „roten Faden“ die Werke optisch aneinanderbindet. Die Unregelmäßigkeiten des Bleiblechs bilden hier einen Maluntergrund, der je nach Lesart Ähnlichkeiten zu den Gebrauchsspuren eines historischen Artefakts oder zu etwas natürlich Gewachsenem aufweist. Der unregelmäßige Farbauftrag mit seinem Wechselspiel aus leicht transparenten und opaken Partien und die Wahl der Farben verstärken diesen Charakter. Warme und kühle Töne halten sich die Waage und balancieren sich in ihrer räumlichen Wirkung aus; die Rot- und Brauntöne evozieren Nähe, die kalten Weiß- und Blautöne rufen den Eindruck von Ferne hervor. Bleiuntergrund und Acrylfarbe steigern sich gegenseitig durch den Kontrast aus Dichte und Schwere einerseits, Durchlässigkeit und Leichtigkeit andererseits.
Die Malerei Günther Förgs fußt auf zahlreichen Anregungen, die er im Konstruktivismus und abstrakten Expressionismus, in der amerikanischen Farbfeldmalerei eines Barnett Newman und im Minimalismus von Künstlerkollegen wie Blinky Palermo fand. Jedoch geht es ihm bei der Verarbeitung der dort aufgegriffenen Bildideen nur um die Übernahme formaler Aspekte, die ihn besonders ansprechen, nicht um inhaltliche Ansprüche und Zusammenhänge. Oft wird daher die Lakonie seiner bildnerischen Interpretation thematisiert. Doch letztendlich spielen diese Vorbilder nur bedingt eine Rolle: Förgs Malerei erreicht aus sich selbst heraus eine gänzlich individuelle malerische Intensität, die nicht nur durch die eigenständig-souveräne Beherrschung von Komposition und Farbe erreicht wird, sondern vor allem durch die lebendige und sinnliche Präsenz, mit der er seine Bilder aufzuladen vermag.
Evening Sale - Modern and Contemporary Art
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Lots: 97
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50667
Germany
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